¿Brian May Publicó Qué Álbumes En Solitario Y Cuándo?

Me enterré en el álbum de Ed O'Brien con la curiosidad y la paciencia de alguien que colecciona discos raros. Sí, Ed O'Brien ha lanzado trabajo en solitario: su álbum debut se llama «Earth», publicado bajo el nombre EOB en 2020. No lo presentó como algo radicalmente distinto a Radiohead, pero sí muestra una faceta más expansiva y luminosa de su sensibilidad: guitarras texturizadas, capas atmosféricas y momentos de ritmo más marcado. Lo que más me gustó fue cómo suena como un proyecto personal, con colaboraciones y una banda propia que le da espacio para respirar. La producción cuida los detalles y las canciones se sienten pensadas para escucharse tanto en auriculares como en directo. En lo personal, me pareció un disco que funciona bien si te apetece escuchar a un músico conocido explorar sonidos sin prisas, y me dejó con ganas de ver qué más podría sacar en el futuro.

Me encanta hablar de las canciones que Brian May escribió; muchas de ellas siguen siendo himnos que reconozco al instante. Entre las más famosas está «We Will Rock You», un tema que él compuso y que se volvió un golpe de estadio imprescindible por su ritmo literal de palmas y zapateo. Luego está «Tie Your Mother Down», con ese riff roquero tan directo y potente que define la actitud de Queen en los primeros discos. No puedo dejar de mencionar «Fat Bottomed Girls», una pieza con esa mezcla de humor y guitarra que siempre anima cualquier playlist. También escribió baladas y piezas más complejas como «Who Wants to Live Forever», que escribió para la película «Highlander» y demuestra su lado melancólico y orquestal. «Save Me» y «Too Much Love Will Kill You» son ejemplos de su habilidad para las melodías emotivas. Y para los fans de los solos, «Brighton Rock» y «39» muestran su técnica y sensibilidad a la hora de componer. Al final, su sello es el equilibrio entre riff memorable y melodía emocional, y eso es lo que me sigue fascinando de su legado.

Me encanta ver a Ben Platt explorar distintos colores musicales fuera del teatro, y en los últimos años ha publicado varios trabajos en solitario que muestran esa evolución. Entre los lanzamientos más destacados están el álbum de estudio «Sing to Me Instead» (2019), que fue su debut solista y llegó cargado de baladas íntimas y arreglos orquestales; el registro en vivo «Ben Platt: Live from Radio City Music Hall» (2020), que recoge la energía y la conexión con el público de su gira; y su siguiente álbum de estudio «Reverie» (2021), donde se nota una paleta sonora más madura y pop, con letras más personales y producción contemporánea. Estos tres proyectos forman un arco interesante: del confesional al performativo en vivo, y luego a una búsqueda sonora más amplia. En «Sing to Me Instead» pude sentir a alguien que venía del teatro pero que quería contar historias propias, sin personajes; canciones como ‘Ease My Mind’ y ‘Bad Habit’ tienen esa mezcla de piano emotivo y arreglos cinematográficos que te atrapan. El álbum en vivo «Live from Radio City Music Hall» es una experiencia distinta: la voz de Ben suena más libre, hay momentos de humor y de complicidad con el público, y escuchar versiones extendidas o interpretaciones en directo le da otra dimensión a temas que ya conocías. Con «Reverie» percibí un paso hacia texturas más electrónicas y ritmos pop, sin perder la sensibilidad lírica; ahí experimenta más con melodías pegajosas y producción moderna, lo que lo coloca en un terreno más accesible para oyentes fuera del circuito teatral. Personalmente, disfruto cómo cada lanzamiento refleja una etapa: el debut como declaración de intenciones, el disco en vivo como celebración de la comunión con quienes lo siguen, y «Reverie» como apuesta a reinventarse. Si te gustan las voces con carácter y letras confesionales, «Sing to Me Instead» y el concierto en Radio City te darán esa conexión íntima; si prefieres algo con un pulso pop más contemporáneo, «Reverie» es el que suena más actual. Además, su libertad para moverse entre balada, pop y musical theatre hace que su discografía en solitario sea variada y disfrutable en distintas situaciones: desde estudio tranquilo hasta playlists para el coche. Por último, me quedo con la sensación de que Ben aún tiene mucho por explorar; estos lanzamientos recientes son solo la base de una carrera en solitario que puede ir sorprendiéndonos. Cada álbum ofrece una cara distinta de su talento y, como fan, estoy emocionado por ver hacia dónde va en futuros proyectos.

Me encanta recordar cómo la carrera de Brian May no solo cambió el sonido del rock, sino que también se tradujo en reconocimientos muy variados a lo largo de los años. Además de los elogios inmediatos por su trabajo con Queen, Brian ha recibido honores oficiales como el título de CBE (Comandante de la Orden del Imperio Británico), un reconocimiento estatal que valora su aporte a la música; también acumula doctorados honoris causa por su trayectoria y su vuelta a la ciencia. Como parte de Queen ha sido ingresado en el Rock and Roll Hall of Fame, y la banda consiguió el BRIT Award por su Contribución Sobresaliente a la música. A nivel de catálogo, canciones icónicas como «Bohemian Rhapsody» han obtenido su lugar en recopilaciones y homenajes de la industria, incluyendo reconocimientos de los premios Grammy y el Grammy Hall of Fame. En resumen, su palmarés mezcla distinciones oficiales, premios de la industria y honores por su legado creativo, y eso es exactamente lo que uno espera de alguien que reinventó la guitarra en el rock clásico.

Me encanta recordar cómo la carrera de Brian May se expande más allá de Queen: ha colaborado con un montón de artistas en distintos contextos, desde grabaciones en estudio hasta giras y conciertos benéficos. Por ejemplo, uno de los cruces más famosos es «Under Pressure», la colaboración entre Queen y David Bowie en la que la guitarra de Brian es parte esencial del tema. Más adelante, Brian formó parte de proyectos conjuntos con vocalistas de alto perfil: con Paul Rodgers se unió oficialmente en el proyecto «Queen + Paul Rodgers», grabando el álbum «The Cosmos Rocks» (2008) y girando por varios países. Después de eso llegó la fructífera etapa con Adam Lambert: «Queen + Adam Lambert» no produjo un disco de estudio conjunto, pero sí una serie de giras y actuaciones televisadas en las que Brian reinterpretó los clásicos de la banda junto a Lambert. Además de estos grandes nombres, Brian ha trabajado mucho en el mundo del teatro musical y la voz femenina contemporánea: su relación artística con Kerry Ellis es muy estrecha; produjeron y coescribieron canciones para su álbum «Anthems» y han hecho conciertos y presentaciones juntos. También ha participado en homenajes y conciertos tributo, tocando con artistas como George Michael durante el Freddie Mercury Tribute Concert, y apareciendo en distintos eventos benéficos o especiales. En lo personal, disfruto ver cómo su estilo de guitarra sigue siendo reconocible en contextos tan variados: es la mezcla perfecta entre virtuosismo y gusto por la colaboración.

Siempre me ha gustado cómo Maynard no se conforma con una sola banda ni un solo estilo. En lo que suele entenderse por sus trabajos en solitario, él ha lanzado material bajo el paraguas de su proyecto personal «Puscifer». Si hablamos de los álbumes más recientes, los destacados son «Money Shot» (2015) y sobre todo «Existential Reckoning» (2020), que es el más actual en términos de larga duración. Antes de esos también están «V is for Vagina» (2007) y «Conditions of My Parole» (2011), que muestran la progresión del proyecto. A mí me parece que «Existential Reckoning» fue un paso interesante: mantiene la voz inconfundible de Maynard pero explora texturas electrónicas, humor oscuro y arreglos que a veces suenan más íntimos que el trabajo con Tool. Si te interesa ver su lado más personal y juguetón, Puscifer es la manera perfecta de escucharlo fuera de las otras bandas.

Recuerdo la primera vez que escuché su voz en la radio: tenía algo de la herencia de su apellido pero con un timbre propio, dulce y cálido. Por lo que he seguido de su carrera, Nona Gaye sí lanzó material en solitario, aunque su discografía no es muy extensa. A principios de los años 90 publicó un álbum en solitario y varios sencillos; después su trayectoria se ramificó hacia la actuación y las colaboraciones, así que no llegó a mantener una producción discográfica prolífica como otros artistas. Me gusta pensar que su decisión de alternar música y cine la dejó un poco fuera del foco musical masivo, pero quienes bucean en su trabajo encuentran canciones con alma y actuaciones vocales honestas. En definitiva, sí sacó al menos un álbum propio y algunos temas sueltos, pero su legado musical va más en matices y colaboraciones que en una larga lista de discos de estudio. Eso, personalmente, siempre me pareció parte de su encanto: calidad por encima de cantidad.

He estado pendiente de lo que hace Adam Clayton desde hace años y, honestamente, no he visto que haya sacado un álbum en solitario recientemente. Hasta donde tengo seguido, su vida musical sigue muy ligada a «U2» y a proyectos colectivos: muchos fans y periodistas lo mencionan más por su papel como bajista icónico que por una carrera individual de larga duración. Ha participado en colaboraciones, sesiones y apariciones en discos de otros artistas, pero no recuerdo un lanzamiento propio que sea un LP en solitario en los últimos tiempos. Como aficionado que colecciona vinilos y sigue las noticias de la escena rock, me parece lógico: algunos músicos veteranos prefieren concentrarse en la banda o en proyectos puntuales (remixes, soundtracks, actuaciones en vivo) en vez de lanzarse a una carrera solista formal. Eso no quita que Clayton pueda publicar singles sueltos o colaborar en temas donde su bajo destaca; simplemente, un álbum completo firmado por él no ha sido lo más comentado ni lo que dejó huella recientemente. En lo personal, me encantaría oír un disco suyo centrado en el bajo y la experimentación sonora, porque su estilo en «U2» es tan identificable que podría dar lugar a algo muy original si decidiera hacerlo. Mientras tanto, seguiré revisando reediciones, colaboraciones y cualquier pista suelta donde aparezca su firma, porque su sonido siempre añade algo especial.

Nunca me canso del tono rasposo y a la vez cristalino que sale de la guitarra de Brian May en vivo: esa es la famosa «Red Special», la guitarra que él y su padre construyeron a mano cuando era un chaval. Está hecha con materiales reciclados y soluciónes caseras, y eso le da una personalidad única; no suena como una Strat o una Les Paul, tiene su propio color que se reconoce al instante. Lo que me fascina es cómo la ha mantenido como su sello personal durante décadas. Tiene un sistema de pastillas y cableado que permite combinaciones raras, un puente y palanca de vibrato hechos a medida, y Brian la toca con una moneda como púa, lo que suma esos ataques brillantes en los solos. En los conciertos suele alternar entre la original y réplicas muy fieles cuando cuida el instrumento, pero la identidad sonora siempre vuelve a la «Red Special». Para mí, escuchar esa guitarra es como ver la huella digital sonora de Queen en vivo —imposible confundirla y siempre emocionante.

Recuerdo la tarde exacta en que escuché por primera vez a Art por su cuenta: estaba en la casa de un amigo y sonó una voz familiar pero distinta, más suelta y en solitario. Tras la separación del dúo, Art Garfunkel lanzó una serie de discos que muestran desde baladas etéreas hasta experimentos más pop y proyectos especiales. Si quieres un recorrido claro, aquí están los álbumes en solitario que publicó después de la etapa con Simon & Garfunkel, con algún comentario personal sobre cada uno. «Angel Clare» (1973) — Su debut en solitario, todavía con esa fragilidad vocal que lo caracteriza; tiene arreglos cuidadosos y demuestra que podía sostenerse fuera del dúo. «Breakaway» (1975) — Tal vez su mayor éxito comercial: más pulido, con producciones grandilocuentes y la famosa versión de «I Only Have Eyes for You» que le devolvió a la radio. «Watermark» (1977) — Un disco más íntimo y melancólico, donde su voz se mueve con suavidad sobre arreglos orquestales sutiles. «Fate for Breakfast» (1979) — Aquí se acerca más al pop de la época; se siente ligero en momentos y un tanto experimental en otros. «Scissors Cut» (1981) — Producido con cierto aire dramático, es un álbum que divide opiniones pero que para mí tiene momentos hermosos. Después de esos años de los 70 y principios de los 80, Art también exploró proyectos distintos: «The Animals' Christmas» (1985), un álbum navideño junto a otra artista, con arreglos corales y tono clásico; más tarde publicó «Songs from a Parent to a Child» (1997), un disco de canciones suaves y cariñosas pensado para niños y familias; y en 2002 apareció «Everything Waits to Be Noticed», un trabajo compartido con otros compositores que muestra su faceta de intérprete colaborativo. A lo largo de estas décadas hubo además recopilatorios y directos, pero los mencionados son los álbumes de estudio y proyectos clave tras la era con Simon. Para mí, esa discografía demuestra que, aunque dejó atrás el dúo, su voz siguió siendo un faro único en la música pop y folk de varias décadas.