¿Los Directores Aplican Abraham Maslow En La Dirección De Anime?

No es algo mecánico ni universal: a mi manera de verlo, muchos directores aplican los principios de Maslow como un mapa mental para construir arcos creíbles, aunque no lo nombren explícitamente. Es común que en los borradores iniciales se defina primero qué necesita el personaje en términos básicos (comida, refugio, seguridad) y luego se suban las apuestas hacia la pertenencia, el reconocimiento y finalmente la realización personal. Esa progresión mantiene la tensión narrativa y ayuda a que el público empatice.

En mis apuntes suelo identificar tres pasos prácticos que suelen seguir los equipos creativos: 1) establecer la base (qué pone en riesgo la supervivencia o seguridad), 2) complicar las relaciones (quién acepta o rechaza al protagonista) y 3) ofrecer un descubrimiento o crecimiento que apunte a la autorrealización. Obras como «Cowboy Bebop» funcionan jugando con la soledad y la búsqueda de sentido, mientras que series más deportivas o escolares ponen el foco en la pertenencia y la autoestima, como pasa en «Haikyuu!!». Al final me gusta pensar que Maslow es una lupa útil: te ayuda a leer por qué nos conmueve una escena y cómo la dirección empuja al personaje a subir o caer en esa escala humana.

Siempre me ha llamado la atención cómo el anime consigue tocar lo más humano sin que uno siempre se dé cuenta del andamiaje detrás; muchas veces ese andamiaje tiene ecos directos de la jerarquía de necesidades de Abraham Maslow. En mi experiencia viendo series y películas durante años, noto que los directores raramente pronuncian la palabra «Maslow» en entrevistas, pero sí organizan la trama y los arcos de los personajes conforme a necesidades básicas (sobrevivir, seguridad) y luego suben hacia la pertenencia, el reconocimiento y la autorrealización. Por ejemplo, en «Neon Genesis Evangelion» el conflicto de Shinji no es solo luchar contra monstruos: hay una tensión constante entre seguridad física, necesidad de aceptación y una búsqueda existencial de sentido que encaja con los niveles superiores de la pirámide. Makoto Shinkai en «Kimi no Na wa» usa la conexión interpersonal como motor; la necesidad de pertenecer y de amor atraviesa la historia y funciona como imán emocional para el público.

Si lo miras desde la dirección y el guion, el uso es tanto consciente como intuitivo. Algunos realizadores plantean escenas poniendo primero las condiciones: ¿qué necesita sobrevivir este personaje? ¿qué pierde si falla? Eso crea conflicto primario. Luego se tejen deseos sociales: amistades, familia, reconocimiento público (ese brillo que vemos en «Haikyuu!!» cuando la autoestima de los jugadores se construye a través del equipo y la competición). En otros casos la búsqueda de sentido y creatividad —el tope de la jerarquía— aparece en despedidas y crescendos emocionales, como la evolución de Violet en «Violet Evergarden», donde su aprendizaje para expresar amor y empatía es casi un viaje hacia la autorrealización.

No todo anime encaja limpio en la pirámide: hay obras que priorizan el horror o la supervivencia cruda y se quedan en niveles inferiores, y otras que juegan con la subversión (personajes que aparentan autorrealización pero siguen rotos). Mi impresión final es que los directores usan la lógica de Maslow como una guía psicológica más que como una regla rígida: es una herramienta para que el público entienda qué está en juego y por qué nos importa. Cuando veo una escena bien escrita, siento que han puesto las necesidades del personaje en el punto correcto de la escalera humana, y eso siempre me atrapa.