Manhattan Woody Allen

Me sigue dejando sin aliento la apertura de «Manhattan», esa secuencia que en minutos te marca el tono de toda la película.

Siempre comienzo por ahí cuando quiero explicar por qué esta película es un mapa sentimental de la ciudad: el montaje en blanco y negro acompañado por la icónica música de Gershwin captura la ciudad como un personaje más. Esas imágenes del skyline, puentes y avenidas iluminadas son de las que uno recuerda aunque no se acuerde del diálogo palabra por palabra. La fotografía de Gordon Willis convierte escenarios cotidianos en postales cinematográficas, y yo, que he pasado horas caminando por los mismos barrios, me emociona cómo la cámara encuentra poesía en lo urbano.

Después están las escenas íntimas, de las que no hablaría como si fueran solamente “momentos”, sino como pequeñas confesiones. Los intercambios en cafés, los paseos por el parque y las conversaciones a media voz construyen la complejidad sentimental del protagonista: la nostalgia, el humor nervioso y la culpa se sienten reales. También hay confrontaciones y celos que aportan dramatismo, pero lo que me queda siempre es la sensación de melancolía urbana; «Manhattan» no solo muestra escenas famosas, las convierte en recuerdos colectivos de la ciudad y sus contradicciones. Eso para mí lo hace eterno.

Me fascina la manera en que «Manhattan» transforma la ciudad en algo así como un diario confesional filmado: cada encuadre parece escrito con nostalgia, con Gordon Willis usando el blanco y negro para que los edificios y las caras se mezclen en una atmósfera casi poética. La película celebra el skyline, los puentes y los cafés como si fueran piezas de un rompecabezas emocional; la iluminación dura y el contraste alto vuelven a la ciudad eterna y un poco triste, más cercana a una postal que a la metrópoli real de los años setenta. Esa idealización no es ingenua: hay melancolía en la forma en que Isaac —el narrador— recuerda encuentros, rupturas y contradicciones mientras la música de Gershwin le da ritmo a su melancolía. A la vez, siento que Woody Allen pinta a Nueva York como un personaje que está en constante diálogo con sus habitantes: no solo escenario, sino interlocutor. Los diálogos, las caminatas por el Upper West Side y las panorámicas del puente Queensboro funcionan como contrapuntos a las inseguridades de los protagonistas; la ciudad alimenta sus neurosis y, a la vez, les ofrece consuelo. Sin embargo, esa visión es selectiva —resalta a una élite intelectual cosmopolita y casi ignora la diversidad social y cultural que siempre ha tenido Nueva York—, así que el retrato es hermoso, pero parcial. Al final me queda la sensación de que «Manhattan» es tanto una carta de amor como una escenografía personal: enamorada de la arquitectura, del jazz y del romanticismo urbano, pero también consciente de sus propias limitaciones. Es una ciudad capturada con estilo y estilo dramático, y a la vez con una honestidad mordaz sobre las contradicciones humanas; me deja con ganas de volver a pasear por esas calles, pero con ojos más críticos y más cariñosos a la vez.

Me sigue fascinando la manera en que «Manhattan» convierte la ciudad en un personaje vivo y contradictorio.

La primera vez que la vi en una copia algo gastada, me pareció un retrato romántico hasta lo insoportable; con el tiempo entendí que su grandeza está en esa ambivalencia. La fotografía en blanco y negro de Gordon Willis no es solo estética: es una decisión narrativa que coloca a Nueva York en un limbo entre la nostalgia y la ironía. Los encuadres, las diagonales de los puentes y la iluminación crean un escenario donde los personajes parecen pequeños y grandiosos a la vez. La banda sonora con Gershwin le da esa capa emocional que hace que incluso las discusiones suenen poéticas.

Además, el guion mezcla humor y dolor con una naturalidad que pocos comediógrafos logran. Los diálogos son filosos, humanos y a veces vergonzosamente sinceros; los personajes cometen errores morales que no se resuelven con moralejas fáciles, y ahí está parte del poder del filme: obliga a sentir incomodidad y ternura al mismo tiempo. Las actuaciones, especialmente las de Diane Keaton y el propio Allen, sostienen ese balance.

Al final, «Manhattan» funciona porque celebra y cuestiona el amor, la creatividad y la vanidad con una mirada personal y sin concesiones. Esa complejidad emocional es lo que la mantiene viva en mis recuerdos cada vez que vuelvo a verla, y por eso la sigo considerando una obra maestra.

Siempre me ha fascinado cómo una película puede convertir una ciudad en protagonista, y «Manhattan» es el ejemplo perfecto de eso. Yo veo la película como una carta de amor rodada directamente en las calles: gran parte del metraje se filmó en localizaciones reales de Manhattan, no en decorados de estudio. Las tomas más memorables usan el Puente de Queensboro (el famoso 59th Street Bridge) como pieza visual recurrente, y las panorámicas del skyline muestran la isla desde distintos ángulos, incluyendo vistas desde la ribera del East River.

Vivo cerca de la zona y reconozco escenas en Central Park —paseos y encuadres que dependen del parque como fondo emocional— y en el Upper West Side, donde se ubican los apartamentos de los personajes; esa área le da a la película ese sabor residencial y elegante que vemos en las fachadas y cafés. También aparecen lugares emblemáticos vinculados a la vida cultural: escenas alrededor de Lincoln Center y escenas callejeras que evocan el West Village y el Upper East Side.

Al final, lo que me encanta es cómo Woody Allen y Gordon Willis (el director de fotografía) hicieron de Manhattan un personaje con sus propios estados de ánimo: desde las avenidas bulliciosas hasta las esquinas silenciosas junto al río. Ver «Manhattan» es pasear por esa época de la ciudad y reconocer rincones que todavía hoy laten con la misma energía, aunque transformados por los años.

Siempre me ha fascinado cómo «Manhattan» convierte a la ciudad en un personaje más, pero son los personajes humanos los que te dejan pensando días después.

Isaac Davis es el eje de la película: un tipo autocrítico, irónico y algo desilusionado con sus relaciones. Woody Allen lo dibuja como alguien que reflexiona mucho, comete errores y se debate entre la culpa y el deseo; verlo manejar esa dualidad es lo que hace que la historia funcione. Mary Wilkie, interpretada por Diane Keaton, aparece como una figura elegante y complicada: culta, idealista en ciertos temas y, a la vez, entrampada en relaciones que no la satisfacen del todo. Es el contraste perfecto con Isaac porque ofrece una mezcla de ternura y frustración intelectual.

En el otro extremo tienes a Tracy, la joven idealista interpretada por Mariel Hemingway, cuya inocencia y honestidad ponen en jaque las decisiones de Isaac. Yale Pollack (Michael Murphy) y Jill (Meryl Streep) son personajes secundarios que, sin embargo, influyen mucho en la dinámica: Yale como receptor de las complicaciones amorosas y Jill como una figura que devuelve a Isaac recuerdos y confrontaciones emocionales. Los secundarios, novias, exes y amigos completan un microcosmos urbano que hace que las tensiones amorosas y morales se sientan reales.

Al final me quedo con la sensación de que «Manhattan» es una película sobre cómo se choca con la propia contradicción: amor, deseo, conciencia y la ciudad como telón de fondo. Esa mezcla es lo que hace a sus personajes inolvidables para mí.

Hay escenas de «Manhattan» que sigo recordando con una mezcla de ternura y picardía; cada encuadre en blanco y negro parece inventar una manera distinta de hablar del amor en la ciudad.

He pasado décadas viendo películas y, sin pretender dar una clase, creo que «Manhattan» marcó un antes y un después en cómo se muestra el romance urbano. Woody Allen convirtió a Nueva York en un personaje romántico: las calles, los puentes y los apartamentos no son meros fondos, sino catalizadores de encuentros, dudas y reconciliaciones. La película popularizó ese tono melancólico-ingenioso, donde los personajes reflexionan en voz alta, se enamoran a medias y el jazz acompaña cada corte de montaje. Ese híbrido entre comedia y drama permitió que el romance no fuera necesariamente feliz en un sentido clásico, sino complejo, humano y a veces doloroso.

También me queda claro que su influencia es doble: estilística y temática. Estilísticamente, puso de moda el uso de la voz en off íntima, la banda sonora como narradora emocional y encuadres que muestran la ciudad como un mapa sentimental. Temáticamente, legitimó historias donde el amor no es idealizado; hay neurosis, contradicciones éticas (no se puede ignorar la polémica del guion) y finales agridulces. Personalmente, admiro cómo «Manhattan» me hizo querer romances menos edulcorados y más verosímiles, incluso cuando me deja una sensación agridulce al cerrar los ojos.

Hay directores cuya obra define épocas; Woody Allen es uno de esos nombres que siempre aparece cuando se habla de comedia intelectual y dramas íntimos.

Si tuviera que recomendar una lista esencial para entender su filmografía, empezaría por «Sueños de un seductor» porque muestra sus primeras obsesiones con el cine y el humor autocrítico. Luego seguiría con «Annie Hall», un punto de inflexión donde la comedia romántica se vuelve introspectiva y refrescante. «Manhattan» es imprescindible por su iconografía visual y esa mezcla de melancolía y belleza urbana.

No puedo dejar fuera «Hannah y sus hermanas» y «Delitos y faltas», que exploran la ética y la tragedia desde ángulos distintos; la primera con ternura y la segunda con gravedad moral. Para cerrar, recomendaría «La rosa púrpura del Cairo» por su imaginación meta-cinematográfica y «Medianoche en París» como su entrada más reciente para el gran público, una carta de amor a la nostalgia. Cada una me dejó pensando en el amor, la culpa y el paso del tiempo, y siempre vuelvo a ellas cuando quiero entender cómo mezcla risa y tristeza.

Tengo una lista bastante completa de todas las películas que dirigió Woody Allen y me gusta presentarla por orden cronológico para ver la evolución clara de su estilo.

Empiezo con «What's Up, Tiger Lily?» (1966), seguido por «Take the Money and Run» (1969), «Bananas» (1971), «Everything You Always Wanted to Know About Sex (But Were Afraid to Ask)» (1972), «Sleeper» (1973) y «Love and Death» (1975). Luego llegan los grandes hits: «Annie Hall» (1977), «Interiors» (1978), «Manhattan» (1979) y «Stardust Memories» (1980).

Siguen en los ochenta y noventa títulos como «A Midsummer Night's Sex Comedy» (1982), «Zelig» (1983), «Broadway Danny Rose» (1984), «The Purple Rose of Cairo» (1985), «Hannah and Her Sisters» (1986), «Radio Days» (1987), «September» (1987), «Another Woman» (1988), «Crimes and Misdemeanors» (1989), «Alice» (1990), «Shadows and Fog» (1991), «Husbands and Wives» (1992), «Manhattan Murder Mystery» (1993), «Bullets Over Broadway» (1994), «Mighty Aphrodite» (1995), «Everyone Says I Love You» (1996), «Deconstructing Harry» (1997), «Celebrity» (1998) y «Sweet and Lowdown» (1999).

En los 2000 aparecen «Small Time Crooks» (2000), «The Curse of the Jade Scorpion» (2001), «Hollywood Ending» (2002), «Anything Else» (2003), «Melinda and Melinda» (2004), «Match Point» (2005), «Scoop» (2006), «Cassandra's Dream» (2007), «Vicky Cristina Barcelona» (2008), «Whatever Works» (2009), «You Will Meet a Tall Dark Stranger» (2010), «Midnight in Paris» (2011), «To Rome with Love» (2012), «Blue Jasmine» (2013), «Magic in the Moonlight» (2014), «Irrational Man» (2015), «Café Society» (2016), «Wonder Wheel» (2017), «A Rainy Day in New York» (2019) y «Rifkin's Festival» (2020).

Me gusta pensar en esa lista como un mapa con altibajos, grandes comedias y dramas más maduros: leerla en voz alta me recuerda cuántas etapas distintas tuvo su cine y cómo algunas películas siguen resonando conmigo.

Siempre me ha gustado ordenar filmografías como si fueran mapas de viaje; con Woody Allen es un paseo larguísimo y lleno de giros. Aquí te dejo la lista de sus películas dirigidas en orden cronológico, empezando por sus primeros experimentos hasta sus trabajos más recientes. No incluyo cameos ni guiones para otras producciones: solo las películas que él dirigió.

«What's Up, Tiger Lily?», «Take the Money and Run», «Bananas», «Everything You Always Wanted to Know About Sex (But Were Afraid to Ask)», «Sleeper», «Love and Death», «Annie Hall», «Interiors», «Manhattan», «Stardust Memories», «A Midsummer Night's Sex Comedy», «Zelig», «Broadway Danny Rose», «The Purple Rose of Cairo», «Hannah and Her Sisters», «Another Woman», «Crimes and Misdemeanors», «Alice», «Shadows and Fog», «Manhattan Murder Mystery», «Bullets Over Broadway», «Mighty Aphrodite», «Everyone Says I Love You», «Deconstructing Harry», «Celebrity», «Small Time Crooks», «The Curse of the Jade Scorpion», «Hollywood Ending», «Anything Else», «Melinda and Melinda», «Match Point», «Scoop», «Cassandra's Dream», «Vicky Cristina Barcelona», «Whatever Works», «You Will Meet a Tall Dark Stranger», «To Rome with Love», «Blue Jasmine», «Magic in the Moonlight», «Irrational Man», «Wonder Wheel», «A Rainy Day in New York», «Rifkin's Festival».

Me encanta cómo, al leer la lista en fila, se ve su evolución: del slapstick y la comedia disparatada a dramas más sobrios y luego una mezcla personalísima. Cada título abre la puerta a una etapa distinta de su cine, y eso es lo que más disfruto cuando preparo maratones temáticos.

Me encanta cómo su filmografía se siente como un diario cinematográfico que cambia de cuaderno con el paso de los años.

Yo veo una primera etapa juguetona y experimental: películas como «¿Qué tal, Tiger Lily?» y «Toma el dinero y corre» muestran ese gusto por la comedia rápida, los gags y una influencia del stand-up que yo disfrutaba cuando descubrí sus viejas cintas en DVD. En esos films hay un director probando formas, jugando con la voz narrativa y con el montaje de manera desprejuiciada.

Más adelante yo percibo la era dorada, la de los retratos neoyorquinos y las neurosis amorosas —«Annie Hall» y «Manhattan»— donde el humor se vuelve introspectivo y la ciudad casi se convierte en personaje. Luego vienen las piezas más variadas: mockumentary como «Zelig», dramas éticos como «Crimes and Misdemeanors» y, finalmente, el giro europeo y más oscuro con «Match Point» y «Vicky Cristina Barcelona». Yo sigo fascinando con cómo cambia el tono sin perder una voz personal; siempre hay un humor ácido y una melancolía que me atrapan al momento.