¿Qué Discos Esenciales Lanzó Betty Davis En Los Años 70?

Me pongo a pensar en las veces que he puesto un disco suyo y no he parado de mover la cabeza: Betty Davis dejó varios himnos del funk que todavía prenden una chispa única. Entre los cortes más conocidos están «If I'm in Luck (I Might Get Picked Up)», que abre su sonido con un groove crudo y directo; «They Say I'm Different», el tema que dio nombre a su segundo álbum y que resume su actitud desafiante; y «Anti-Love Song», donde la voz rasposa y la letra mordaz encajan con un ritmo implacable. También hay joyas como «Nasty Gal», que es pura actitud y swagger, y «I'm Gonna Bake That Cake», más juguetona pero igual de funkera. Otro corte que siempre aparece en listas y sets es «Don't Call Her No Tramp», con guitarras secas y una presencia vocal que impone respeto. Estas canciones no solo suenan a los 70, sino que siguen sonando frescas en playlists modernas: tienen una mezcla de descaro, ritmo sucio y alma que no caduca. Escucharlas me recuerda por qué Betty no era solo cantante, sino una fuerza; sus temas son perfectos para quien busca funk con personalidad, sin filtros ni concesiones.

Tengo una recomendación que siempre doy en charlas con amigos cinéfilos: empezar por la propia voz de Bette Davis. Su autobiografía, «The Lonely Life», te muestra a la actriz sin filtros, con sus éxitos, sus rabietas y sus miedos. Leer sus propias palabras ayuda a entender por qué su presencia en pantalla era tan magnética y por qué muchas de sus decisiones profesionales tuvieron ese carácter tan combativo. Si buscas algo más analítico y con contexto histórico, sigo señalando la biografía de Barbara Leaming, «Bette Davis: A Biography». Leaming equilibra anécdotas con investigación y ofrece una perspectiva crítica de la carrera y vida personal de Davis, útil si te interesa cómo encajó en la maquinaria del Hollywood clásico. Personalmente alterné capítulos de la autobiografía con pasajes de Leaming y eso me dio una visión rica y compleja: la voz íntima frente al relato documentado. Al final, entre carcajadas y escenas inolvidables de «All About Eve», me quedo con la sensación de haber conocido a una artista ferozmente honesta.

Me paso horas husmeando materiales antiguos sobre estrellas clásicas y con Bette Davis siempre hay algo apasionante que descubrir. No existe una gran cantidad de largometrajes documentales de estreno exclusivamente sobre ella, pero sí hay varios episodios y especiales que reconstruyen su vida y carrera con muy buen material de archivo. Busca episodios en series documentales como «American Masters» (PBS), «Biography» (A&E) y «E! True Hollywood Story», que suelen dedicar capítulos a figuras enormes como Davis y trabajan con entrevistas, imágenes de archivo y comentarios de críticos y colegas. Turner Classic Movies también produce especiales y retrospectives donde aparece mucha entrevista y análisis sobre su carrera. Además, hay montajes de entrevistas y colecciones de apariciones televisivas —por ejemplo fragmentos de «The Dick Cavett Show» o programas nocturnos— que funcionan casi como mini documentales y muestran su personalidad directa y sin filtros. Si te interesa la parte dramatizada, la miniserie «Feud: Bette and Joan» ofrece una mirada ficcionada muy comentada sobre su relación con Joan Crawford. En mi experiencia, combinar un par de estos episodios con las entrevistas de archivo da la mejor visión de quién era Bette: feroz, divertida y compleja.

Me encanta cómo Betty Davis irrumpió en la música con una actitud que no pedía permiso y que, de verdad, cambió el tono del funk y la forma en que la gente se vestía para tocarlo. Yo venía de coleccionar discos viejos cuando descubrí «Betty Davis» y «They Say I'm Different», y lo que me pegó no fue sólo el groove: era la manera en que su voz, rasposa y provocadora, se montaba sobre guitarras filosas y ritmos crudos. Eso empujó al funk hacia un territorio más agresivo y rockero: menos pulido, más directo. La presencia de las guitarras como motor, y esa mezcla de soul con actitud punk, abrieron camino para que el funk no fuera sólo baile sino confrontación. En moda, su estética —chaquetas de cuero, maquillaje fuerte, ropa andrógina y una sexualidad desafiante— dio ejemplos visuales que rompían expectativas sobre cómo debía lucir una mujer en el escenario. Artistas posteriores tomaron esa libertad estética y la llevaron a otros géneros; su influencia se nota en la seguridad de muchas mujeres que hoy usan moda como declaración política y artística. Al final me dejó la sensación de que Betty no sólo hizo canciones: propuso una forma de estar en el mundo.

Me flipa cómo los discos de Joan Baez de los años 60 trazan una especie de mapa emocional y musical de la época: empiezan muy puros en lo folk y, poco a poco, se van abriendo a arreglos más amplios y a canciones de autores contemporáneos que ella supo hacer suyas. En los primeros años está lo esencial: «Joan Baez» (1960) y «Joan Baez, Vol. 2» (1961), ambos llenos de canciones tradicionales y de esa voz clara y directa que la lanzó al público. Esos discos son prácticamente clases magistrales de folk: voz y guitarra, intérprete formidable, repertorio de tradición anglosajona y espiritualidad protest song. Luego llegaron los discos en vivo que la consolidaron como figura central del movimiento folk: «Joan Baez in Concert» (1962) y «Joan Baez in Concert, Part 2» (1963). Escuchar esos álbumes me transporta a salones repletos de gente atenta, y se nota cómo su poder proviene tanto del tono como de la cercanía con el público. En esos conciertos ya integraba canciones de protesta y composiciones modernas además de los tradicionales, y su interacción con el público es parte de la magia. A mitad de la década su obra empieza a dialogar más con contemporáneos: «Joan Baez/5» (1964) abre el repertorio a canciones más recientes, y «Farewell, Angelina» (1965) incluye material de Bob Dylan y otros compositores que estaban cambiando el panorama. Más adelante, «Joan» (1967) muestra una paleta más amplia y «Any Day Now» (1968) es un disco enteramente dedicado a versiones de Dylan, una especie de tributo que también subraya su talento para transformar canciones ajenas. Ese mismo año publicó «Baptism: A Journey Through Our Time» (1968), un disco ambicioso y experimental con orquestaciones y elementos conceptuales que sorprenden viniendo de alguien conocido por el formato más desnudo del folk. Finalmente, «David's Album» (1969) aporta un tono íntimo y casi campestre, con arreglos country-folk. Si pienso en mis favoritos, me cuesta quedarme con uno: los primeros discos por su pureza, los conciertos por la energía, y «Any Day Now» por la forma en que convierte a Dylan en algo muy personal. En conjunto, la década de los 60 muestra a una artista en constante expansión, pasando del folk tradicional a explorar nuevas texturas sin perder la honestidad en la voz.

Me fascina recorrer catálogos clásicos cuando quiero ver a Bette Davis: en España lo más práctico es empezar por plataformas especializadas. Filmin suele tener títulos de época y películas menos comerciales, así que ahí he encontrado joyas como «Now, Voyager» o «Dark Victory» en ocasiones; MUBI, por su parte, trae cintas clásicas y ciclos temáticos que de vez en cuando incluyen a Davis. FlixOlé es otra opción interesante para clásicos norteamericanos y españoles restaurados. Si no aparecen en esas suscripciones, casi siempre hay alternativas de compra o alquiler en Prime Video, Apple TV y Google Play Movies; yo he pagado alguna vez 3–4 euros por un alquiler para ver «All About Eve» cuando la quería revisitar. También conviene echar un vistazo a YouTube Movies y Rakuten TV para títulos puntuales. Y no olvido la Filmoteca Española: suelen programar ciclos y retrospectivas que celebran a grandes estrellas, donde ver películas proyectadas en buena calidad es otra experiencia distinta y más auténtica. Personalmente disfruto más cuando combinan una búsqueda en streaming con alguna sesión en la Filmoteca, es otra manera de conectar con esas obras.

Me puse a buscar a fondo y encontré que 'Flora Davis' no tiene una discografía única y clara dentro de los catálogos más grandes: el nombre aparece en distintos contextos según la escena y el país, así que lo primero es identificar a cuál te refieres. En algunos casos se trata de artistas independientes que publican singles y EPs en plataformas digitales; en otros, puede ser una voz invitada en compilaciones o proyectos locales. Por eso no hay un listado universal, sino varios conjuntos de lanzamientos dispersos. Si quieres rastrear lanzamientos concretos, recomiendo empezar por Bandcamp y SoundCloud para material independiente, Spotify/Apple Music/YouTube Music para streams oficiales, y Discogs o MusicBrainz para verificar ediciones físicas y créditos. Para comprar, Bandcamp suele vender descargas en alta calidad y vinilos o CDs si el artista los ha puesto a la venta; Amazon/iTunes suelen ofrecer descargas y CDs. Para vinilos y CDs descatalogados, Discogs y eBay son los mejores lugares, y tiendas de segunda mano en tu ciudad pueden sorprenderte. En lo personal, me gusta comparar las entradas en Discogs con lo que aparece en Bandcamp y redes sociales del artista para evitar confusiones entre homónimos; así sabes si compras al verdadero creador. Al final, apoyar la tienda oficial del artista o comprar en Bandcamp suele ser lo más directo y justo, y además te llevas buena calidad de audio y, a veces, material físico especial.

Tengo una debilidad por las voces que cuentan historias y la de María Callas es una de esas que te atrapan desde el primer segundo. Si vas a explorar su obra, yo empezaría por una compilación de arias para entender su rango emocional: busca algo como la caja «The Art of Maria Callas» o cualquier recopilatorio titulado «The Essential Callas». Ahí encontrarás perlas como 'Sempre libera' de «La traviata», 'Casta Diva' de «Norma» y 'Vissi d'arte' de «Tosca», que muestran su capacidad para pasar del color a la intensidad dramática en un instante. Escuchar estas piezas primero te da un mapa de qué esperar: una técnica impecable que usa el fraseo y el rubato para contar la historia más que para lucirse. Después del aperitivo, lánzate a una ópera completa: yo recomiendo comenzar por «La traviata» para seguir su arco interpretativo como Violetta, y luego «Norma» para ver cómo domina el bel canto con una tensión expresiva brutal. Termino siempre pensando en lo visceral que es su canto: más que perfección técnica, transmite verdad. Es una experiencia que te deja un poco sin aliento y con ganas de volver a escucharla.

Me quedé enganchado a Morrissey casi sin darme cuenta y, con los años, he ido armando una lista de discos que la crítica suele considerar indispensables. Para empezar, siempre mencionan «Viva Hate»: es el álbum que marcó su salto en solitario y donde se siente esa mezcla de melodía melancólica y letras afiladas que tanto le caracteriza. Ahí van canciones que aún se escuchan como himnos privados y muchos críticos lo ven como su debut más sólido fuera de la sombra de su banda anterior. Otro disco que aparece constantemente en listas es «Vauxhall and I», que se describe como más recogido y reflexivo, una etapa donde la voz y la letra dominan a la perfección. Los textos están más contenidos y, para quienes seguían su carrera, suponen una madurez artística que la crítica suele aplaudir. No es ruidoso, pero sí profundo. También merece lugar «Your Arsenal», que suele destacarse por su energía y arreglos más rockeros; muchos críticos la prefieren cuando quieren destacar su lado más enérgico y combativo. Finalmente, no puedo dejar fuera «Bona Drag», que es una recopilación de singles y rarezas muy valorada por reunir clásicos sueltos en un solo paquete, y «You Are the Quarry», el renacimiento crítico que volvió a situarlo en el ojo público años después. Personalmente, cada uno me trae una faceta distinta de su personalidad musical, y por eso me gusta revisitarlos según el ánimo.

Vengo de una vieja costumbre de rebuscar en las estanterías de tiendas de vinilos y me encanta comentar las joyas de Gershwin que encuentro: hay discos que, para mí, son imprescindibles si uno quiere entender la mezcla entre jazz y clásico que él logró. Empiezo con algo que siempre recomiendo a quien quiere introducirse con estilo: «Ella Fitzgerald Sings the George and Ira Gershwin Song Book» (Verve). Esa colección no es solo una muestra de grandes canciones: la claridad de la voz de Ella, la orquestación y la forma en que convierte cada tema en una mini-historia hacen que sea un disco perfecto para disfrutar tanto si te acercas desde el jazz vocal como desde la canción popular. Otra pieza que siempre tengo en rotación es la reinterpretación orquestal de «Porgy and Bess» por Miles Davis y Gil Evans. Es una lectura moderna y profunda de la obra teatral, y para mí funciona como puente entre el Gershwin más teatral y el universo del jazz de la segunda mitad del siglo XX. Además, no puedo dejar de mencionar las grabaciones históricas de George Gershwin al piano y las versiones de Oscar Levant: escucharlas es como tener una conversación directa con quien creó la música. Estas ediciones históricas suelen aparecer en recopilatorios remasterizados y son oro para entender fraseo y ritmo tal como él los concebía. Para cerrar mi lista de imprescindibles, me quedo con un par de discos orquestales que recogen «Rhapsody in Blue», «An American in Paris» y el «Concerto in F». Hay excelentes versiones dirigidas por Leonard Bernstein y otras a cargo de directores contemporáneos que cuidan mucho el equilibrio entre orquesta y piano solista; cualquiera de esas compilaciones te da una panorámica más completa de la ambición sinfónica de Gershwin. En definitiva, si pasas de lo puntual a lo integral, estos discos te cuentan la historia de su mezcla única de mundos, y siempre vuelvo a ellos cuando quiero inspirarme o simplemente disfrutar de buena música.