¿Cómo Críticos Españoles Valoran 'Los Nuevos Mutantes'?

Me llamó mucho la atención cómo la crítica española recibió «Noche de Bruma»: en general hubo un reconocimiento amplio hacia la propuesta visual y las actuaciones. Yo leí reseñas en prensa nacional que destacaban la dirección de fotografía y la apuesta por un tono oscuro que no se queda en lo accesorio, sino que alimenta la trama. Muchos críticos elogiaron la química entre los protagonistas y la manera en que la serie logra suspense sin depender solo de giros gratuitos. No todo fue elogio sin matices: varios columnistas señalaron problemas de ritmo en el tramo medio y algunos diálogos que suenan forzados en momentos clave. Yo, que sigo críticas culturales desde hace años, noté además una división entre la crítica más mainstream y los especialistas en series, estos últimos más indulgentes con los riesgos formales. En mi opinión, la valoración global fue positiva, con reservas razonables; es de esas series que deja tema para debate y que, además, merece más que una sola revisión por parte del público y la crítica.

Me acuerdo bien de la expectación y las risas nerviosas cuando por fin vimos que «Los Nuevos Mutantes» tenía fecha fija: en España se estrenó en cines el 28 de agosto de 2020, tras un aluvión de retrasos que duraron casi dos años. Llegó en plena temporada de reapertura de salas, así que la sensación en la butaca era raramente optimista: éramos espectadores atrapados entre el deseo de ver cine nuevo y la incertidumbre de la época. La película, con su mezcla de terror y drama adolescente, se sintió distinta a lo que muchos esperaban de una película de mutantes, y el estreno en ese momento le dio un tinte de curiosidad casi terapéutica para quienes queríamos volver al cine. Recuerdo que, al menos en mi ciudad, las sesiones no estaban llenas hasta las luces bajas, pero había una energía contenida, como si todos fuéramos cómplices de algo pequeño y remarcablemente raro. Fue un estreno menor en taquilla comparado con otras películas del universo, pero valió la pena por ver cómo un proyecto tan tortuoso llegaba a la pantalla española. A mí me dejó con ganas de debatir más sobre su tono de horror y su tratamiento de los personajes, así que salí con la sensación de que habíamos presenciado un experimento interesante, imperfecto pero sincero.

No hay nada como encontrar una película que quieres ver y tener varias rutas legales para elegir: en España, la opción más directa para ver «Los Nuevos Mutantes» es a través de Disney+, dentro de la sección Star. Desde que Disney integró las películas de 20th Century en su catálogo europeo, muchos títulos como este aparecen ahí, con posibilidad de ver la versión original y el doblaje al castellano, además de subtítulos. Si ya tienes suscripción, solo búscala por el título en la app o en la web y te aparecerá si está incluida en tu plan. Si no estás suscrito o prefieres comprarla/alquilarla, suelo recurrir a las tiendas digitales: en Amazon Prime Video (tienda), Apple TV/iTunes, Google Play/Google TV, Rakuten TV o YouTube Movies suele estar disponible para alquiler o compra. Normalmente el alquiler te da 48 horas desde que la empiezas a ver; la compra queda en tu biblioteca. También conviene mirar Movistar+ ocasionalmente, porque a veces adquieren derechos temporales. Personalmente evito las plataformas no oficiales: además de ser ilegal, la calidad y las opciones de audio/subtítulos suelen ser malas. Así que mi recomendación práctica es primero comprobar Disney+ (Star) y, si no, pasar a las tiendas digitales habituales; en mi experiencia es la forma más rápida y cómoda de verla con buena calidad y sin sorpresas.

Siempre me ha fascinado cómo una nueva edición puede cambiar la manera en que leo a un autor tan viejo como Aristóteles. Yo tiendo a fijarme en la labor filológica: si la edición incorpora variantes de manuscritos, una excelente introducción histórica y notas que señalen problemas textuales, entonces sí capta la atención de los críticos serios. Muchos críticos valoran esas aportaciones técnicas porque, aunque el texto base sea el mismo, la restitución de lecturas más fiables o la explicación de pasajes dudosos iluminan cuestiones filosóficas enteras. Además, la traducción y el aparato crítico importan: una versión que respeta matices y evita modernizaciones injustificadas suele recibir elogios, sobre todo si va acompañada de un buen aparato de notas y bibliografía. En mi experiencia, cuando una nueva edición aporta claridad y abre vías de interpretación, los críticos la reciben con interés y, a veces, con entusiasmo genuino.

En una sesión nocturna en el cine de barrio, recuerdo cómo la pantalla se llenó de esa mezcla extraña de ternura y repulsión que tantos críticos españoles han destacado sobre «La mosca». Muchos comentaristas aquí valoran la película como un ejemplo magistral de cómo el terror puede ser también una fábula humana: elogian la dirección por convertir un relato de ciencia ficción en una exploración sobre la identidad, el miedo a la enfermedad y la pérdida de control. En reseñas y retrospectivas, la atención se centra en la actuación y en los efectos prácticos, que en su momento fueron descritos por la crítica especializada como revolucionarios para su honestidad y su capacidad de provocar empatía en el público. Desde mi punto de vista más veterano, los periodistas de cine en España suelen situar a «La mosca» dentro de la tradición de terror serio, no solo como entretenimiento. Se aprecia que la película no se conforma con el susto fácil: propone una metáfora que fue particularmente potente en la época de su estreno y que sigue resonando. También hay críticas: algunos reseñistas españoles consideran que el final adquiere tintes melodramáticos que polarizan a la audiencia, y hubo quienes defendieron la versión clásica frente al remake. En festivales como Sitges se la trata con respeto y se la reevalúa constantemente; ahí se le reconoce su influencia en cineastas españoles que trabajan el horror corporal y las transformaciones psicológicas. En definitiva, la valoración en España mezcla admiración por la artesanía del film con debates sobre su tono y tratamiento temático, y para mí sigue siendo una de esas películas que, aunque incómoda, no olvidas fácilmente.

Me ha sorprendido lo claras que han sido muchas críticas sobre las series nuevas que han salido este año. Personalmente, he leído reseñas y comparativas que no solo hablan de popularidad sino de ambición narrativa: por ejemplo, «Oshi no Ko» ha salido mucho en conversaciones por cómo mezcla thriller con una mirada brutal a la industria del entretenimiento; los críticos aplauden su guion y la manera en que no regala respuestas fáciles. Otra que suele aparecer es «Frieren: Beyond Journey's End», sobre todo por la calma y la profundidad emocional que consigue, algo que los reseñistas valoran porque se sale del tono típico de aventuras. También he visto que se destaca la destreza técnica y la dirección en títulos con escenas de acción muy pulidas, así como la apuesta por bandas sonoras que acompañan la atmósfera sin taparla. En lo personal, disfruto ver cómo la crítica rescata obras que arriesgan en ritmo o tono, y me interesa seguirlas porque suelen dar experiencias más interesantes que lo que marca la moda. Al final, me quedo con una sensación de que este año ha habido variedad real y propuestas que merecen escucharse con calma.

Desde hace años me intriga cómo la crítica transforma a los mutantes en símbolos complejos y a veces contradictorios. Yo suelo ver a los analistas describir a los mutantes como la representación del otro: figuras que generan miedo y fascinación al mismo tiempo. En muchas reseñas sobre «X-Men» se habla de ellos como una metáfora de la discriminación y los derechos civiles, mientras que en textos sobre «Logan» aparecen como seres trágicos, víctimas de un mundo que no los entiende. Los críticos valoran cuándo una película logra humanizar a esas figuras y cuándo, en cambio, las convierte en simple espectáculo de efectos especiales. Además me llama la atención que algunos críticos prefieran la vertiente social —la lectura política o queer— y otros se centren en la estética: metamorfosis corporales, horror corporal o el coste emocional de los poderes. Personalmente, disfruto cuando una película equilibra ambas cosas: que no sea solo golpes y pirotecnia, sino que deje espacio para la empatía y la ambigüedad moral.

Me encanta cuando un reparto joven y arriesgado se junta: en «Los Nuevos Mutantes» aparecen varios nombres que probablemente ya conoces. Entre los protagonistas están Maisie Williams, Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton, Henry Zaga, Blu Hunt y Alice Braga, además de otros actores que completan el plantel en papeles secundarios. Ese grupo fue la razón principal por la que mucha gente tuvo curiosidad desde el anuncio; ver caras nuevas y conocidas en un cómic oscuro prometía una mezcla interesante. Recuerdo que, al ver los trailers, pensé en cómo cada intérprete traería su propio matiz al tono de la película. Maisie y Anya llegaron con carreteras recientes de fama que generaban expectativas distintas, mientras que Charlie, Henry y Blu sumaban una energía de ensemble que buscaba equilibrio entre terror y drama. Alice Braga aporta un ancla más madura que estabiliza la historia cuando la tensión se dispara. Al final, lo que más me llamó la atención fue comprobar cómo un elenco así puede transformar una premisa de cómic en algo más íntimo y perturbador. No solo son nombres en un póster: cada uno contribuye a la atmósfera de «Los Nuevos Mutantes», y eso hizo que yo revisara la película varias veces con gusto.

Me mola cómo la crítica española dibuja esta nueva etapa de la ciencia ficción: la ven como una escena que ya no pide permiso para mezclarse con la «literatura seria» y que usa lo especulativo para comentar el presente. Yo, que llevo años leyendo reseñas y charlando en foros, noto que muchos críticos elogian la mezcla de lo social y lo tecnológico; no se trata solo de naves o futuros distantes sino de barrios, familias y trabajo precario situados en un mañana cercano. En varias críticas se subraya la apuesta por voces diversas y por una estética más contenida, casi «low-fi», que prioriza la atmósfera y los dilemas éticos sobre los gadgets brillantes. También hay quienes critican la dispersión: calidad excelente en relatos y novelas concretas, pero mercado fragmentado y poca continuidad editorial. Yo termino pensando que la mejor virtud de esta etapa es su curiosidad: los autores prueban géneros, incorporan memoria histórica y cuestionan horizontes, y eso tiene a la crítica encantada y expectante.

No puedo dejar de pensar en la manera en que «Inframundo 5» mezcla ambición y oficio; eso es lo primero que noto cuando leo críticas españolas. Hay un consenso entre quienes critican cine aquí: valoran cuando una entrega de franquicia no se queda en repetir fórmulas y, en su lugar, intenta abrir caminos narrativos o estéticos nuevos. En «Inframundo 5» se percibe eso: riesgo controlado, decisiones visuales que arriesgan sin romper la coherencia del universo, y una apuesta por elevar la mitología con capas temáticas que invitan al debate. También se menciona mucho la factura técnica. Desde la fotografía hasta el montaje y la música, la película se nota cuidada; la crítica española suele premiar ese tipo de trabajos porque muestran ambición industrial y artística a la vez, y porque demuestran que el cine comercial puede aspirar a algo más que entretenimiento puro. Además, los actores entregan actuaciones que dan matices a personajes antes lineales, y eso siempre les gusta a los reseñistas cuando hay crecimiento actoral. Al final, veo que valoran «Inframundo 5» porque llega en buen momento: respira con la cultura pop contemporánea, dialoga con temas actuales sin sermonear y lo hace con estilo. Esa mezcla de riesgo, oficio y relevancia temática explica por qué la crítica española la reconoce y comenta con interés.