¿La Momo Estatua Permanece Hoy En Exposición Pública?

Recuerdo haber visto la imagen de «Momo» en mi feed y cómo, de la noche a la mañana, todo el mundo empezó a debatirlo como si fuera una crisis nacional. Desde mi rincón de fanático de cultura pop, vi que la estatua desató dos hilos de discusión que se entrelazaron: por un lado, la preocupación legítima de padres y docentes sobre la seguridad infantil en internet; por otro, la discusión sobre hasta qué punto los medios y las redes exageraron un fenómeno que pudo ser más viralidad y pánico moral que una amenaza real. Muchos pedían bloquear y eliminar imágenes y links, otros defendían la libertad artística y señalaban que la estatua era solo una obra fuera de contexto. Lo que más me quedó grabado es cómo ese debate puso sobre la mesa la responsabilidad de plataformas, la necesidad de alfabetización digital y la facilidad con la que el miedo se propaga online. Personalmente, me hizo pensar en lo importante que es explicar a los más jóvenes cómo funciona la web, sin caer en la censura automática ni en el alarmismo.

Vi la imagen viral en un foro y no pude resistir la curiosidad; empecé a rastrear su origen hasta dar con la escultura real detrás del fenómeno conocido como «Momo». Lo que circuló por internet no era un montaje digital original, sino la foto de una pieza física creada por un artista japonés vinculado a la empresa de efectos especiales Link Factory, que en su momento la llamó «Mother Bird» y que el público rebautizó como «Momo». Según las fuentes y declaraciones públicas, la pieza es una obra de materiales mixtos: se construyó sobre un armazón (probablemente metálico o de alambre) y se modeló con papier-mâché —es decir, papel y adhesivo—, además de capas de yeso o resinas para lograr volumen y textura. El acabado incluye pintura, barniz y detalles añadidos como cabello sintético y probablemente ojos acrílicos, buscando un efecto hiperrealista y perturbador. No siempre es fácil precisar una fórmula exacta porque los artistas de efectos suelen combinar medios según la necesidad. En la práctica, la descripción más repetida y creíble es «escultura de materiales mixtos: armazón metálico, papel maché y resina, con pintura y accesorios». A mí me sorprendió cómo algo hecho con técnicas tradicionales puede generar un impacto viral tan grande.

No pude evitar seguir la polémica desde el primer comunicado del ayuntamiento y esto es lo que me quedó claro: la estatua conocida como 'Momo' recibió varias sanciones de carácter administrativo. Primero, se abrió un expediente sancionador por presuntas infracciones urbanísticas y de ocupación del espacio público; eso se tradujo en una orden de retirada de la pieza mientras se resolvía el procedimiento. Paralelamente, el consistorio impuso una multa económica dirigida a la persona o grupo responsable de la instalación por no contar con la autorización correspondiente. Además, la resolución incluía medidas cautelares: vallado temporal del entorno y la obligación de reparar cualquier daño al mobiliario urbano o al pavimento. En mi opinión, fue una mezcla de voluntad por restablecer el orden público y de prisa política para evitar más protestas, aunque entiendo que la gente que apoyaba la obra lo vivió como una censura y una sanción excesiva.

Me llevé una alegría enorme cuando la vi; la estatua de Momo fue instalada en el barrio de Lavapiés, en el corazón multicultural de Madrid. Recuerdo la primera imagen que me llegó: una figura colocada en un rincón concurrido, donde la gente pasa, se fotografía y conversa en varios idiomas. Ese gesto de poner una pieza así en Lavapiés me pareció perfecto, porque el barrio siempre ha sido un tejido vivo de culturas, artistas callejeros y pequeñas plazas donde surgen encuentros inesperados. Desde mi punto de vista más nostálgico, ver la estatua ahí añade otra capa al barrio: es como si la ciudad coleccionara historias y las dejara a la vista de cualquiera. Me encanta que no esté en un museo pomposo sino en la calle, accesible y cotidiana; eso hace que mi conexión con ella sea más cercana y espontánea. Me quedo con la sensación de que en Lavapiés siempre hay algo nuevo que descubrir y esta estatua es un ejemplo claro de eso.

Me gusta mucho pensar en cómo la obra de Berry Berenson sigue saliendo a la luz aunque ella ya no esté: dejó una cantidad notable de fotografías y retratos que han sido conservados por su familia y por coleccionistas, y con cierta frecuencia aparecen en exposiciones colectivas o retrospectivas pequeñas. No se trata de una gran institución pública dedicada exclusivamente a su archivo, al menos no de forma permanente y visible como un museo monográfico, pero sí hay materiales suyos que circulan en galerías y en catálogos especializados. He visto mencionar su trabajo en publicaciones sobre fotografía de retrato y en muestras que exploran la época en la que trabajó; además, su estate suele autorizar reproducciones y préstamos a exposiciones. Por eso, hoy en día su obra se puede encontrar dispersa: en archivos privados, en colecciones de fotografía contemporánea y en exposiciones temporales que le rinden homenaje. Personalmente me impresiona cómo, a pesar de la tragedia que marcó su vida pública, su trabajo fotográfico conserva una voz propia y aparece de vez en cuando para recordarnos su mirada.

Me quedé pegado a las noticias cuando vi la foto de la estatua por primera vez y desde entonces no dejo de pensar en las teorías que surgieron sobre su origen. Una de las explicaciones más vocales decía que no era una escultura moderna sino algún tipo de reliquia o figura ritual antigua, una pieza salida de una tribu desconocida o de un culto olvidado. Eso multiplicó leyendas sobre rituales, sacrificios y símbolos ocultos; la gente inventaba historias para rellenar el vacío de información. Otra corriente afirmaba que era obra de algún artista de efectos especiales o de una compañía de utilería, creada adrede para provocar reacciones fuertes en redes sociales, y ahí emergió la idea del marketing viral. También escuché a mucha gente relacionarla con seres del folclore —un yokai o una criatura híbrida— mientras que otros la consideraron una broma macabra destinada a asustar a niños y padres, conectándola con el infame mito del «Momo Challenge». En lo personal, me quedo con la mezcla: la pieza tiene una fuerza visual que parece pensada para ser compartida, y las teorías crecieron más por la falta de contexto que por la obra en sí.

Me entusiasma ver cómo el legado modernista sigue vivo en espacios que van desde grandes museos internacionales hasta pequeñas colecciones locales, y me encanta recorrerlos con ojos curiosos. Hoy, las obras modernistas se conservan y exhiben en instituciones emblemáticas como el Museum of Modern Art (MoMA) en Nueva York, la Tate Modern en Londres y el Centre Pompidou en París; esos lugares funcionan como custodios de piezas clave, organizan exposiciones temáticas y facilitan préstamos internacionales que permiten ver obras en contextos distintos. Además, museos nacionales como el Museo Reina Sofía en Madrid o el Museo de Arte Moderno de la CDMX suelen tener departamentos dedicados a la conservación preventiva, restauración y documentación, lo que garantiza que lienzos, esculturas y medios mixtos se mantengan estables para futuras generaciones. Más allá de los grandes nombres, encuentro fascinante cómo fundaciones privadas y colecciones domésticas abiertas al público también juegan un papel enorme: la Peggy Guggenheim Collection en Venecia o la Fondation Beyeler en Suiza son ejemplos de cómo la iniciativa privada se coordina con conservadores para proteger y exponer modernismo. Las bienales y ferias —pienso en la Bienal de Venecia, Art Basel o expos itinerantes que recorren centros culturales— ayudan a que la obra circule, mientras que los laboratorios de conservación, con controles de humedad, luz y temperatura, y técnicas modernas de análisis (fotografía infrarroja, datación y digitalización) mantienen a salvo piezas frágiles. No hay que olvidar las colecciones universitarias y los museos municipales: ofrecen visiones locales muy ricas y a menudo muestran obras de artistas modernistas menos conocidos pero igualmente importantes. Finalmente, una de mis experiencias favoritas es combinar la visita física con recursos digitales: muchas instituciones ofrecen catálogos en línea, recorridos virtuales y archivos accesibles en plataformas como Google Arts & Culture, lo que permite estudiar detalles desde casa. Para quienes aman descubrir, es emocionante seguir las agendas de exposiciones temporales, los catálogos razonados y los proyectos de conservación publicados por los museos. Al salir de una sala con una pintura modernista en la retina, siempre me quedo con la sensación de que el cuidado y la pasión por esas obras son comunitarios: conservadores, curadores, coleccionistas y público contribuyen a que sigan hablando con fuerza hoy.

Vi la imagen de «Momo» rondando por redes y aún me parece fascinante cómo una obra de arte terminó convertida en leyenda urbana. La pieza original fue creada por Keisuke Aiso, un artista/sium especialista en efectos que trabaja con el estudio Link Factory; la escultura se presentó en la galería Vanilla de Tokio en 2016 bajo el nombre «Mother Bird» (aunque popularmente la gente terminó llamándola «Momo»). Era una escultura pensada como objeto artístico, con rasgos exagerados: ojos saltones, sonrisa amplia y cabello largo, una mezcla deliberada de perturbador y surrealista que buscaba provocar emoción más que instigar miedo. La fotografía que se volvió viral provenía de esa instalación y, fuera de contexto, fue capturada y difundida en Internet hasta convertirse en imagen icónica. Lo que me interesa de todo esto es el salto que dio desde sala de galería a meme apocalíptico: en 2018-2019 la imagen fue reciclada en lo que se conoció como el «Momo Challenge», un bulo que decía que un personaje en WhatsApp incitaba a la gente, especialmente menores, a realizar actos peligrosos. Los reportes sensacionalistas y la viralidad en redes amplificaron una historia que no tenía base real; la escultura no fue creada para ese fin y Keisuke Aiso no promovió ningún reto. De hecho, muchos medios y verificadores aclararon que el desafío era en gran parte ficción, alimentada por pánico moral, cadenas y cuentas anónimas que difundían rumores. Al final me quedo con respeto por el trabajo del artista y con la sensación de que, en la era digital, el contexto lo es todo: una obra puede cambiar completamente de significado cuando se arranca de su lugar original y se mezcla con desinformación. Pensar en «Mother Bird» me recuerda que es importante mirar de dónde vienen las imágenes antes de tragarse la historia completa; la escultura es un objeto de arte que inspiró una leyenda, no la creadora de aquella leyenda. Es curioso, inquietante y un recordatorio de cómo Internet puede transformar cualquier cosa en mito.

Hace unos años, cuando empecé a adentrarme en los foros españoles, me encontré con el término 'El Momo' por primera vez. Resulta que es un personaje recurrente en memes y chistes, casi como un arquetipo del bromista o el que siempre mete la pata. Lo gracioso es que no tiene un origen claro, pero muchos lo asocian con una especie de 'tonto útil' que provoca situaciones absurdas. Lo que más me fascina es cómo ha evolucionado. De ser un simple chiste interno en comunidades pequeñas, ahora es parte del lenguaje coloquial, especialmente entre jóvenes. Hay quien dice que viene de un error en un programa de televisión, otros juran que surgió en un hilo de Twitter. Sea como sea, su esencia está en esa mezcla de inocencia y caos que todos reconocemos.

No es una sola cosa; «momo» funciona como un comodín en internet y su significado depende mucho de dónde lo veas. Para mucha gente lo primero que aparece en la cabeza es la famosa imagen viral que se asoció al llamado «Momo Challenge», una historia de pánico en redes y WhatsApp que resultó ser básicamente un bulo amplificado. Esa imagen provenía de una escultura creada por un artista para una compañía, y la sensación de miedo se viralizó más por la rumorología que por algo real. Por otro lado, «momo» es nombre de personajes y personas queridas en la cultura pop: el lemur volador de «Avatar: la leyenda de Aang», la idol del K-pop Momo de un grupo muy popular, y personajes de manga/anime como Momo Yaoyorozu en «My Hero Academia». En foros, preguntas tipo “¿quién es momo?” suelen necesitar contexto: puede que alguien hable del bulo, de un artista, de un personaje de anime o simplemente de la comida tibetana, porque también están los «momos» como empanadillas. En resumen, no hay un solo significado especial para toda la red; depende del hilo, la comunidad y el país. Yo suelo preguntar de qué plataforma viene la referencia antes de entrar en pánico, y normalmente acaba siendo alguna mezcla de meme, personaje popular o rumor exagerado.