David Cronenberg

Me encanta que preguntes por David Cronenberg: es de esos directores que siempre merece una búsqueda cuidadosa porque su catálogo salta entre plataformas. En España, mi primer sitio al que recurro es Filmin; suelen tener títulos como «Videodrome», «La mosca» o «Crash» en rotación, y la calidad de catálogo clásico/indie encaja perfecto con Cronenberg. También miro Mubi cuando quiero una visión más curada: a veces aparece alguna de sus películas en pases temporales.

Si no están ahí, miro las tiendas digitales: Apple TV, Google Play (Store de Películas), Rakuten TV y YouTube Movies suelen ofrecer compra o alquiler de títulos concretos como «Una historia de violencia» o «Promesas del Este». Amazon España tiene tanto streaming en Prime Video (algunos films puntuales) como ediciones físicas en Blu‑ray. Para joyas restauradas busco ediciones de sello (Indicator, Arrow) en tiendas como FNAC o en Amazon.

Y no olvido la Filmoteca Española y los ciclos de cine: con Cronenberg a veces hacen retrospectivas en ciudades grandes o en festivales como Sitges. En definitiva, alterno Filmin y Mubi para ver online, recurro a alquiler digital cuando deseo algo concreto y colecciono ediciones físicas para los filmes que más me marcaron. Cada título merece un formato distinto según lo que quiero descubrir de la película.

Me encanta cómo Cronenberg nunca se estanca; su carrera es un viaje fascinante que mezcla asco, curiosidad y reflexión.

En mis veintitantos encontré sus películas casi por accidente y lo primero que me pegó fue lo físico: «Videodrome», «La mosca» («The Fly») o «Crash» te atacan con prótesis, detalles sanguinolentos y una sensación de biología desbocada. En esos años su estilo era crudo, un poco experimental, con encuadres clínicos y primeros planos insistentes del cuerpo como territorio de conflicto. El montaje y el diseño de sonido juegan a amplificar esa incomodidad corporal.

Con el tiempo noté que su lenguaje visual se fue puliendo. En títulos posteriores como «Eastern Promises» o «A History of Violence» la violencia es más contenida y la cámara deja espacio para los actores; ya no todo pasa por el horror explícito sino por la tensión interna, la identidad y la culpa. Creo que esa evolución demuestra madurez: mantiene sus obsesiones (la transformación, la tecnología, la medicina) pero las expresa con más sutileza y respeto por la interpretación humana, y a mí eso me sigue pareciendo emocionante.

Me fascina cómo Cronenberg convierte el cuerpo en paisaje narrativo: sus películas hablan con la carne. En «La mosca» esa conversación es literal, con la desintegración y la mutación como metáforas del miedo a perder lo humano; en «Scanners» y «Videodrome» la mente y la percepción se vuelven terreno de batalla, donde la tecnología y la televisión infiltran y alteran la identidad.

También me interesa cómo cruza lo íntimo con lo clínico. Hay una mezcla constante de erotismo y asco, deseo y repulsión, que aparece en «Crash» y en «Naked Lunch». Esa tensión hace que el espectador no solo vea un espectáculo físico, sino que sienta el choque entre control y pérdida de control. Para mí, su cine es un laboratorio: experimentos sobre contagio emocional, sobre cuánto del yo está en el cuerpo y cuánto en lo que lo rodea. Al final, me quedo con la sensación de que sus películas no ofrecen respuestas fáciles, sólo un espejo inquietante que invita a revisar lo que damos por natural.

Me encanta hablar de esto: si tuviera que señalar a la persona que más veces ha sido rostro principal de la filmografía de David Cronenberg, diría sin dudar que es Viggo Mortensen. Él protagonizó «A History of Violence» y «Eastern Promises», y volvió a colaborar con Cronenberg en «A Dangerous Method», cubriendo así distintos tonos —desde el thriller de corte casi clásico hasta el drama psicológico— y mostrando una química director-actor muy marcada. Su presencia ayuda a anclar las historias en emociones muy humanas pese a lo extraño o violento que pueda ponerse el universo cronenbergiano.

Más allá de Viggo, Cronenberg tiende a reciclar a muchos actores de carácter canadienses que aparecen en papeles principales o secundarios a lo largo de los años. Esa constelación de rostros recurrentes crea una coherencia tonal en sus películas: no siempre son las mismas caras en primera línea, pero sí un grupo de intérpretes que entiende su lenguaje. Personalmente disfruto ver cómo esos intérpretes habituales se adaptan a los cambios temáticos de cada etapa del director: es como ver a una troupe evolucionar junto a su autor favorito.

Siempre me ha fascinado cómo David Cronenberg convierte lo corporal en metáfora.

En sus películas el cuerpo no es solo un lugar donde suceden cosas: es el mapa de las obsesiones, los miedos y las transformaciones. Pienso en «La mosca» y en cómo la mutación física es también una caída moral y emocional; la descomposición externa refleja la pérdida de control interno. Esa insistencia en la carne como territorio —doloroso, erótico, científico— atraviesa gran parte de su filmografía.

Además, Cronenberg explora la tecnología y los medios como agentes que reconfiguran la identidad. «Videodrome» o «Existenz» muestran cómo lo virtual penetra lo real hasta deformarlo; la mente y el cuerpo se entrelazan con máquinas y señales, creando paranoia y deseo. También está la fascinación por la sexualidad y el tabú: el sexo aparece siempre como fuerza que puede curar o destruir, íntimamente ligada a lo grotesco. Al final me queda la impresión de que sus películas invitan a mirar lo que evitamos: nuestras dependencias, nuestras transformaciones y el precio de querer controlar la naturaleza humana.

He seguido la filmografía de David Cronenberg con una mezcla de fascinación y cierto vértigo: su evolución es de esas que cambian tanto el pulso de una obra como la forma en que ves el cine. Sus películas tempranas huelen a cine de bajo presupuesto, a laboratorio de efectos prácticos y a un nervio punk que explotaba la carne y el contagio como metáforas. En títulos como «Shivers», «Rabid» y «The Brood» encontró un lenguaje brutal y directo: anatomía del horror corporal, cuerpos que se rebelan y una estética sucia que buscaba provocar una reacción física en el espectador. Esa etapa es pura energía morbosa, cine que te incomoda y, al mismo tiempo, te hace pensar en cómo la enfermedad, la familia y la sexualidad se entrelazan.

Poco a poco su mirada se afina y se complica. Con «Scanners» ya hay un pulso más controlado hacia lo cerebral: la violencia sigue presente, pero empieza a explorarse desde la idea de control mental y poder. Luego llegaron obras como «Videodrome» y «The Dead Zone», donde la tecnología, los medios y la percepción de la realidad se convierten en protagonistas. En esa fase Cronenberg mezcla lo sensorial con lo teórico; la carne sigue siendo importante, pero se funde con imágenes, televisores y señales que transforman la identidad. Es la era de la paranoia tecnológica, con un estilo más onírico y delirante que exige atención a los símbolos tanto como a los sustos explícitos.

Con «The Fly» y «Dead Ringers» se aprecia otra transición: el horror corporal se humaniza. «The Fly» es explícitamente trágica, una fábula sobre el amor y la desintegración física que busca conmover, no solo escandalizar. «Dead Ringers» vuelve al cuerpo como sitio de doble identidad, pero con una puesta en escena más refinada, clínica y psicológica. A partir de los 90 y el 2000 su cine se vuelve aún más diverso: «Naked Lunch» es casi un cóctel surrealista-literario; «Crash» combina erotismo y fetichismo con una frialdad clínica; «eXistenZ» retoma lo virtual y lo lúdico; y luego «Spider», «A History of Violence» y «Eastern Promises» muestran a un Cronenberg capaz de dirigir dramas íntimos y thrillers con una precisión narrativa y una estética sobria que antes no era su firma.

Lo que me parece más interesante es que, aunque su estilo cambie —de lo visceral a lo psicológico o de lo grotesco a lo elegante—, los temas persisten: identidad, transformación, la relación entre mente y cuerpo, y la influencia de las estructuras (familia, tecnología, poder) sobre el individuo. Formalmente también madura: mejores recursos, colaboraciones constantes con talentos como Howard Shore en la música o con directores de fotografía que afinan su paleta, y una cámara más contenida que sabe cuándo mostrar y cuándo sugerir. En conjunto, Cronenberg pasó de ser un provocador primitivo a un cineasta que domina tanto lo perturbador como lo íntimo, manteniendo siempre una voz única que me sigue atrapando cada vez que regreso a su obra.

Siempre me ha parecido que la película que realmente puso el sello comercial y emocional al terror corporal de David Cronenberg fue «La mosca».

La transformación de Seth Brundle en Brundlefly no es solo un conjunto de efectos asombrosos (aunque el maquillaje de Chris Walas se llevó el Oscar y con razón); es una metáfora cruda sobre la degradación del cuerpo y la identidad. La película mezcla ciencia ficción, amor y repulsión de una manera que hace sentir el horror muy cercano, casi íntimo. Para mucha gente fue la primera vez que entendió que el cuerpo podía ser el escenario principal del terror, donde lo grotesco y lo trágico van de la mano.

Viendo «La mosca» hoy noto cuánto influyó en el cine posterior: dejó claro que el horror corporal puede ser tanto escalofriante como profundamente humano, y que la física del cuerpo puede contar historias complejas. Me sigue impresionando lo doloroso y triste que puede llegar a ser ese tipo de miedo hecho cine.

Nunca voy a olvidar el revuelo que causó «Crash» cuando la vi por primera vez en una retrospectiva: fue como ver una película que se ríe de las reglas sobre la intimidad y el tabú.

En mi experiencia, «Crash» es la más controvertida de Cronenberg porque toma una pulsión humana —el fetichismo por el peligro y la máquina— y la convierte en sexo explícito. La idea de que una colisión pueda despertar deseo sexual choca con cualquier expectativa social sobre el dolor, la vulnerabilidad y el consentimiento. Además, la película no moraliza: muestra personajes que exploran voluntariamente ese vínculo con una frialdad clínica, lo que enfureció a muchos críticos y espectadores.

El contexto ayudó a la polémica: presentada en festivales, generó salidas, debates y acusaciones de que glorificaba la violencia sexual. Para mí, su fuerza está en cómo obliga a mirar lo que a menudo preferimos negar; por eso incomoda tanto y sigue siendo un tema de conversación caliente.

Me encanta cómo Cronenberg desafiaba siempre las expectativas al elegir a sus protagonistas; es evidente que buscaba intérpretes capaces de sostener ideas incómodas y transformaciones físicas y psicológicas. Pienso en Jeff Goldblum en «La mosca»: no solo necesitaba resistir horas de maquillaje y prostéticos, sino también transmitir una degradación humana creíble. Goldblum aporta una mezcla de inteligencia y fragilidad que Cronenberg aprovechó al máximo.

Por otro lado, Jeremy Irons en «Dead Ringers» es otro ejemplo de alguien con formación teatral y recursos para interpretar personajes gemelos complejos y perturbadores. Cronenberg también recurrió a actores que sabían contenerse, como Ralph Fiennes en «Spider», y a los que podían cambiar de registro, como Viggo Mortensen, que demostró versatilidad en «A History of Violence» y «Eastern Promises». En general, prefirió caras capaces de lidiar con la tensión corporal, el subtexto y la ambigüedad moral; no eran solo estrellas, sino colaboradores dispuestos a explorar lo siniestro conmigo, y eso todavía me fascina.