アニメ作画スタッフはゆる ふわ動作をどう演出すべきですか？

観察ノートに基づいて作ると、ふわっとした動きの説得力がぐっと増すと思う。動きの核になるのは“重さの逆転”と“遅れ”だと捉えている。例えば頭が先に動いて体が追随する、あるいは手が止まってから布が追いかける、といった部分的遅延を細かく刻むと柔らかさが出る。

曲線的なアークを大切にし、極端なポーズではなく中間ポーズを滑らかにつないでいく。スプラインのイーズ曲線を使う場合も、カーブを直線的にしすぎず、緩やかなS字を意識する。コツは“余白”を残すこと。詰め込みすぎると硬く見えるので、重要な部分にだけ手間をかけ、その他は軽やかに見せる。

個人的には色の変化や線の太さで柔らかさを補助する手法も使う。ほんの少し線を細くしたり、影を柔らかくすると視覚的に優しい印象になるから、動きと絵の双方でアプローチすることで全体の印象が揃う。『君の名は。』の浮遊感に学んだ描写が、僕の引き出しを増やしてくれた。

現場で培ったクセを一つ紹介すると、部分ごとの“遅延タイムライン”を作ることを勧めたい。頭、胴体、手足、髪、布類といった各パーツに対して独立したタイマーを考え、それぞれに微妙に違う開始フレームを与えると自然な重なりが生まれる。これをやると一気にふんわり感が出るから試してほしい。

技術的にはポーズ・トゥ・ポーズで大枠を作ったあと、ストレートアヘッドで中割りを入れていくとメリハリが出る。スローモーションで見た際に“戻り”や“追従”が滑らかかどうかをチェックするのが肝心だ。スロットルを効かせるように、動きの強弱をコントロールして、目線や小物の揺れを少し遅らせると柔らかさが強調される。

参考にするのは、演技の中の繊細な体重移動を丁寧に扱っている作品だ。たとえば『ユーリ!!! on ICE』の演技描写は、速い動きの中でも柔らかい余韻を残す手法が光る。そこから学べるのは、単にフレームを増やすのではなく“どこで緩めるか”を見極める眼だ。自分の作品でも、その見極めが一番効くと感じている。

軽やかな動きをつくる際は、リアリティとデフォルメのバランスを取る遊び心が必要だ。身体の動きを完全にリアルに追いかけると硬くなることが多いから、観客が違和感を感じない範囲で誇張してやる。僕の場合はまず“呼吸をするように”というメンタルで全体のタイミングを緩める。

ディテールでは、目や口の小さな反応、服の縫い目の揺れ、髪の先端の遅れなど、視線が自然に追う箇所を少しだけ丁寧にしておく。これだけで画面全体がふんわりする。あと、カラーリングのトーンを柔らかくして線を強調しすぎないのも有効だ。

作品例として参考にしているのは『カードキャプターさくら』の魔法演出。細かな揺らぎと穏やかな間の取り方が見事で、見ていて心地いいゆるさがある。自分の作業でも、その“余韻”を大事に作ると狙い通りに伝わることが多い。

絵を動かすたびに生まれる“ゆるふわ”のニュアンスを逃さないために、まず自分がやるのは観察を細かく分解することだ。肩や腕、髪の揺れ、服のたるみ――それぞれが少しずつ遅れて動くことで柔らかさが成立する。キーを極端に取り、そこから緩やかなイーズイン・イーズアウトをつけると、ふんわりとした余韻が出る。タイミングはわざとルーズに、間を長めにとると“空気感”が出せる。

線の動きや間引きも大事だ。完全に滑らかに描きすぎず、敢えて2コマ抜きや微妙なズレを残すと手描き感が出る。遠景や背景の動きを抑えてキャラの動きを目立たせるのもコツで、自然な浮遊感を強調できる。参考にしているのは『となりのトトロ』の空気の扱い。直接的なスピードではなく“緩さの連鎖”を意識すると、見た人が安心して受け取れる動きになる。

最後に、自分の感覚だけで決めず必ず動画チェックを重ねる。スロー再生で微調整して、部分ごとの遅れや戻りを確認する癖が役に立つ。緩やかな呼吸のように、動き全体が通奏低音として流れると、ゆるふわは心地よく映る。そんな調整を積み重ねるのが自分の流儀だ。