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Me flipa la forma en que muchos creadores describen el estilo de «el libro de Jordi Wild»: dicen que está hecho para pegar fuerte desde la primera línea. Yo, treintañero con debilidad por los pódcast y las charlas largas, noto que los influencers suelen remarcar la mezcla entre lo confesional y lo performativo. Hablan de un lenguaje directo, sin filtros, que combina anécdotas personales con observaciones crudas sobre la vida moderna; es el tipo de prosa que suena a charla de bar tarde en la noche, pero con intención y gancho narrativo. Varios opinan que el ritmo es acelerado y adrenalínico, con golpes de humor oscuro y opiniones que buscan reacción. A menudo lo comparan con su personalidad en vídeo: contundente, polarizante y algo teatral. Algunos influencers destacan la honestidad aparente del autor, su capacidad para alternar entre momentos de vulnerabilidad y otros de pura ironía. Otros, con tono más crítico, dicen que esa mezcla puede sentirse a veces excesiva o deliberadamente provocadora. En mi experiencia, entre elogios y reparos, lo que queda claro es que «el libro de Jordi Wild» funciona porque no deja indiferente. Me gusta cómo provoca pensar y discutir: es de esos textos que despiertan opiniones encontradas y conversaciones largas, y a mí eso me parece parte fundamental de su atractivo.

Me encanta ver cómo los grandes dramas del siglo XIX siguen respirando en el cine contemporáneo; no es solo que algunas óperas se conviertan directamente en películas, sino que sus ideas y formas se filtran por todas partes. Por ejemplo, «La bohème» de Puccini se reimagina de modo literal en el musical «Rent», que luego tuvo su propia película, y también encuentro ecos claros de su argumento en películas como «Moulin Rouge!»: jóvenes artistas, amores trágicos y la bohemia parisina reciclada en clave moderna. Además, obras como «Carmen» han sido trasladadas y reinventadas muchas veces —pienso en «Carmen Jones» y en las versiones de Carlos Saura— mostrando cómo la pasión, los celos y la fatalidad funcionan igual de bien en pantalla que en palco. Y no hay que olvidar la influencia musical de Wagner: su idea del leitmotiv y la grandiosa orquestación terminaron nutriendo el lenguaje del cine, algo que se nota tanto en bandas sonoras épicas como en escenas que usan piezas operísticas para intensificar la narración. En definitiva, la ópera del XIX no está muerta: vive transformada en historias, estética y música que siguen emocionándome cuando veo películas hoy en día.

Me sorprendió lo valiente que fueron los guionistas al transformar «nina yndis» de páginas contemplativas en televisión viva y palpitante. En la novela, gran parte del encanto está en la voz interna de la protagonista y en esos pasajes largos de reflexión que construyen atmósfera. En la serie tuvieron que externalizar esa interioridad: muchas monólogas se convirtieron en encuentros con personajes secundarios, flashbacks visuales y pequeños rituales cotidianos que dicen lo que antes se leía. Eso implicó reordenar escenas: algunas secuencias que en el libro iban al final se adelantaron para enganchar desde el primer episodio, mientras que otras tramas menores se comprimieron o se eliminaron para evitar ritmos lentos. Además, combinaron y redefinieron personajes. Personajes secundarios que en el libro eran dos o tres se fusionaron en un solo arco televisivo más sólido, lo que ayudó a crear química en pantalla y a reducir episodios de transición. También añadieron escenas originales para explotar lo visual y sonoro: sueños con estética marcada, leitmotivs en la banda sonora y primeros planos que hacen lucir detalles que en la novela eran solo descripciones. El diseño de producción y el vestuario tomaron decisiones simbólicas que refuerzan temas sin necesidad de diálogos largos. Al final, la adaptación respeta el corazón emocional de «nina yndis» pero reescribe su esqueleto narrativo para funcionar en episodios, priorizando ritmo, visualidad y claridad dramática. Me dejó con ganas de releer el libro y comparar cómo cambian las pequeñas cosas en cada formato.

Me resulta imposible no sonreír cada vez que recuerdo a los personajes que pueblan «Don Quijote de la Mancha». En el centro está Alonso Quijano, el hidalgo que se convierte en don Quijote: soñador, obstinado y capaz de ver gigantes donde hay molinos. A su lado va Sancho Panza, el fiel escudero que aporta sentido común, sabiduría popular y su famoso burro, Rucio; juntos forman el corazón cómico y conmovedor de la novela. Alrededor de ellos aparecen figuras que mueven episodios enteros: Dulcinea del Toboso —en realidad Aldonza Lorenzo— objeto de la idealización de don Quijote; Rocinante, el caballo viejo pero noble; el cura y el barbero, que intentan «curar» la locura del caballero; la ama y la sobrina, preocupadas por su casa; el posadero, que más de una vez lo toma por un caballero de verdad. También hay personajes de aventuras particulares como Sansón Carrasco (el bachiller), Cardenio y Dorotea, Ginés de Pasamonte, y los duques que se burlan de ellos en la segunda parte. Al leer o resumir la obra, siento que la fuerza está en esa galería: unos son espejos para don Quijote, otros alivian la trama con humor, y todos ayudan a mostrar el choque entre imaginación y realidad. Es una lista de personajes que permanece viva mucho después de cerrar el libro.

Me encanta perderme entre estanterías de poesía catalana y descubrir editoriales que mantienen el pulso vivo del idioma. Si buscas casas que publican poesía en catalán hoy, te diría que empieces por las grandes y las independientes que aparecen con regularidad: «Edicions 62» y «Proa» siguen publicando autores consolidados y nuevas voces; «Viena Edicions» también tiene catálogo poético contemporáneo; y «Edicions 1984» suele apostar por propuestas más arriesgadas. Por otro lado, «Edicions del Periscopi» ha ganado visibilidad por sus ediciones cuidadas y títulos contemporáneos. En el terreno indie y regional hay sellos pequeños que son auténticas minas: «Males Herbes» publica poesía experimental y renovadora; «L'Altra Editorial» y «Bromera» (en la Comunitat Valenciana) apoyan tanto a poetas emergentes como a consagrados; «Lleonard Muntaner Editor» y «Eumo Editorial» trabajan con autores de las Illes y Catalunya interior. También conviene mirar las publicaciones universitarias y las pequeñas imprentas locales, que muchas veces sacan plaquettes y colecciones de poesía que no aparecen en los circuitos comerciales. Personalmente, disfruto mezclando grandes sellos con los independientes para tener una panorámica más rica.

Me quedé masticando las últimas réplicas del guion y ahí estaban, escondidas en detalles que parecían inofensivos: la música que baja de volumen justo antes de la puerta que se cierra, la nota arrugada que nadie recoge y esa última línea que suena como un chiste privado entre dos personajes. El guion no lo dijo en voz alta, pero sembró imágenes —copas vacías en la cocina, la cámara que se desplaza hacia la ventana empañada, el reloj que marca las 3:00— que sugieren una salida más que una celebración. Los diálogos cargan doble sentido; frases que al comienzo rozan la ligereza terminan resonando como despedidas. Incluso los silencios están escritos: un paréntesis largo después de un brindis, un silencio que el director puede estirar hasta que el público sienta el peso del final. Me gustó cómo todo encaja sin forma explícita; el guion nos invita a completar la escena. Esa sutileza me dejó con la sensación de que la fiesta no terminó por un clímax visible, sino por una decisión íntima: alguien se fue, algo se rompió y la cámara se quedó con lo que quedó sobre la mesa. Al salir del cine, seguí pensando en quién tomó la mochila y por qué el mantel todavía estaba doblado en el suelo.

Con bastantes lecturas sobre filosofía de la ciencia y muchas discusiones en cafés y foros, confirmé que Mario Bunge fue un defensor firme del realismo científico. En sus obras —especialmente en partes del «Tratado de filosofía básica»— Bunge defiende la idea de que las teorías científicas no son meras herramientas; describen entidades y estructuras reales del mundo. Para él, hablar de electrones, genes o campos no es una metáfora útil: implica un compromiso ontológico con esos entes. No era un realismo ingenuo: aceptaba que el conocimiento es falible y que las teorías se corrigen y refinan, pero sostenía que la ciencia progresa hacia descripciones cada vez más aproximadas de la realidad. Además, su realismo venía acompañado de un materialismo sistémico: la realidad está formada por sistemas materiales, con propiedades emergentes que también merecen ser tomadas en serio. En pocas palabras, sí, Bunge defendió el realismo científico, pero lo hizo con matices epistemológicos y ontológicos que lo alejaban tanto del dogmatismo como del instrumentalismo. Me dejó la impresión de que su postura es útil para defender la ciencia frente a la pseudociencia y al relativismo.

Me encanta dibujar criaturas fantásticas, y los dragones son mis favoritos. Para un dragón realista, primero estudio anatomía animal, especialmente reptiles y aves, porque dan ese aire creíble. Observo lagartos como el dragón de Komodo para las escamas y águilas para las alas. Luego, juego con la luz y sombra para dar volumen, usando lápices de grafito o acuarelas si quiero texturas más ricas. En España, tenemos una tradición medieval fuerte, así que mirar arquitectura gótica o ilustraciones antiguas como las de «Beatos» ayuda a inspirar diseños con detalles históricos. Siempre empiezo con bocetos rápidos antes de pasar a algo más detallado, corrigiendo proporciones hasta que el dragón parece que podría despegar del papel.