¿El Director De 'érase Una Vez' Cortó Escenas Importantes?

No te voy a engañar, me encanta revisar los extras de las películas, y con «Once Upon a Time in Hollywood» no fue la excepción. En la edición doméstica (Blu-ray/DVD) se incluyeron varias escenas eliminadas y fragmentos extendidos como parte de los contenidos adicionales, además de material detrás de cámaras y entrevistas. Quentin Tarantino dejó la película tal cual la vimos en cines —no existe una «director's cut» oficial que rehaga el montaje principal con esas escenas insertadas—, pero sí puedes encontrar pequeñas piezas que amplían momentos secundarios, conversaciones más largas y alguna secuencia que explica un poco más el contexto de ciertos personajes. Personalmente creo que esos cortes son curiosos y a veces muy divertidos: aportan color y matices, pero no siento que cambien la sensación general del film. Son como bocados extra que valen la pena si disfrutas fisgonear el proceso creativo y ver qué quedó fuera del montaje final.

Me encanta cuando surgen preguntas sobre rodajes clásicos porque siempre hay historias locas detrás de las cámaras. Yo recuerdo con claridad que «Érase una vez en el Oeste» sí rodó escenas en España: gran parte del paisaje emblemático del film se grabó en la provincia de Almería, especialmente en el desierto de Tabernas, que ofrecía ese terreno árido perfecto para los westerns europeos. Además, muchas de las secuencias interiores y algunos detalles se trabajaron en estudios italianos, pero el carácter del paisaje español es absolutamente reconocible en la película. Por si acaso estabas pensando en otra película con un título parecido, aclaro que no todas las cintas que empiezan con «Érase una vez» usan España como plató; depende mucho del director y la época. Personalmente me fascina cómo lugares como Tabernas pasaron de ser pequeños pueblos a iconos del cine, y cada vez que veo esas tomas siento que el paisaje es un personaje más.

Me fascina pensar en los orígenes del cine y en cómo, en sus primeros compases, lo normal era filmar en una sola toma completa sin cortes. Si tengo que dar un nombre concreto, digo que los hermanos Lumière —y en particular Louis Lumière— son quienes suelen llevarse el crédito por esas primeras escenas filmadas enteras alrededor de 1895. Películas como «La Sortie de l'Usine Lumière à Lyon» o «L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat» muestran esa forma tan directa: la cámara graba una acción completa de principio a fin, sin montaje posterior. Es importante recordar que en aquel entonces la edición no era todavía una práctica consolidada; la propia naturaleza técnica y la corta duración de las bobinas hacía que el plano único fuese la norma. Más tarde los cineastas empezaron a jugar con cortes y montaje para contar historias más complejas, pero esos primeros planos sin cortes de los Lumière marcaron el punto de partida. Me sigue pareciendo emocionante imaginar cómo el público de entonces vivió esa experiencia: simple, inmediata y sorprendente.

Me llamó la atención desde el principio lo complejo que puede ser responder si el autor de «érase una vez» “inspiró” la película: la respuesta no es un sí o no rotundo, sino una escala de grises. En muchos casos la película parte directamente del texto original: se compran los derechos, se adapta el guion y el crédito suele decir «basado en la novela de...». Ahí queda claro que la voz del autor es la semilla. Pero otras veces el sello del autor es más difuso: el film puede usar la premisa, cambiar personajes y trama, o tomar solo la atmósfera; entonces se lee «inspirado en» en lugar de «basado en», y la relación es más tangencial. Si tienes curiosidad por un caso concreto de «érase una vez», revisa los créditos iniciales y las entrevistas del equipo para ver si el autor participó en el guion o fue consultado. Personalmente disfruto comparar libro y película para ver qué decisiones creativas privilegiaron ritmo, imagen o mercado; es fascinante ver cómo una misma historia muta según el medio.

No puedo evitar imaginar el polvo y el silbido del viento mientras pienso en cómo se construyó todo el mundo de «Érase una vez en el Oeste». Gran parte de las secuencias exteriores más icónicas se rodaron en el sur de España, especialmente en la provincia de Almería: el desierto de Tabernas y sus alrededores le dieron a Leone esos horizontes secos y escarpados que parecen infinitos. Allí están muchas de las tomas abiertas, los caminos polvorientos y los planos largos que tanto recuerdan a los grandes westerns, con el sol duro y los contrastes fuertes. Por otro lado, las escenas de pueblo y la mayoría de los interiores se montaron y rodaron en los estudios de Cinecittà, en Roma. Leone y su equipo levantaron sets enormes —como el de Sweetwater— para controlar la estética, la iluminación y los detalles del decorado; eso permitió planos muy medidos y la construcción de una atmósfera casi teatral. También hubo rodajes en paisajes italianos cercanos a Roma para combinar con los exteriores españoles, jugando entre locación natural y estudio. Esa mezcla entre exteriores austeros en España y sets cuidadísimos en Italia es lo que hace que «Érase una vez en el Oeste» se sienta a la vez épica y contenida. Siempre me impresiona cómo las decisiones de lugar amplifican la narrativa: cada espacio habla tanto como los personajes, y esa es una de las razones por las que la película se siente tan viva para mí.

Al revisar el material extra del disco y los foros de fans, me encontré con una lista bastante clara de escenas que el director decidió recortar de «La noche de las bestias». En mi sensación más espontánea, lo que más llamó la atención fue un prólogo extendido que mostraba la vida cotidiana del pueblo antes del desastre: una secuencia tranquila y larga que convertía a los personajes secundarios en figuras casi entrañables. Esa escena calmaba el ritmo antes del caos y, al quitarla, la película gana inmediatez pero pierde profundidad emocional. Otra gran porción eliminada fue un flashback íntimo del protagonista con su hermano, que añadía contexto a su miedo a las multitudes y a su relación con la bestia. Ese pasaje contenía planos largos, silencios y música minimalista; su ausencia deja algunos giros emocionales menos justificables. También cortaron un epílogo alternativo: en lugar del final teatral que todos conocemos, había una escena más ambigua que sugería que la transformación no era sólo física, sino heredada. Esa alternativa era más inquietante pero menos catártica. Creo que el director cortó esas escenas buscando ritmo y un impacto más directo, sacrificando matices. Personalmente extraño el prólogo y el flashback del hermano; me ofrecían contexto y pequeñas recompensas emocionales que hacen que la tensión principal tenga más peso. Aun así, entiendo la decisión: la versión estrenada es más tensa y compacta, aunque a costa de algo de alma en las capas secundarias.

Me flipa cómo Tarantino montó el universo de «Érase una vez en... Hollywood» y, en el centro de todo, yo siempre señalo a Leonardo DiCaprio y Brad Pitt como los que realmente encabezan el reparto. Leonardo interpreta a Rick Dalton, el actor en decadencia intentando mantenerse relevante, y Brad hace de Cliff Booth, su doble de acción y mano derecha. Esa dupla funciona como eje emocional y cómico de la película, así que cuando miro los créditos pienso en ellos primero. Más allá de los dos nombres grandes, también destaco a Margot Robbie, que ofrece una presencia luminosa como Sharon Tate; su participación, aunque no es la protagonista principal, es clave para la atmósfera y para el contraste que Tarantino busca. También aparecen nombres como Al Pacino, Dakota Fanning y Kurt Russell, pero el pulso narrativo lo llevan DiCaprio y Pitt. Yo salí del cine con la sensación de haber visto una película que respira gracias a esos actores: DiCaprio y Pitt no solo encabezan el reparto en pantalla, sino que sostienen todo el tono del film con matices y química real.

Me atrapó desde el principio cómo el relato en «érase una vez» se siente más íntimo en las páginas que en la pantalla. En el libro hay capas que no caben en dos horas de metraje: pensamientos internos de los personajes, flashbacks detallados y pequeñas digresiones que pintan el contexto social con más cuidado. Esos detalles transforman ciertas acciones en decisiones complejas, no solo en giros de trama. Además, el lenguaje y las imágenes literarias funcionan como ecos temáticos que vuelven sobre la culpa, la memoria y la búsqueda de identidad de maneras sutiles. La película, en cambio, toma esa materia y la pule para el espectáculo: visualmente potente, con ritmo más rápido y algunas escenas reorganizadas o eliminadas para mantener la tensión. Eso no la hace peor; la hace distinta. Al salir del cine sentí que completaba la historia al leer el libro, y que cada versión me ofrecía satisfacciones diferentes, una para la reflexión y otra para la experiencia inmediata.

Recuerdo con cariño la alineación original de «Érase una vez», esa que me enganchó desde el piloto y que sentó las bases del universo. Al principio el reparto era bastante estable: héroes y villanos claramente reconocibles interpretados por rostros que llegaron a sentirse como familiares (Emma, Regina, Rumplestiltskin, Snow y Charming). Con el tiempo, sin embargo, la lista de nombres fue cambiando por retiros, regresos y nuevas incorporaciones que transformaron la dinámica del grupo. Lo más llamativo para mí fue cómo algunas salidas no significaron el fin de los personajes: varios actores dejaron de ser regulares pero volvieron en apariciones o en arcos específicos. También hubo recasts pensados para mostrar a los personajes en otra etapa de la vida; el salto generacional hizo que se incorporaran versiones adultas y jóvenes de personajes que ya conocíamos, lo que aportó otras miradas a la historia. Al final el reparto dejó de ser algo fijo y se convirtió en una comunidad viva: algunos rostros clásicos se mantuvieron como pilares, mientras que la serie supo experimentar con nuevos focos y personajes. Me gustó ver esa mezcla de nostalgia y renovación, aunque a veces extrañé la química original entre ciertos actores.