¿Dónde Se Rodó La Película La Pequeña Bruja?

Me encanta cómo una película de terror puede transformarse cuando la grabas en lugares que ya tienen historia; en el caso de «La monja», gran parte del rodaje se hizo en Rumanía, que le da ese aire gótico y frío perfecto. La producción montó la mayoría de los decorados interiores en los estudios de Bucarest, especialmente en Castel Film Studios (también conocidos como los estudios de Bucharest), donde recrearon el convento y muchas salas sombrías que vemos en pantalla. Esa base en la capital permitió controlar la iluminación y los efectos para lograr ese tono oscuro y consistente que tanto impacta. Por otro lado, los exteriores y algunas localizaciones reales se rodaron en Transilvania y otras zonas históricas del país. Yo recuerdo leer sobre el uso de castillos y ciudades medievales: lugares como el Castillo de Corvin (en la zona de Hunedoara) y rincones pintorescos de ciudades como Sighișoara aportaron esa estética antigua, con piedras, torres y calles empedradas que se ven en las escenas más inquietantes. También se usaron paisajes rurales y boscosos rumanos para rodar tomas fuera del convento, que refuerzan la sensación de aislamiento y misterio. En resumen, la mezcla de estudios en Bucarest y localizaciones en Transilvania (castillos y pueblos medievales) es lo que da a «La monja» esa atmósfera tan efectiva: muchos interiores construidos en estudio y exteriores reales en Hunedoara y sitios históricos como Sighișoara. Personalmente, me parece una decisión de rodaje súper acertada; la combinación de control técnico y lugares llenos de historia hace que la película funcione visualmente y mantenga esa tensión constante que tanto me gusta en el cine de terror.

Me quedó grabada la imagen del árbol envuelto en niebla y musgo cuando vi esas escenas; en mi lectura del rodaje, la localización fue el Hayedo de Montejo, en la Sierra de Ayllón, Comunidad de Madrid. Recuerdo leer entrevistas y reportajes donde describían ese hayedo como el lugar perfecto por su atmósfera húmeda, esos troncos retorcidos y la luz filtrada entre las hojas; los equipos suelen usarlo cuando quieren una estética de cuento oscuro sin salir de la península. En las tomas nocturnas aprovecharon la densidad del bosque para colgar iluminación y crear sombras inquietantes. Me encanta pensar que ese árbol concreto —ese que aparece en tantas capturas— está en un sendero protegible pero accesible, que mezcla leyenda local y logística cinematográfica: cerca de caminos, pero con la sensación de estar en un rincón secreto. Aún hoy, cada vez que veo esa escena me imagino caminando entre las hayas y escuchando crujir de hojas, con la piel de gallina y una sonrisa por la puesta en escena.

Siempre me ha fascinado cómo una historia puede sentirse íntima en papel y enorme en la pantalla, y eso pasa con «La pequeña bruja». En el libro la voz es más tranquila y episódica: cada capítulo tiene su propia moraleja y se disfruta como pequeñas aventuras que construyen el carácter de la protagonista. Los detalles cotidianos, las pequeñas dudas y las reflexiones sobre lo correcto o lo equivocado quedan mucho más presentes, porque el texto te permite detenerte en sensaciones y pensamientos. En cambio, la película tiende a compactar y dramatizar. Para funcionar como película familiar, suelen intensificar el conflicto, acelerar el ritmo y añadir escenas visuales llamativas que no están en el libro. Eso puede implicar personajes secundarios más definidos, villanos con más presencia o secuencias de acción que buscan el impacto emocional inmediato. El resultado es más cinematográfico: colores, música y montaje crean una experiencia distinta a la del libro. En lo emocional, el libro me pareció más tierno y reflexivo, mientras que la película busca que te entretengas y te conmuevas de forma directa. Ambas versiones tienen su encanto; una invita a pensar despacio y la otra a disfrutar del espectáculo con el corazón en la mano.

Me acuerdo perfectamente de dónde montaron ese aquelarre: fue en Nueva Orleans, Luisiana. En la temporada conocida como «American Horror Story: Coven» la producción aprovechó al máximo la atmósfera húmeda y decadente de la ciudad para dar vida a las escenas más oscuras. No solo se rodaron tomas en el Barrio Francés y el Garden District, sino que también recurrieron a cementerios antiguos como el Lafayette Cemetery No.1 y a los bayous cercanos para las escenas al aire libre que pedían un aura sobrenatural. Lo que más me fascina es cómo combinaron localizaciones reales con sets interiores; el resultado parece orgánico y te hace creer que la academia de hechicería existe en cada esquina de la ciudad. Los edificios con balcones de hierro forjado, las calles empedradas y la vegetación colgante crean un fondo perfecto para un aquelarre: misterioso, lleno de historia y con esa mezcla de belleza y decadencia que tanto atrae. Ver esas secuencias me dejó con la sensación de que Nueva Orleans no es solo un escenario, sino un personaje más en la serie, capaz de transmitir tradición, miedo y un folclore propio que potencia cada ritual y encuentro.

Recuerdo haber quedado fascinado con «El día de la bestia» de Álex de la Iglesia, aunque no es exactamente una película de brujas, tiene ese ambiente oscuro y mágico que me encanta. España tiene una tradición cinematográfica rica en lo sobrenatural, pero si hablamos específicamente de brujas, «Akelarre» (2020) es una joya. Dirigida por Pablo Agüero, retrata los juicios de brujas en el País Vasco del siglo XVII con una mezcla brutal de realismo y fantasía. La fotografía es impresionante, y la forma en que aborda la persecución de mujeres acusadas de brujería es tan cruda como necesaria. Otra que me viene a la mente es «Las brujas de Zugarramurdi» (2013), también de Álex de la Iglesia. Es más cómica y exagerada, pero tiene ese estilo único del director: caótico, sangriento y divertido. La trama gira alrededor de un grupo de brujas vascas que secuestran niños, y aunque suena tétrica, está llena de momentos absurdos que te hacen reír. Si buscas algo más histórico, «Witchhammer» (1970) es una producción checo-eslovaca, pero se filmó parcialmente en España y aborda temas similares.

Me encanta recordar cómo «Las brujas de Eastwick» convirtió la costa de Nueva Inglaterra en su propio escenario mágico; gran parte de la película se rodó en el estado de Rhode Island. En particular, Newport fue la estrella: sus muelles, calles históricas y ese aire colonial funcionaron perfectamente como el pueblo ficticio de Eastwick. La luz salina y la arquitectura de la costa le dieron a la película esa mezcla de encanto y extrañeza que se siente en pantalla. Además de Newport, se filmaron tomas en varios pueblos costeros de Rhode Island, incluyendo localidades cercanas que ayudaron a crear esa sensación de comunidad pequeña pero inquietante. Los interiores más controlados, como ciertas escenas domésticas y efectos, se completaron en estudios fuera del estado, algo bastante habitual para producciones de esos años. Ver esos lugares en fotos me hace entender por qué George Miller y el equipo escogieron Rhode Island: la combinación de lo pintoresco y lo sombrío es perfecta, y sigue siendo uno de los recuerdos más claros que tengo de esa película.

Tengo una memoria curiosa de datos de rodaje y uno que siempre me llama la atención es el de «El dragón rojo». La película, aunque está ambientada en Baltimore por la historia, fue rodada mayoritariamente en Toronto, Ontario (Canadá). Muchas de las calles y edificios que vemos en pantalla son localizaciones torontonianas usadas como doble de ciudades estadounidenses; además, gran parte del trabajo de interiores se hizo en estudios de la zona, donde montaron decorados para escenas como la de la clínica o la casa del asesino. Me resulta fascinante cómo el equipo utilizó la arquitectura y el encuadre para que Toronto pareciera Baltimore: farolas, fachadas y ciertas esquinas funcionan muy bien en el cine. También se emplearon algunas tomas y recursos ubicados en la costa este para dar verosimilitud a la historia, pero el núcleo del rodaje fue Canadá. Personalmente disfruto fijarme en esos detalles y en cómo una ciudad puede transformarse en otra gracias a la magia del cine; verlo me hace apreciar todavía más el trabajo detrás de las cámaras.

Recuerdo que cuando vi «Las brujas de Zugarramurdi» quedé fascinado por esos paisajes tan misteriosos y llenos de magia. La película se filmó en varios lugares de España, pero uno de los más destacados es, obviamente, Zugarramurdi, en Navarra. Este pueblo es famoso por su cueva, donde según la leyenda se reunían las brujas. El director, Álex de la Iglesia, supo aprovechar al máximo ese ambiente enigmático, con niebla y bosques que parecen sacados de un cuento gótico. Otros escenarios incluyen zonas de Madrid y Guadalajara, donde se rodaron interiores y algunas secuencias urbanas. Pero sin duda, lo que más impacta son las escenas en las cuevas y los paisajes rurales de Navarra. Me encantó cómo mezclaron folklore y terror, dando vida a esas leyendas que muchos escuchamos de niños. La película tiene ese tono oscuro pero con un toque de humor muy característico del cine de De la Iglesia.

Me sorprendió descubrir que la escena de la niña en «El Puente Rojo» se rodó en un puente real, no en un set de estudio. Recuerdo leer entrevistas y reportajes locales que hablaban de un puente peatonal de hierro en las afueras de Sevilla, un sitio con óxido y grafitis que le daba a la toma esa textura urbana y melancólica que ves en pantalla. El rodaje fue casi guerrilla: el equipo aprovechó las primeras horas del amanecer para filmar sin interrumpir el tránsito y con iluminación natural, lo que explica esa luz tenue y auténtica sobre la piel de la niña. Los vecinos se convirtieron en extras improvisados y algunos detalles —como un farol viejo y una bicicleta apoyada— eran props traídos por el propio equipo para no desentonar con el paisaje. Me encanta pensar que esa escena funciona porque el lugar tiene historia propia; se siente vivo y eso potencia la actuación de la niña.

Recuerdo perfectamente la sensación de misterio que la película transmite desde el primer plano: esa niebla casi táctil que lo envuelve todo parece un personaje más. «La chica de la niebla» se rodó en el norte de Italia, aprovechando los paisajes montañosos de los Dolomitas; buena parte del rodaje tuvo lugar en la zona de Cortina d'Ampezzo y en municipios de la provincia de Belluno. Aunque la trama se sitúa en un pueblo ficticio, los realizadores buscaron pueblos reales con calles estrechas, arquitectura alpina y esa niebla persistente que ayuda a crear suspense y soledad. Esa elección es evidente en la fotografía: casas de piedra, pinos en la ladera y carreteras que desaparecen entre la niebla hacen que la historia gane en atmósfera y credibilidad. Desde mi punto de vista más cinéfilo, la decisión de rodar en Cortina y sus alrededores no fue casual. Es un lugar donde la luz cambia rápido, y esas variaciones sirven para jugar con la percepción del espectador; un plano puede pasar de un amanecer claro a una bruma densa en cuestión de minutos. Además, las localizaciones montañosas aportan aislamiento natural, algo crucial en una historia de suspense donde el entorno actúa como cómplice del misterio. Me encanta cómo las escenas exteriores parecen casi documentales, y eso se logra gracias a los paisajes auténticos y la climatología local. Si lo pienso desde una perspectiva más emocional, la niebla y los pueblos alpinos le dan a la película una sensación de cuento oscuro moderno: la belleza del paisaje contrasta con la frialdad de los hechos narrados. Ver «La chica de la niebla» conociendo que cortaron y rodaron en esos valles hace que me sienta más conectado con la historia; imagino al equipo luchando contra el frío y la humedad para capturar tomas perfectas, y eso añade mérito artesanal al resultado final. En resumen, el rodaje en Cortina d'Ampezzo y la provincia de Belluno fue clave para que la película respirara ese aire inquietante que tanto me atrapó.