¿Brian May Participó En Qué Colaboraciones Con Otros Artistas?

Me encanta hablar de las canciones que Brian May escribió; muchas de ellas siguen siendo himnos que reconozco al instante. Entre las más famosas está «We Will Rock You», un tema que él compuso y que se volvió un golpe de estadio imprescindible por su ritmo literal de palmas y zapateo. Luego está «Tie Your Mother Down», con ese riff roquero tan directo y potente que define la actitud de Queen en los primeros discos. No puedo dejar de mencionar «Fat Bottomed Girls», una pieza con esa mezcla de humor y guitarra que siempre anima cualquier playlist. También escribió baladas y piezas más complejas como «Who Wants to Live Forever», que escribió para la película «Highlander» y demuestra su lado melancólico y orquestal. «Save Me» y «Too Much Love Will Kill You» son ejemplos de su habilidad para las melodías emotivas. Y para los fans de los solos, «Brighton Rock» y «39» muestran su técnica y sensibilidad a la hora de componer. Al final, su sello es el equilibrio entre riff memorable y melodía emocional, y eso es lo que me sigue fascinando de su legado.

Me cuesta no emocionarme cuando hablo de esto: Ed O’Brien lanzó su proyecto en solitario bajo el nombre EOB y, en esas canciones, sí contó con colaboraciones palpables. En el álbum «Earth» aparecen como voces o detalles Thom Yorke y Jonny Greenwood en distintos pasajes, y la cantante folk Laura Marling suma armonías en algunas pistas; todo eso se oye en los singles que salieron antes del disco, como «Brasil» y otros cortes del mismo álbum. Además, en las sesiones de estudio participó gente ligada al circuito alternativo y productores con los que comparte historia desde Radiohead, lo que hace que las texturas guitarrísticas y las voces de apoyo tengan matices reconocibles. Personalmente me encanta cómo esas colaboraciones no compiten con su voz, sino que la arropan: suena a compañeros curiosos experimentando juntos y a detalles que enriquecen cada tema, especialmente en los momentos atmosféricos de «Brasil» y en las canciones más íntimas de «Earth». Termino diciendo que esas colaboraciones le dieron al proyecto una sensación de comunidad sonora que disfruto mucho.

Hace rato que sigo cada movida y, mirando los últimos años, noto que Brian Molko se ha volcado más a colaboraciones puntuales y a trabajar con productores y artistas del mundo electrónico e indie, más que en duetos tradicionales con superestrellas pop. He visto que muchas de sus apariciones recientes han sido como voz invitada en remixes o en singles de artistas emergentes del rock alternativo y la electrónica; también ha participado en proyectos para bandas sonoras y en sesiones en estudio donde su aporte fue más atmosférico que protagonista. Además mantiene colaboraciones continuas con su compañero de banda, lo que se traduce en coescrituras y arreglos dentro del universo de Placebo. Personalmente me encanta cómo su timbre encaja en texturas electrónicas y en cortes íntimos: esas colaboraciones le permiten explorar matices distintos sin perder su ADN oscuro y frágil. En mi opinión, en los últimos años Brian ha preferido colaborar de forma selectiva y creativa, más con productores y artistas del circuito alternativo que con grandes duetos mediáticos, y eso ha dado piezas realmente interesantes que vale la pena buscar y escuchar.

Me encanta recordar cómo la carrera de Brian May no solo cambió el sonido del rock, sino que también se tradujo en reconocimientos muy variados a lo largo de los años. Además de los elogios inmediatos por su trabajo con Queen, Brian ha recibido honores oficiales como el título de CBE (Comandante de la Orden del Imperio Británico), un reconocimiento estatal que valora su aporte a la música; también acumula doctorados honoris causa por su trayectoria y su vuelta a la ciencia. Como parte de Queen ha sido ingresado en el Rock and Roll Hall of Fame, y la banda consiguió el BRIT Award por su Contribución Sobresaliente a la música. A nivel de catálogo, canciones icónicas como «Bohemian Rhapsody» han obtenido su lugar en recopilaciones y homenajes de la industria, incluyendo reconocimientos de los premios Grammy y el Grammy Hall of Fame. En resumen, su palmarés mezcla distinciones oficiales, premios de la industria y honores por su legado creativo, y eso es exactamente lo que uno espera de alguien que reinventó la guitarra en el rock clásico.

Me encanta repasar la carrera en solitario de Brian May porque muestra otra cara de su creatividad fuera de Queen. En estudio, publicó «Back to the Light» en 1992, un disco muy personal que incluye canciones como «Too Much Love Will Kill You» y «Driven by You». Después vino «Another World» en 1998, donde se nota una mezcla de rock clásico y arreglos más modernos para la época. Entre esos dos álbumes lanzó también un registro en vivo llamado «Live at the Brixton Academy» (publicado a mediados de los 90), que captura la energía de sus conciertos tras el tour de «Back to the Light». Además trabajó en bandas sonoras y proyectos puntuales; por ejemplo compuso la música para la película «Furia» a finales de los 90, que suele mencionarse cuando se repasa su discografía fuera de Queen. En conjunto, esos lanzamientos muestran cómo explora temas personales y guitarras muy características: melódicas, técnicas y con mucho corazón. Me gusta cómo cada álbum tiene su propio tono, como capítulos distintos en su trayectoria musical.

Nunca me canso del tono rasposo y a la vez cristalino que sale de la guitarra de Brian May en vivo: esa es la famosa «Red Special», la guitarra que él y su padre construyeron a mano cuando era un chaval. Está hecha con materiales reciclados y soluciónes caseras, y eso le da una personalidad única; no suena como una Strat o una Les Paul, tiene su propio color que se reconoce al instante. Lo que me fascina es cómo la ha mantenido como su sello personal durante décadas. Tiene un sistema de pastillas y cableado que permite combinaciones raras, un puente y palanca de vibrato hechos a medida, y Brian la toca con una moneda como púa, lo que suma esos ataques brillantes en los solos. En los conciertos suele alternar entre la original y réplicas muy fieles cuando cuida el instrumento, pero la identidad sonora siempre vuelve a la «Red Special». Para mí, escuchar esa guitarra es como ver la huella digital sonora de Queen en vivo —imposible confundirla y siempre emocionante.

Me fascina observar cómo Joe Duplantier ha ido más allá de ser solo la voz y la guitarra de «Gojira»: su presencia en la escena es mucho más amplia y colaborativa de lo que aparenta a simple vista. He seguido su trayectoria desde hace años y puedo decir con seguridad que sí, Joe ha participado en colaboraciones con otros artistas, aunque no siempre de forma rimbombante. Más allá de los discos de la banda —como «From Mars to Sirius» y «Magma»—, él ha hecho apariciones en conciertos compartidos, ha subido al escenario con colegas en festivales y ha contribuido en grabaciones puntuales para proyectos amigos. También tiene una faceta técnica: se sabe que aporta en la producción, mezcla y en el trabajo en estudio para bandas cercanas a su círculo, ayudando a pulir ideas y a dar forma a proyectos emergentes. Eso le da una mirada doble, la de músico que compone y la de alguien que ayuda a que otros suenen mejor. Otra capa interesante es su implicación en causas y eventos solidarios: Joe no rehúye colaborar cuando hay motivos ambientales o de carácter benéfico, participando en conciertos y convocatorias donde la música se cruza con el activismo. Además, hay conexiones naturales con proyectos paralelos y colaboraciones familiares (como los proyectos en los que participa junto a su hermano), lo que demuestra que su colaboración no se limita a aportar una línea de guitarra, sino que puede abarcar desde arreglos y producción hasta performance en vivo. En lo personal, me encanta ese perfil multifacético: aporta credibilidad cuando participa en trabajos ajenos porque no busca el protagonismo fácil, sino sumar con criterio. Si te interesa profundizar en colaboraciones concretas, merece la pena rastrear conciertos especiales, álbumes de amigos de la escena metal/rock y créditos de producción, porque ahí aparecen las huellas de su trabajo fuera del sello habitual de «Gojira». A mí me deja la impresión de alguien generoso con su talento y comprometido con la música en comunidad.

Siempre me ha parecido fascinante lo selectivo que es Maynard James Keenan con sus apariciones fuera de sus proyectos principales: Tool, «A Perfect Circle» y «Puscifer». No es de esos vocalistas que salta a cada colaboración por exposición; cuando lo hace, su sello vocal aporta textura y peso a la pieza. Por eso, aunque no tenga una larga lista de álbumes ajenos con su voz, sus intervenciones son memorables y suelen quedar pegadas en la historia de las canciones. La colaboración más conocida y citada por fans y crítica es su participación en la canción «Passenger» del álbum «White Pony» de Deftones (2000). Allí se alterna con Chino Moreno en una atmósfera tensa y nocturna que encaja perfecto con el tono del disco: la voz de Maynard aparece como un contrapunto oscuro y contenido, y la química en directo entre ambos fue también destacable en varias giras. Ese cameo se convirtió en un clásico: la pista sigue siendo una de las más celebradas de «White Pony», y para muchos sirve como ejemplo de cómo una colaboración puntual puede elevar una canción sin opacar al autor principal. Más allá de «Passenger», Maynard ha participado en proyectos menos formales o directamente no publicados, por ejemplo estuvo vinculado al proyecto Tapeworm (un colectivo de músicos que nunca llegó a editar material oficial), y ha colaborado esporádicamente en remixes, aportes en bandas sonoras y actuaciones en vivo con artistas afines del rock alternativo y experimental. Su modo de colaborar suele ser íntimo y medido: aporta líneas vocales, atmósferas, coros o fraseos que encajan con la estética del tema, en vez de asumir un papel protagónico que compita con el artista anfitrión. Esto explica por qué, si buscas una lista kilométrica de discos en los que aparece, no la vas a encontrar; su presencia se siente más en lo puntual y en la calidad que en la cantidad. Si eres fan de su voz y quieres rastrear esas apariciones, recomiendo empezar por escuchar «White Pony» y buscar actuaciones en vivo de Deftones con Maynard como invitado: en streaming hay registros que muestran cómo su contribución transforma la energía del tema. También vale la pena explorar material relacionado con los sellos y músicos del círculo alternativo donde se mueve —ahí suelen aparecer remixes, bonus tracks y colaboraciones menores que llevan su sello—. En mi experiencia, los pocos cameos que ha hecho son suficientes para entender por qué la comunidad lo respeta: Maynard colabora cuando la pieza merece su voz, y el resultado siempre suma atmosféricamente al trabajo del otro artista.