¿Cuál Es La Historia Del Cine En España Desde Sus Inicios?

Me sale una sonrisa cuando repaso las etapas del cine español: siento que cada década tiene su propio latido. Al principio fue el entusiasmo por la proyección y la experimentación técnica, con figuras pioneras y cortometrajes que imitaban y a la vez reinventaban las fórmulas europeas. Luego llegó la fractura de la guerra y la larga sombra de la dictadura, que obligó a la creatividad a encontrar fisuras por las que colarse; ahí nacieron obras que decían más en los silencios que en las palabras. Durante la transición y los años ochenta el cine se liberó en colores, humor y exceso, y nombres como Pedro Almodóvar conectaron lo local con lo universal. Más tarde aparecieron historias de terror que rindieron culto al formato nacional —pienso en «El orfanato» y «REC»— y realizadores que supieron moverse entre lo íntimo y lo épico, como Alejandro Amenábar o J. A. Bayona. Hoy veo un cine plural: hay autores que reivindican la memoria, otros que exploran géneros comerciales y muchos jóvenes que combinan financiación internacional con miradas personales. En lo personal, me encanta que este mosaico siga creciendo y sorprendiéndome cada temporada con propuestas nuevas.

Siempre me ha fascinado cómo el cine puede ser un espejo agrietado de la historia de un país, y la historia del cine en España es uno de esos espejos llenos de capas y matices. Los primeros destellos llegaron casi al mismo tiempo que en el resto de Europa: proyecciones en Barcelona y Madrid a finales del siglo XIX, y cineastas pioneros como Segundo de Chomón mostrando oficio técnico que rivalizaba con los efectos de Méliès. En los años veinte surgieron experimentos de vanguardia y, sobre todo, la aparición de figuras como Luis Buñuel, que con «Un perro andaluz» y «La edad de oro» puso a España en el mapa del surrealismo fílmico mundial, aunque muchas de esas obras se hicieron fuera del país o en coautoría internacional por las circunstancias políticas. La Guerra Civil y la dictadura franquista marcaron profundamente el rumbo del séptimo arte español. Durante la Segunda República y la contienda hubo cine de propaganda y documentales que intentaron contar la guerra desde posiciones opuestas; tras la victoria de Franco llegó una época de fuerte censura, industria protegida y un cine institucional y costumbrista en el que abundaban los melodramas, comedias y epopeyas históricas. Aun así, en los años cincuenta y sesenta se fue gestando una corriente crítica y sutil: nombres como Luis García Berlanga con «Bienvenido, Mister Marshall!» y Juan Antonio Bardem con «Muerte de un ciclista» empezaron a cuestionarlo todo con ironía y dureza. Paralelamente, directores como Carlos Saura y Víctor Erice crearon obras poéticas y reflexivas —pienso en «La caza», «Cría cuervos» y «El espíritu de la colmena»— que hablaron del silencio, la memoria y la represión. La transición a la democracia detonó una explosión creativa: la Movida Madrileña dio lugar a cine irreverente y transgresor donde Pedro Almodóvar surgió con fuerza en los ochenta, transformando la mirada española con títulos como «Mujeres al borde de un ataque de nervios». En las décadas siguientes hemos visto una mezcla fértil entre autoría personal y éxitos comerciales: Amenábar con «Tesis» y «Los otros», Bayona con «El orfanato» y «Lo imposible», y el boom del terror con «REC». Festivales como San Sebastián, Sitges o Málaga se convirtieron en vitrinas internacionales, y el cine español ganó reconocimiento global, incluyendo premios importantes como el Oscar para «Belle Époque» y para trabajos de Almodóvar. Hoy la industria vive entre la tradición del cine de autor, las coproducciones internacionales y la influencia de las plataformas digitales; yo sigo encontrando en cada película una forma distinta de contar quiénes somos, y eso me emociona siempre.