¿Quién Dirigió La Power Rangers Película De 2017?

Recuerdo la emoción de ver cómo quedó el reparto de «Power Rangers» y pensar en quién tuvo la tarea de unir a esos rostros tan distintos. En la versión de 2017, el casting estuvo dirigido por Avy Kaufman, una profesional con mucha experiencia que supo equilibrar caras nuevas con actores consagrados. Ella y su equipo eligieron a Dacre Montgomery, Naomi Scott, RJ Cyler y Ludi Lin como los Rangers, y además sumaron a Bryan Cranston y Elizabeth Banks en papeles claves; fue una mezcla arriesgada que funcionó bastante bien en pantalla. Me gusta pensar que la mano de Kaufman no solo buscó talento, sino química: muchas escenas dependen de la confianza entre los jóvenes protagonistas, y al ver cómo conectan uno entiende la importancia de un buen casting. Personalmente me sorprendió lo natural que se ven juntos, y para mí eso es testimonio del buen ojo que tuvo la dirección de casting al elegir intérpretes capaces de sostener tanto la acción como los momentos más íntimos.

Tengo una debilidad por los reinicios ochenteros y «Power Rangers» de 2017 siempre me llama la atención por su elenco fresco y la energía que le dieron a los personajes clásicos. La película está protagonizada por Naomi Scott (Kimberly Hart / Ranger Rosa), Dacre Montgomery (Jason Lee Scott / Ranger Rojo), RJ Cyler (Billy Cranston / Ranger Azul), Becky G —acreditada como Becky G— (Trini Kwan / Ranger Amarillo) y Ludi Lin (Zack Taylor / Ranger Negro). En el bando de villanos y figuras clave aparecen Elizabeth Banks como Rita Repulsa y Bill Hader prestando la voz de Zordon. Además, la película incluye personajes secundarios que ayudan a dar contexto al origen del equipo. Me encanta cómo cada actor aporta matices distintos a los roles tradicionales: Naomi le da dulzura y fuerza a Kimberly, Dacre imprime dureza y vulnerabilidad a Jason, RJ ofrece una visión muy particular de Billy. Es una versión moderna que, aunque no es perfecta, me divierte y me recuerda por qué crecí pegado a esos trajes de colores.

No puedo evitar sonreír cuando pienso en la mezcla de adrenalina y nostalgia que trae la banda sonora de «Power Rangers» (la versión cinematográfica de 2017): fue compuesta por Brian Tyler. Me llamó la atención cómo su trabajo moderniza el sonido heroico sin borrar por completo la esencia ochentosa que mucha gente asocia con la franquicia. Tyler es de esos compositores que sabe equilibrar orquesta y electrónica para que las escenas de acción peguen fuerte, y en «Power Rangers» lo aplica creando motivos reconocibles para los personajes, momentos de construcción emocional y episodios sonoros que empujan la película hacia algo más grande que un simple reboot. Escuchándolo con calma, noto pasajes de percusión contundente y cuerdas que crean tensión, junto a capas sintéticas que dan un aire contemporáneo. Hay pistas pensadas para el combate, otras que acompañan los instantes íntimos y algunas que funcionan como verdaderos leitmotifs: pequeñas frases musicales que vuelven cuando los personajes alcanzan su momento. Para quienes crecimos con el tema de la serie, es interesante cómo Tyler rinde cierto respeto a esa herencia sin copiarla: en vez de repetir melodías clásicas, las cita o las transforma, integrándolas en un lenguaje sonoro más cinematográfico. Eso ayuda a que la película suene grande y a la vez familiar. Personalmente me pareció acertado que el score apostara por una paleta sonora amplia: la tensión electrónica en las secuencias de ciencia ficción, la orquesta tradicional en lo épico y arreglos más delicados para los momentos humanos. Si te gustan las bandas sonoras que funcionan tanto en el cine como en tu lista de reproducción, la de Brian Tyler para «Power Rangers» cumple; no es una reinvención absoluta, pero sí una versión pulida y efectiva que entiende el propósito de una película de superhéroes moderna. Al final, lo que más disfruto es cómo la música potencia la emoción en las escenas clave y consigue que, aun con un enfoque nuevo, la franquicia conserve un pulso heroico reconocible.

Me encanta cómo las películas siempre aprovecharon para darle a los Rangers un look más «de cine». En mi caso sigo recordando sobre todo el traje de «Mighty Morphin Power Rangers: The Movie» (1995): ese es el clásico ejemplo de “traje de película” que difiere del de la serie. Los trajes del film tenían una textura más metálica y brillosa, con detalles más esculpidos en el pecho y los guantes, además de remates plateados que no estaban en la versión televisiva; el casco también se vio ligeramente retocado para darle un aspecto más uniforme y pulido en cámara grande. Otro cambio importante aparece en la era de «Turbo», que en su película y transición al show llevó a los Rangers a usar el traje Turbo, completamente distinto en forma y concepto: más aerodinámico, con motivos automovilísticos y colores más luminosos. Y claro, hay el reboot cinematográfico «Power Rangers» (2017), donde el traje rojo se reimaginó por completo: armadura segmentada, textura casi orgánica/tecnológica y una silueta mucho más musculada y contemporánea que busca ser creíble en un contexto realista. Si me pides mi sensación personal, pienso que cada película usó la oportunidad para reinterpretar al Ranger rojo según la estética del momento: desde cuero y brillo en los 90 hasta armadura escultórica en 2017. Para mí, esas variaciones son parte del encanto de coleccionar memorias visuales de la franquicia.

Me encanta comparar ambas versiones porque la película toma la esencia de «Power Rangers» y la estira hacia algo mucho más moderno y cinematográfico. En primer lugar, el tono cambia drásticamente: olvídate del estilo campy y episódico de la serie clásica; la película se siente más oscura y realista, con una paleta de colores y efectos visuales pensados para el cine. Los orígenes del equipo están condensados: en la serie veíamos desarrollo a lo largo de muchos capítulos, mientras que en la película todo sucede rápido y con explicaciones tecnológicas o de ciencia ficción que intentan dar sentido al poder de los Morphin. Eso afecta la sensación de mitología: Zordon y Alpha 5 tienen orígenes y diseños distintos y más pulidos, menos caricaturescos. Además, los personajes reciben arcos personales más cerrados y contemporáneos. En la serie original cada ranger tenía rasgos estereotípicos y mucho tiempo para crecer en pantalla; la película los humaniza con traumas, conflictos familiares y problemas de identidad (incluyendo una representación más explícita de la sexualidad de Trini). Las relaciones entre ellos son más íntimas y menos episódicas, lo que permite escenas dramáticas más fuertes, pero también sacrifica la sensación de “familia extendida” que daba la serie con villanos recurrentes y monstruos semanales. Por otro lado, las secuencias de acción y los Zords están rediseñados con CGI espectacular; el resultado es más épico, aunque a veces se pierde la simplicidad y el encanto mecánico del show televisivo. Por último, la película reinterpreta villanos como Rita Repulsa y la escala de amenaza: su estética es más pulida y menos caricaturesca, con motivaciones más claras y un clímax pensado para una sola experiencia cinematográfica. Para un fan como yo eso es a la vez refrescante y chocante: me gusta la ambición visual y la profundidad emocional, pero echo de menos las tardes frente a la tele con el ritmo ligero y los golpes de humor de la serie. En definitiva, la película moderniza la mitología y prioriza coherencia dramática y espectáculo por encima del tono ligero y modular de la serie clásica, así que depende mucho de lo que busques como espectador.