¿Por Qué Se Considera Satanás (Novela) Una Obra Clave?

Me encanta investigar sobre los orígenes de las historias, y en el caso de «Mata 2D», puedo confirmar que no está basada en un manga o novela española. Es una obra original creada por el estudio español Kamikaze Factory, conocidos por su estilo visual único y narrativas frescas. La trama sigue a una asesina en un mundo distópico, con un arte que recuerda a los videojuegos clásicos pero con un giro moderno. Lo que más me sorprende es cómo combina elementos del cyberpunk con un humor muy local, algo poco común en producciones españolas. Si te gustan series como «Cowboy Bebop» pero con un toque ibérico, definitivamente deberías echarle un vistazo.

Hace poco redescubrí a Cortázar y fue todo un torbellino literario que me recordó por qué sigue siendo tan leído en España. Si tuviera que poner en primer lugar a una novela, sin dudarlo diría «Rayuela»: es un mapa de lecturas, juguetona y exigente a la vez. En librerías españolas hay ediciones muy cuidadas que facilitan el salto entre capítulos, pero lo importante es entregarse a su estructura abierta y a los diálogos que se te pegan. Después recomendaría «Los premios», una obra más clásica en su trama pero con ese nervio cortazariano que combina misterio y humor negro. Para quienes quieren experimentar, «62/Modelo para armar» es una máquina de ensamblaje de fragmentos y sensaciones; no es cómoda, pero regala hallazgos. Y si te interesa la vertiente comprometida, «Libro de Manuel» muestra a Cortázar en otra clave, más política y coral. Yo suelo alternar estas novelas con sus colecciones de relatos —por ejemplo «Bestiario» o «Todos los fuegos el fuego»— porque equilibran la intensidad narrativa. Al final, en España encuentro que la mejor forma es dejarse llevar: cada lectura te deja con ganas de volver a otra página distinta.

Me llama mucho la atención cómo Mónica Ojeda sigue ocupando un lugar importante en la literatura contemporánea hispana, y sobre 2023 puedo decir lo siguiente con bastante seguridad: no lanzó una novela nueva ese año. Su obra más conocida sigue siendo «Mandíbula», que consolidó su reputación tras «Nefando», y entre 2018 y 2023 su actividad pública fue más bien de relecturas, traducciones y participación en ferias y antologías, más que estrenos de novelas largas. Durante 2023 vi que se mantuvo muy presente en reseñas, entrevistas y colaboraciones; eso suele ocurrir cuando una obra sigue generando debate y las editoriales aprovechan para reeditar o traducir títulos. Personalmente celebré que esas conversaciones permitieran que lectores nuevos descubrieran «Mandíbula» y exploraran sus temas de horror, adolescencia y folclore moderno. A pesar de no tener una novela fresca en 2023, su voz siguió viva en ensayos, lecturas y piezas cortas que aparecieron en revistas literarias y recopilatorios. En definitiva, si lo que buscas es una novela inédita firmada por Ojeda en 2023, no la hubo; pero sí hubo movimiento alrededor de su obra que mantuvo su presencia en el circuito literario, algo que me pareció muy valioso para consolidar su trayectoria.

Me fascina cómo el recurso del agujero actúa como núcleo oscuro en tantas novelas de terror españolas: no es solo un objeto físico, sino un lugar mental y social donde se concentran miedos, secretos y culpas. En muchas historias, el agujero aparece como un pozo, una fosa, una cueva o una grieta en la tierra, y en cada caso funciona como metáfora de lo que la comunidad —y el propio personaje— se niega a mirar. Ese vacío absorbe la historia personal y la colectiva, y obliga al lector a enfrentarse a lo que se ha enterrado, literal o figuradamente. Cuando pienso en lecturas donde el abismo tiene peso simbólico, lo veo como símbolo del pasado no resuelto: las fosas comunes de la Guerra Civil o el silencio impuesto durante el franquismo se transforman en vacíos que piden ser desenterrados. Ese agujero no solo guarda cadáveres; guarda voces, recuerdos y rencores que siguen filtrándose en la vida presente. También lo interpreto como la herida íntima de los personajes: traumas que se abren como un sumidero y que condicionan decisiones, sueños y relaciones. En ese sentido el agujero funciona como figura del inconsciente, del lado oscuro que empuja a los protagonistas hacia actos desesperados o hacia una verdad que duele. Al mismo tiempo, me gusta mirar el agujero desde un ángulo más social y simbólico: representa desigualdad y caída. En algunas novelas el pozo o la grieta marcan la fractura entre clases, el descenso de una persona o una comunidad hacia la precariedad, la miseria o la violencia. El espacio vertical —bajar al hoyo, ser tragado por la tierra— intensifica la sensación de pérdida de control y de aislamiento. En otros relatos, el agujero es puerta o umbral: un paso hacia otra lógica donde las normas se disuelven y la identidad se disloca. Ahí la literatura de terror usa esa imagen para explorar tabúes (sexualidad, violencia, culpa) y para convertir lo doméstico en extraño. Por último, creo que el agujero es una herramienta narrativa fantástica porque juega con la ausencia de respuesta. Un misterio sin explicación, un vacío que el lector debe imaginar, genera más horror que cualquier descripción explícita. El silencio del fondo del pozo, el rumor que viene de la grieta o la idea de un espacio que crece en la oscuridad remiten a un miedo primitivo: lo desconocido y la posibilidad de que algo aceche dentro de nosotros mismos. Me quedo con la idea de que, en las novelas españolas de terror, el agujero no es solo miedo físico, sino una invitación a excavar y a mirar de frente aquello que nos da vergüenza o nos aterra; al final, esa excavación suele revelar tanto verdad como dolor, y esa mezcla es lo que deberíamos temer y, a la vez, agradecer.

Me encanta cómo ciertos objetos pequeños pueden cargarse de significado en la literatura; por eso me viene a la mente un ejemplo clásico y clarísimo: en «La Odisea» el rey de los vientos, Eolo, le regala a Odiseo una bolsa con todos los vientos encerrados, un obsequio que es literal y simbólicamente decisivo para el viaje. Esa bolsa como regalo funciona como truco narrativo: es un don con condiciones, un objeto que empuja la trama cuando se abre, y además habla de confianza y tentación. Fuera de los mitos, hay muchas novelas contemporáneas que utilizan el gesto de regalar una bolsa, un saquito o una mochila para transmitir cariño, protección o peligro. En fantasía juvenil suele ser un pequeño bolso con pociones o mapas; en novelas históricas puede ser un saquito con monedas o cartas; en historias íntimas de relación, un bolso artesano hecho por un personaje es un símbolo de afecto y memoria. Creo que el motivo perdura porque una bolsa guarda secretos y promesas, y eso engancha al lector: te hace curiosear qué contiene y por qué importa, y a mí me parece una forma preciosa de cargar una escena cotidiana con significado.

Me gusta perderme en las novedades antes de que se llenen las estanterías, y en esta temporada hay títulos que ya están despertando conversación. Entre lo que llegará antes de diciembre destacan apuestas variadas: novelas de corte intimista que revisan relaciones familiares, thrillers con raíces en la investigación periodística y traducciones potentes desde el inglés y el francés. Por ejemplo, espera encontrar ediciones en español de trabajos que mezclan memoria y ficción como «La casa de las horas perdidas», novelas de intriga social tipo «Noche de vigilantes» y relatos históricos renovados en «La ciudad de los árboles secos». También veo en la lista varios debuts que prometen fresh air: jóvenes autores con voz directa que exploran migración, redes sociales y espacios urbanos, y algunos nombres consolidados que vuelven con propuestas más maduras —una novela coral sobre el final de una generación y otra novela epistolar que recupera cartas familiares. Las editoriales pequeñas están apostando por traducciones de autoras independientes que triunfan en festivales europeos, así que conviene mirar sellos como los de narrativa contemporánea y traducida. Si vas a rastrear lanzamientos, revisa los catálogos de septiembre a noviembre: muchas presentaciones y ferias coinciden en esos meses, así que verás reediciones y ediciones ampliadas. Yo ya tengo apuntadas un par para reseñar y espero que alguna de ellas se convierta en lectura de tren indispensable este otoño —entre cafés y bocadillos, la lista tiene varias sorpresas que merecen la pena.

Me fijo mucho en las voces de los personajes y en cómo un mulet aparece para marcar carácter y ritmo. Cuando hablo de mulet no me refiero a un artilugio físico, sino a esas muletillas, coletillas o tics lingüísticos que los autores españoles usan con mucho tino. En novelas realistas y de diálogo abundante, un mulet funciona como una firma sonora: hace que un personaje suene auténtico, revela educación, nerviosismo o procedencia regional. He leído pasajes en los que una pequeña repetición —un ‘¿sabes?’, un ‘eh…’, una coletilla dialectal— transforma una línea neutra en algo memorable, como ocurre en varios párrafos de «La colmena» o en los cuadros de habla popular de muchas novelas del siglo XX. En mi lectura suelo fijarme también en la colocación y la puntuación. Un mulet al inicio de una frase crea sorpresa; en medio, puede romper el flujo y señalar duda; al final, funciona casi como un suspiro. Los autores hábiles lo sparsen: repetición calculada para dar música, y silencios para que la mulet brille. Como lectora, disfruto cuando el mulet se convierte en un marcador de tiempo interno: un personaje que siempre tartamudea muestra inseguridad sin que el narrador tenga que decirlo explícitamente. Mi sensación final es que un mulet bien usado humaniza, pero cuidado con el exceso, porque se vuelve caricatura.

Me encanta investigar los orígenes de las historias que me atrapan. Tras sumergirme en entrevistas, notas de producción y comentarios de la comunidad, lo que veo es que «Lemonde» se presenta como una obra original del autor, no como una adaptación literal de una novela concreta. Lo que sí ocurre —y esto me parece fascinante— es que la serie bebe de tropos y motivos clásicos: esa atmósfera distópica recuerda por momentos a «1984», la soledad de sus protagonistas tiene ecos de «El extranjero» y el realismo mágico en ciertas escenas me remite a capítulos sueltos de «Cien años de soledad». En la práctica, eso significa que el creador ha tejido una mitología propia usando referencias literarias como ingredientes, no como receta exacta. Si comparas tramas, personajes y giros clave, no hay coincidencias puntuales que apunten a una adaptación directa; más bien hay homenajes, fragmentos de inspiración y guiños culturales. Me quedo con la sensación de que «Lemonde» funciona mejor si la ves como una obra híbrida: original en su núcleo, pero consciente de una tradición literaria que la alimenta. Eso le da profundidad sin atarla a un único texto fuente, y a mí me encanta esa libertad creativa.