¿Qué Orquestas Programan A Copland Este Año?

Me emociona recordar los conciertos en los que escuché a Copland en España; hay una pequeña galería de directores que, por estilo o por repertorio, aparecen con frecuencia cuando se programa a este compositor. He visto a directores españoles como Josep Pons y Pablo Heras-Casado dirigir obras de Copland con orquestas nacionales, y también a maestros históricos como Rafael Frühbeck de Burgos y Jesús López Cobos que incluyeron piezas de Copland en programas internacionales que recalaban aquí. Además, los invitados norteamericanos y latinoamericanos que vienen a giras por teatros y festivales españoles suelen traer a Copland en su maleta: nombres como Michael Tilson Thomas, Leonard Slatkin o Gustavo Dudamel han defendido a Copland en escenarios europeos, y en España eso se traduce en audiciones de «Appalachian Spring», «Rodeo» o «Billy the Kid». En mi experiencia, la combinación de directores españoles con la cantera internacional es lo que hace que el público español tenga acceso constante al repertorio coplandiano. Al final, escuchar esos ruidos americanos en salas españolas siempre me deja una sensación cálida y bastante americana, en el mejor sentido.

Me encontré revisando carteleras y me alegró ver que varias salas grandes tienen a Copland en su programación este mes. En Nueva York, «Carnegie Hall» suele incluir piezas como «Appalachian Spring» en conciertos de temporada, y esta vez aparece en la lista de un programa orquestal centrado en música estadounidense. En Los Ángeles, la «Walt Disney Concert Hall» también programó un concierto donde la orquesta local interpreta una suite de Copland junto con obras contemporáneas. Además, la «Kennedy Center» en Washington D. C. ha incluido una velada temática de música norteamericana que menciona a Copland entre sus movimientos destacados. Me encanta ver cómo estos espacios grandes le dan espacio a ese sonido abierto y amplio que caracteriza a Copland; escuchar «Fanfare for the Common Man» en una sala con buena acústica es otra experiencia totalmente distinta. Personalmente, me animaría a ir al de «Carnegie Hall» por la historia y la acústica, pero cualquiera de las opciones suena imprescindible para este mes.

Me gusta seguir las conexiones entre generaciones y, al trazar esa línea, Copland aparece una y otra vez como una especie de eje. Leonard Bernstein es el ejemplo más claro: hubo una relación de mentoría y admiración mutua, y Bernstein reconoció públicamente la influencia de Copland en su manera de pensar la orquestación y el lenguaje tonal americano. También hay compositores más cercanos en época y estética, como Samuel Barber y William Schuman, que vivieron el mismo impulso por una música estadounidense accesible y sintieron la presencia de Copland en el ambiente artístico. En el mundo del cine, esa famosa «sonoridad americana» de Copland se convirtió en semilla para muchos directores musicales; nombres como John Williams y Elmer Bernstein suelen mencionarse cuando se habla de herencias estilísticas. Además, alumnos y colaboradores de Copland en círculos como Tanglewood —por ejemplo Lukas Foss— absorbieron rasgos suyos que después cultivaron cada uno a su manera. Al final, la influencia de Copland funciona menos como copia y más como un mapa de posibilidades; eso me encanta.

Me encanta cómo la música de Copland parece dibujar horizontes sonoros: por eso recomendaría empezar con unas cuantas piezas que funcionan como mapas sencillos y directos para quien se acerca por primera vez. Primero, escucha «Appalachian Spring» (especialmente la versión para orquesta de 1944). Ahí está el famoso tema que toma la melodía de «Simple Gifts» y muestra la calidez, la claridad armónica y los intervalos abiertos que son sello de Copland. Después, mete «Fanfare for the Common Man»: es corta, potente y te enseña cómo una idea rítmica y armónica simple puede sentirse monumental. Sigue con «Rodeo», sobre todo el movimiento conocido como «Hoe-Down», que es pura energía rústica y te da una idea de la influencia folklórica. Para cerrar la primera tanda, incluye «El Salón México» y fragmentos de la «Symphony No. 3». La primera es vibrante y de raíces populares, la segunda mezcla drama sinfónico con cantabilidad americana. Si puedes, compara grabaciones de Copland y de Leonard Bernstein para percibir matices interpretativos. Al final, te quedará claro por qué su sonido se asocia a lo “norteamericano”: amplitud, claridad y una chispa popular que atrapa aún a oyentes novatos.

Me encanta bucear en las recomendaciones de los críticos para Copland porque su música tiene esa mezcla de amplitud americana y delicadeza que siempre pide buenas grabaciones. Si buscas lo que suelen señalar como imprescindible, muchos críticos coinciden en la caja histórica de Leonard Bernstein: sus interpretaciones de «Appalachian Spring», «Rodeo» y «Billy the Kid» son una referencia por la intensidad y la claridad dramática. Otra referencia que siempre sale en listas es escuchar a Copland dirigiendo sus propias obras; sus grabaciones transmiten cómo él imaginaba los acentos y los tempos, y eso aporta una lectura muy directa y didáctica. Como cierre, recomiendo combinar una edición histórica (Bernstein u Ormandy) con una grabación moderna remasterizada: así tienes el carácter original y la nitidez sonora actual. Para mí eso hace que piezas como «Fanfare for the Common Man» o «El Salón México» brillen de dos maneras distintas y complementarias.

Me emociona pensar en la escena: la sala llena, la batuta alzada y la Filarmónica de Viena arrancando la última pieza de la noche, la «Marcha Radetzky». He visto grabaciones y fragmentos mil veces y siempre me sorprende cómo ese tema de Johann Strauss padre convierte el final del Concierto de Año Nuevo en una fiesta colectiva. La orquesta —la famosa Wiener Philharmoniker— interpreta esa marcha tradicionalmente en el Concierto de Año Nuevo de Viena, que se celebra cada 1 de enero desde el Musikverein y se retransmite a todo el mundo. En mis recuerdos de telespectador, lo más bonito es la interacción entre público y músicos: el director marca frases y la audiencia aplaude, casi como si fuera parte del propio instrumento. Esa comunión, ese ritmo de palmas, le da a la «Marcha Radetzky» un carácter único que trasciende la pieza en sí y convierte el cierre del concierto en un ritual alegre. Termino siempre con una sonrisa, pensando en cómo la música puede unir a millones en un instante.

Aquella velada me dejó con la sensación de haber viajado a los años veinte gracias a la mezcla de jazz y orquesta que sonaba en la sala. Yo asistí a un concierto donde la Orquesta Nacional de España abordó repertorio de George Gershwin, y lo hicieron con una frescura sorprendente: no fue solo una lectura académica, sino una interpretación que respiraba swing y color sin perder la estructura sinfónica. Se notaba la complicidad entre los músicos y el gesto del director, que parecía disfrutar cada frase como si fuera la primera vez. Para quienes vivimos la música clásica con un cariño por las sorpresas, ver a la orquesta abrazar ese cruce entre Broadway y el symphonic jazz fue emocionante. Desde el sonido de los metales hasta los arreglos en la cuerda, hubo momentos en los que reconocía pasajes que me recordaban a «Rhapsody in Blue» y a otras páginas populares de Gershwin, pero adaptadas a la paleta sonora de una formación española: más brillante en los pianos, algo más mediterránea en el color de las cuerdas. Me gustó que no intentaran domesticarlas; respetaron la esencia jazzy y dejaron respirar al solista en los pasajes improvisados o casi-improvisados. Además, el público reaccionó con una mezcla de asombro y aplausos entusiastas que reforzaba la sensación de haber presenciado algo especial. Hablando desde la experiencia de alguien que ha seguido temporadas y ciclos orquestales por años, es gratificante ver a instituciones como la Orquesta Nacional de España abrir sus programas a repertorio que conecta con públicos más amplios sin renunciar al rigor. Esa noche me fui pensando en cómo la música de Gershwin sigue vigente: su capacidad de unir mundos (jazz, sinfonía, Broadway) hace que una orquesta española pueda interpretarlo con autenticidad y relevancia. Me quedé con la impresión de que, cuando una buena orquesta se toma la música popular en serio, el resultado puede emocionar tanto a neófitos como a melómanos empedernidos.

Siempre me ha fascinado ver cómo una partitura cobra vida en la sala cuando la interpreta la orquesta que la estrenó; en España hay varias formaciones que, con frecuencia, trabajan con partituras originales de cine nacional. Por ejemplo, la Orquesta Nacional de España suele programar ciclos y conciertos donde se recuperan bandas sonoras españolas, y la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) participa en estrenos y conciertos de cine en directo usando las partituras originales cuando se las facilita el compositor o la productora. La Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE también es habitual en programaciones relacionadas con cine, tanto en grabaciones como en conciertos temáticos. Además, en festivales como FIMUCITÉ (Tenerife) o en ciclos de música de cine que se hacen en ciudades como Málaga o San Sebastián, orquestas como la Orquesta Sinfónica de Tenerife, la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria o la Orquesta Ciudad de Granada interpretan partituras originales o ediciones muy fieles a ellas. Personalmente disfruto mucho cuando escucho una banda sonora española tal y como fue escrita: se nota el cuidado en la orquestación y la intención del compositor.

Me flipa cómo la música de cine se organiza en España, y en lo que respecta a quién dirige la orquesta de la banda sonora, la respuesta suele ser flexible y depende mucho del proyecto. En mi experiencia siguiendo estrenos y leyendo notas de producción, a menudo el propio compositor toma la batuta cuando quiere controlar matices muy concretos; nombres como Alberto Iglesias, Fernando Velázquez o Roque Baños aparecen frecuentemente en esos créditos, aunque no siempre se sientan al frente porque muchas grabaciones requieren un director especializado en sesiones de estudio. Otras veces contratan a un director de orquesta con experiencia en grabaciones cinematográficas para sincronizar la orquesta con la imagen y el click track. Además, no es raro que la grabación se realice fuera de España —por ejemplo en Londres, Praga o Budapest— con orquestas y directores locales especializados. Cuando la sesión se hace en territorio nacional, las agrupaciones habituales incluyen a la Orquesta Nacional de España, la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid o la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, y el director puede ser un invitado o alguien del equipo del compositor. Al final, quién dirige la orquesta varía según presupuesto, agenda y la visión musical, así que la figura concreta cambia de película en película y eso es parte de la magia del proceso.

Me encanta cuando la temporada de ópera en España se pone así de intensa: este año, desde Madrid hasta Tenerife, hay montajes de títulos que todo aficionado reconoce. En Madrid, el gran referente sigue siendo el «Teatro Real», que suele programar superestrellas y obras como «Tosca» o «La Traviata», además de estrenos contemporáneos y producciones co-producidas con teatros europeos. Cerca, el «Teatro de la Zarzuela» mantiene su foco en zarzuelas clásicas pero también incorpora títulos líricos que complementan la oferta capitalina. En Barcelona, el «Gran Teatre del Liceu» no falla con repertorio de peso: buscan siempre traer «Carmen», «Don Giovanni» o «Rigoletto» en producciones vistosas. Valencia responde con el «Palau de les Arts Reina Sofía», que mezcla grandes óperas tradicionales con propuestas más modernas. En Sevilla, el «Teatro de la Maestranza» ofrece habitualmente títulos emblemáticos como «Madama Butterfly» o «La bohème». Personalmente, me gusta alternar localidades grandes y ciclos regionales: cada teatro tiene un carácter propio y siempre se aprende algo nuevo.