¿Qué Discos Grabó Ian Astbury Con The Cult?

Siempre he pensado que Ian Astbury dejó una huella enorme en la identidad sonora de The Cult, sobre todo por las canciones que coescribió junto a Billy Duffy. Si hablas de himnos inmediatos, hay que mencionar a «She Sells Sanctuary», que sigue siendo el tema con el que la gente asocia instantáneamente a la banda: ese riff y esa atmósfera son un sello. También participó en la creación de «Love Removal Machine», que llevó a la banda a un sonido más directo y roquero con el empujón de Rick Rubin en «Electric». Además de esos dos gigantes, Astbury aparece como coautor en otros singles muy conocidos como «Lil' Devil» y «Fire Woman», este último de «Sonic Temple», que consolidó su etapa de mayor exposición masiva. En la etapa temprana, temas como «Spiritwalker» y «The Phoenix» muestran su lado más místico y viajero, con letras ritualistas y una entrega vocal que definió al grupo. En resumen, aunque muchas de estas canciones son fruto de la colaboración entre Astbury y Duffy, la impronta lírica y la personalidad vocal de Ian son claramente reconocibles en esos clásicos.

Recuerdo perfectamente el rumor de que Ian Astbury prefería escapar del ruido urbano para grabar sus cosas en solitario, y eso se nota cuando escuchas los discos: hay una mezcla de pulso urbano y atmósfera abierta. He leído y seguido su trayectoria lo suficiente como para notar que sus sesiones no se limitaron a un solo estudio; grabó en varias localizaciones entre Reino Unido y la costa oeste de Estados Unidos, aprovechando tanto estudios grandes en Londres como sesiones en estudios más íntimos en California. También hay relatos de tomas hechas en lugares con una vibra desértica, y de pistas trabajadas en pequeños estudios caseros mientras estaba de gira. Para mí eso explica la diversidad sonora de sus solistas: por momentos suenan pulidos y británicos, y en otros hay una crudeza más americana, casi de jam. Esa mezcla de espacios deja huella en el resultado y me encanta cómo cada canción parece llevar la impronta del lugar donde se grabó.

Vaya, hablar de las colaboraciones de Ian Astbury siempre me revive escenas de conciertos y reuniones entre músicos que parecían hechas a la medida para fans del rock. A lo largo de su carrera ha trabajado mucho junto a su compañero inseparable: Billy Duffy, el guitarrista que fue su voz complementaria dentro de «The Cult». Esa alianza es la que más marca su trayectoria, pero no se queda ahí; Astbury también encabezó proyectos paralelos como «The Holy Barbarians», donde exploró sonidos distintos con otros músicos de la escena alternativa de los 90. En el plano de actuaciones y eventos especiales, Astbury ha compartido escenario con miembros de «The Doors», por ejemplo Ray Manzarek y Robby Krieger, en ocasiones puntuales y tributos, algo que resaltó su admiración por esa época dorada del rock estadounidense. Además, ha colaborado con productores y músicos externos a la banda: nombres como Bob Rock aparecen vinculados a discos suyos y de «The Cult», aportando una pulida sonora que muchos recuerdan en discos grandes de los 80 y 90. Si uno mira su carrera en conjunto, se percibe a Astbury como un cantante que alterna fidelidad a su núcleo creativo con ganas de probar voces y arreglos junto a otros músicos y productores. Eso le permitió mantenerse relevante y seguir sorprendiendo en directo; siempre deja una impresión intensa cuando participa en proyectos ajenos o en eventos compartidos con otros iconos del rock.

Recuerdo que cuando empecé a interesarme en escenas paralelas al thrash, lo que más me llamó la atención fueron los proyectos fuera de Anthrax en los que Scott Ian se metió: son de esos casos donde el guitarrista no se conformó con una sola banda y dejó su huella en varios frentes. En primer lugar está S.O.D. (Stormtroopers of Death), el proyecto crossover que lanzó el mítico «Speak English or Die», un disco clave del metal underground de los 80 donde Scott escribió y tocó con Billy Milano y Dan Lilker. Más adelante Scott formó parte de The Damned Things, grupo de rock/metal con varios músicos de otras bandas; con ellos lanzó el directo y poderoso «Ironiclast» y, años después, el más pulido «High Crimes». Además, Scott participó en la famosa colaboración con Public Enemy en la versión conjunta de «Bring the Noise», y ha aparecido en proyectos colectivos y colaboraciones puntuales junto a otros artistas y en iniciativas como el proyecto de aniversario de una gran discográfica metalera. Si te interesa escuchar su margen fuera de Anthrax, esos son los puntos de partida: S.O.D. para el lado más bruto y punk-metal, The Damned Things para melodía y riffs arreglados, y las colaboraciones para ver su versatilidad. Siempre me resulta refrescante cómo mantiene su sello en estilos distintos.

Recuerdo con nitidez la primera vez que me topé con la voz de Ian Astbury: tenía esa mezcla de barítono profundo y drama teatral que cortaba el aire. Vengo de una generación que vivió la transición del post-punk gótico a un rock más monumental, y para mí Ian fue una figura puente. Con proyectos que pasaron por Southern Death Cult y Death Cult hasta convertirse en The Cult, trajo al frente la estética oscura —ropa, mística y una lírica que hablaba de rituales y paisajes interiores— sin perder el pulso del rock contundente. En el escenario, su presencia era casi ritualística, marcando un nuevo estándar para cómo se presentaba el rock gótico en vivo: no sólo tristeza y penumbra, sino una teatralidad segura que acercó ese universo a audiencias más amplias. Canciones como «She Sells Sanctuary» y discos como «Dreamtime» y «Love» tomaron la atmósfera gótica y la conectaron con riffs más grandes; luego «Electric» y «Sonic Temple» empujaron esa paleta hacia estadios. Personalmente creo que su mayor aporte fue dar permiso a otras bandas para mezclar lo oscuro con lo grandilocuente sin traicionarse, y por eso aún hoy su huella se siente quieta pero firme en muchas escenas alternativas.

Vaya, recuerdo haber visto ese anuncio en mis feeds, pero no tengo la fecha exacta grabada en la memoria; lo que sí puedo decir con seguridad es que Ian Astbury comunicó las nuevas fechas de gira para España mediante sus canales oficiales y los promotores locales, alrededor de principios del año en cuestión. Vi el aviso en una publicación que reunió las fechas, las ciudades y los puntos de venta de entradas, y fue el tipo de anuncio que suele salir con semanas o meses de antelación a los conciertos. Para alguien que sigue a la banda desde hace años, la forma en que se lanzó —un post directo en redes acompañado de la nota del promotor— fue bastante típica: claridad en las fechas, enlaces a la preventa y recomendaciones sobre evitar revendedores. Mi impresión personal fue que quería asegurarme de comprar entrada pronto, porque las fechas en España suelen llenarse rápido cuando toca alguien con su historial.

Explorar la discografía de Ian Shaw desde 2010 me ha resultado fascinante porque se nota cómo ha ido cambiando su paleta sonora sin perder su sello vocal. Según lo que recuerdo y lo que he seguido en su carrera, desde 2010 publicó varios discos que mezclan jazz tradicional, arreglos contemporáneos y algunas incursiones más íntimas: «Somewhere Towards Love» (2010), «The Rhythm of Life» (2013), «My Personal Songbook» (2016), «On Track» (2019) y «All That Life Can Give» (2021). Además, ha sacado algún single y colaboraciones en discos colectivos que no siempre aparecen en las listas oficiales, y en directo suele revisar material anterior con arreglos nuevos. Soy de los que disfruta comparar versiones en estudio y en concierto, y en esos lanzamientos se nota esa dualidad: hay discos que suenan más pulidos y otros que buscan calidez y cercanía. Personalmente, me gusta cómo en «My Personal Songbook» parece mirar hacia canciones más íntimas, mientras que «The Rhythm of Life» tiene una energía más rítmica y juguetona. En definitiva, son títulos que muestran un camino coherente y curioso de explorar, y me dejo siempre una canción favorita por cada álbum.

Recuerdo perfectamente la primera vez que escuché esos redobles limpios de batería en los discos de The Smiths; Mike Joyce fue la base rítmica que sostuvo a la banda durante buena parte de los 80. Si hablamos de los discos oficiales en los que aparece, hay cuatro álbumes de estudio clave: «The Smiths» (1984), «Meat Is Murder» (1985), «The Queen Is Dead» (1986) y «Strangeways, Here We Come» (1987). Esos cuatro captan la evolución del grupo: desde las canciones crudas y brillantes del debut hasta la producción más pulida y las texturas más complejas en «Strangeways». Además, Joyce aparece en varias recopilaciones y lanzamientos contemporáneos que recogen singles, caras B y sesiones de radio —por ejemplo, «Hatful of Hollow» (1984), «The World Won't Listen» (1987) y «Louder Than Bombs» (1987). En muchos casos esos discos reúnen sencillos y tomas alternas donde su batería también está presente, como en los clásicos «This Charming Man» o la famosa versión de «How Soon Is Now?», que circuló en distintas compilaciones. Para cualquier fan que quiera seguir su trazo, escuchar las versiones de estudio de esos cuatro álbumes y luego las recopilaciones da una buena visión de su trabajo. Personalmente, siempre me ha impresionado cómo su estilo, aparentemente sencillo, aporta el pulso necesario a las letras y guitarras de Marr y Morrissey; es un ejemplo de cómo un baterista puede definir el carácter de una banda sin llamar exageradamente la atención, y por eso sus intervenciones en esos discos me parecen esenciales.

No puedo evitar volver una y otra vez a estos discos de la banda; son refugios sonoros que cambian según mi humor y siempre me descubren algo nuevo. Empecé por «The Dark Side of the Moon», y ese álbum se convirtió en una especie de telón de fondo para muchas noches largas: la producción, los arreglos de viento, y canciones como «Time» y «Money» tienen una cadencia que te atrapa lentamente. Después vinieron «Wish You Were Here» y «Animals», discos que muestran caras distintas del grupo: el primero es íntimo y melancólico con piezas monumentales como «Shine On You Crazy Diamond», mientras que el segundo es más áspero y crítico, con una tensión que se siente en cada riff. No puedo dejar de mencionar «The Wall», un álbum conceptual que funciona casi como una película sonora; «Comfortably Numb» y las secciones instrumentales son momentos de pura intensidad. Finalmente, para entender la transición y la experimentación, «Meddle» es esencial: «Echoes» sola justifica escucharlo entero. Esos discos forman una curva evolutiva que va desde el psicodélico hasta el rock progresivo más elaborado, y cada uno aporta una pieza del rompecabezas. Yo siempre vuelvo a ellos cuando quiero entender por qué la banda sigue siendo referencia: emoción, ambición sonora y letras que se quedan contigo.