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Saltó a mi radar por el revuelo que causó en redes y en los blogs de cine, y al leer las críticas españolas entendí por qué había tanta división. Muchos medios alabaron aspectos técnicos de «La ira de Dios»: la fotografía suele recibir comentarios positivos por su capacidad para crear atmósferas tensas y visualmente atractivas, y la banda sonora aparece en varias reseñas como un recurso que acompaña bien los momentos más dramáticos. También es frecuente que destaquen la interpretación del reparto principal, con menciones a su compromiso y a escenas concretas que funcionan gracias a los actores. Por otro lado, no faltan críticas que señalan problemas en el guion. Varios artículos españoles apuntan a un ritmo irregular, con picos de intensidad seguidos de tramos menos efectivos, y a cierta previsibilidad en la resolución de la trama. Algunos críticos consideran que el filme intenta abarcar demasiadas ideas —venganza, culpa, redención— sin desarrollarlas con la profundidad necesaria, lo que deja personajes que podrían haber sido más redondos. En conjunto, la nota que me queda de las críticas en España es de película ambiciosa que emociona por momentos y falla por otros. Es de esas cintas que generan debate: espectadores a los que les llegó mucho la propuesta y quienes salieron con sensación de que faltó un ajuste en el montaje o en el enfoque narrativo. Personalmente, me quedé con ganas de volver a verla para valorar mejor los matices que mencionaban en las reseñas.

Me llama mucho la atención cómo en las series los mercenarios casi siempre llevan un código propio que mezcla pragmatismo, supervivencia y una pizca de honor mal entendido. He visto montones de ejemplos donde la ética del mercenario se reduce a reglas sencillas pero firmes: cumplo el contrato, cobro por adelantado, no me encariño con el trabajo y, por encima de todo, no traiciono a quien me paga salvo que haya una razón de peso. Eso suena frío, pero en la pantalla suelen añadir matices: no aceptan trabajos con víctimas inocentes, rehúsan ciertas formas de violencia extrema (como ataques a civiles o explotación de menores) y mantienen una especie de lealtad interna con su grupo. A veces también hay límites personales que no negocian: no trabajan para verdugos ideológicos, no siguen órdenes que claman contra su propia conciencia, o ponen su vida por encima de la paga si hay un favor moral que saldar. En muchas series ese código se prueba constantemente. En «The Mandalorian», por ejemplo, la lealtad hacia un niño y ciertas reglas de clan contrastan con contratos fríos; en «Black Lagoon» los personajes negocian constantemente entre dinero y dignidad; y en producciones más realistas como «Strike Back» o series sobre contratistas privados se muestra un código más profesional: disciplina, cadena de mando y consecuencias legales o reputacionales. Los guionistas usan esos límites para generar conflicto: cuando el mercenario rompe su código, la tensión sube, y cuando lo respeta, ganamos una versión rara de respeto hacia alguien que, oficialmente, es un extranjero moral. Por otro lado, me parece fascinante cómo muchas series exploran la zona gris: mercenarios que se dicen neutrales pero terminan eligiendo bandos porque tienen heridas personales, o aquellos que justifican trabajos atroces por la supervivencia del equipo. Eso refleja una ética situacional, donde la regla no es fija sino negociada. Al final, la imagen que me queda es la de personajes que ofrecen una mezcla de profesionalidad y humanidad rota: cumplen contratos, pero también cargan con las consecuencias de sus elecciones. Y yo, sentado frente a la serie, termino empatizando con esos códigos defectuosos y entendiendo por qué nos intrigan tanto.

Me emociona mucho que preguntes por 'El Cautivo'. Justo estaba hojeando el calendario de estrenos esta mañana y vi que llegará a los cines españoles el próximo 15 de noviembre. La película ha generado bastante expectativa después de su buen recibimiento en festivales internacionales. Lo que más me intriga es el giro psicológico que promete la trama, según las críticas tempranas. El director siempre ha sabido jugar con las expectativas del público, así que estoy segura de que valdrá la pena reservar entrada para el día del estreno. Algunas salas incluso planean proyecciones especiales con coloquios.

Me encanta cómo la figura de Sant Jordi se cuela en la poesía catalana y en las conversaciones de calle, y siempre me sorprende la variedad de voces que lo han tratado. Yo suelo pensar en nombres clásicos que aparecen en cualquier antología: Ausiàs March, por la raíz medieval y la oralidad que conecta con las leyendas; Jacint Verdaguer, que desde la Renaixença remató imágenes épicas y religiosas; y Joan Maragall, cuya sensibilidad modernista convierte cualquier escena en una vibración íntima. También recuerdo a Josep Carner y a Carles Riba, poetas que, aunque no se centran siempre en la leyenda, trabajaron los símbolos catalanes que rodean a Sant Jordi. En la segunda mitad del siglo XX la figura reaparece con matices distintos: Salvador Espriu sacó una mirada mitificada y dolorida, Joan Brossa la reinventó con ironía visual, y Miquel Martí i Pol la humanizó desde lo cotidiano. Para mí, leer a estos autores es como recorrer la misma festividad en distintas épocas: cambia el tono, pero la emoción se mantiene.

Me encanta cómo Planeta Magic Barcelona combina un ambiente festivo con una oferta gastronómica pensada para compartir y disfrutar sin complicaciones. He ido varias veces con amigos y lo que más me llama la atención es la variedad: tienen tapas creativas, raciones grandes para grupo, hamburguesas y platos más informales que funcionan genial para picar mientras ves el espectáculo. También suelen traer opciones de temporada y propuestas para picoteo que cambian según la noche (perfecto para repetir sin aburrirse). La carta de postres y la selección de cócteles merecen un aplauso: muchos combinados originales y sin alcohol para quienes prefieren algo más suave. Además, siempre hay alternativas para dietas diferentes —opciones vegetarianas y algunas sin gluten— y suelen ofrecer menús para grupos o cenas con espectáculo, que incluyen entrantes para compartir, plato principal y postre a un precio cerrado. Si vas en fin de semana, atento al brunch o al menú especial de mediodía; suele ser una opción práctica y bien servida. En mi experiencia, también facilitan la reserva de mesas grandes y atienden bien las peticiones para celebraciones. Es un sitio que funciona tanto para una salida informal como para una noche temática con amigos, y eso me gusta mucho.

Me quedé pensando en cómo la guerra talla cicatrices que no se ven en la piel. Yo recuerdo imaginar al soldado no como un héroe pulido, sino como alguien que aprendió a contar pérdidas: una ración menos, un nombre que ya no responde, la risa que se evapora. Para él, la guerra simboliza una escuela brutal donde las lecciones son supervivencia, culpa y lealtad forzada. No hay manual que explique cómo regresar entero a casa, y esa ausencia de instrucciones convierte cada recuerdo en un peso que obliga a reinventarse. También pienso en la camaradería, en esos lazos que se crean bajo fuego: la guerra puede significar una familia improvisada, un refugio donde el dolor tiene compañía. Pero la misma guerra borra años de inocencia y deja a la persona expuesta a preguntas que no tienen respuestas sencillas. Al final me queda la sensación de que la guerra es una marca indeleble en la biografía del soldado, una página que no se puede arrancar, solo aprender a leer con cuidado y a veces con pena.

Tengo la sensación de que Ana Iris Simón abrió una puerta que llevaba tiempo entreabierta en la literatura española: la del ensayo íntimo ligado a lo rural y cotidiano. Recuerdo ver cómo «Feria» se colaba en conversaciones de tren, en hilos de Twitter y en clubes de lectura; su voz, directa y cargada de memoria, tocó a mucha gente que no se veía reflejada en la narrativa urbana dominante. Su estilo no es académico ni hermético, y eso le permitió conectar con lectores jóvenes que buscaban relatos de identidad y pertenencia fuera de los grandes relatos nacionales. Desde mi lugar, valoro que su influencia no sea solo estética sino también discursiva. Ha impulsado que las editoriales vuelvan la vista hacia ensayos personales y memorias que exploran lo local, lo popular y lo emotivo. A la vez, su figura ha generado debates intensos sobre qué es lo legítimo en la representación de la España rural: elogios por dar voz a historias silenciadas y críticas por posibles idealizaciones o por el uso político que algunos hacen de sus ideas. Para mí, esa tensión demuestra relevancia: un autor que no pasa desapercibido y que obliga a hablar es, por definición, influyente. No creo que Ana Iris Simón sea la única fuerza transformadora en la literatura actual, pero sí un catalizador. Ha abierto cuestiones sobre formato, público y mercado, y ha enseñado que las historias pequeñas también pueden mover la agenda cultural. Al final, la influencia de alguien se mide tanto por libros vendidos como por conversaciones provocadas, y en ese doble terreno ella ha dejado huella personal y notable.

Acabo de ver la confirmación oficial del museo y me emocioné: la próxima gala Dalí en España será el 18 de abril de 2026, en el corazón del «Teatro-Museo Dalí» de Figueres (Girona). Según el programa que anunciaron, la velada empieza a las 20:00 con una recepción en el patio y luego continúa con performances inspiradas en la iconografía daliniana, música y una subasta benéfica. Las entradas salen a la venta a principios de marzo y suelen agotarse rápido, así que ya estoy haciendo planes para reservar plaza y organizar el viaje. Si te interesa, vale la pena mirar las opciones de transporte a Figueres y reservar alojamiento con antelación. Me encanta cuando el museo transforma la noche con espectáculos que mezclan arte, teatro y humor; para mí es una mezcla perfecta entre curiosidad y fiesta cultural, y este año promete ser especialmente imaginativo.