¿Los Expertos Restauraron La Maja Del Prado Correctamente?

Me fascina cómo una pintura puede actuar como espejo político y social, y con «La maja desnuda» ese espejo está muy pulido. Desde mi lectura, muchos críticos han visto en esa figura una especie de desafío: una mujer que mira de frente, sin ropajes ni máscaras, expone tanto el cuerpo como la idea de lo que España quería ver u ocultar en su propia época. Goya la colocó en un momento tenso, con tensiones entre la corte, la burguesía y las corrientes ilustradas, y esa tensión alimenta la interpretación política. No creo que haya una única lectura aceptable: algunos académicos enfatizan la subversión ante las normas morales y políticas del Antiguo Régimen, otros ven en la pareja «La maja desnuda» y «La maja vestida» una crítica a la hipocresía social, mostrando lo público y lo privado como polos de poder. En mi experiencia, esa ambivalencia es lo que mantiene viva a la obra; me encanta pensar en la maja no solo como imagen erótica, sino como símbolo complejo que sigue provocando debates sobre identidad, pudor y autoridad.

Siempre me ha intrigado la ambigüedad de «La maja desnuda» y cómo Goya jugó con lo público y lo privado. En mi opinión, no fue una reacción simple y directa contra la sociedad española, sino más bien una obra que funciona en varios planos: es provocadora, íntima y, al mismo tiempo, muy consciente del contexto en que se mostró. Goya era un genio en captar tensiones sociales y personales, así que es fácil leer la pintura como un guiño a las hipocresías de la alta sociedad, sobre todo porque la pieza terminó en manos vinculadas al poder, como Manuel Godoy, y porque la Inquisición la llegó a incautar por considerarla obscena. Técnicamente, la franqueza del desnudo —esa mirada casi desafiante y la pose sin ornamentos— choca con la moral oficial de la época, lo que sugiere intencionalidad más que mera complacencia erótica. Pero también hay indicios de que fue un encargo privado pensado para un público limitado; no parece un panfleto público de crítica social. Entonces, para mí, la obra es una mezcla: reacción a la España de su tiempo y, a la vez, un retrato de deseos y complicidades que circulaban entre clases altas y gobernantes. Al final la pintura funciona como espejo: refleja una sociedad con fachada conservadora y tras ella costumbres más permisivas, además del ojo crítico de Goya, que no se limitaba a narrar la realidad sino a inquietar al espectador con ella. Esa ambivalencia es lo que más me fascina y lo que la hace aún vigente.

Durante años me he interesado en la leyenda de la maja y en cómo historiadores y cronistas han intentado ponerle un nombre al rostro de esas pinturas. La historiografía no ofrece una identificación definitiva. Tradicionalmente se han propuesto dos candidatas principales: María Cayetana, la duquesa de Alba, y Pepita Tudó, vinculada a Manuel de Godoy. La razón de que la duquesa entrara en la leyenda tiene que ver con la cercana amistad y la presencia social de la casa de Alba en la vida de Goya, además de comparaciones más románticas que científicas entre retratos. Sin embargo, los documentos que conectarían de forma irrefutable a la duquesa con «La maja desnuda» son débiles o inexistentes. La hipótesis de Pepita Tudó gana peso en muchas investigaciones modernas porque las dos obras estuvieron en la colección de Godoy y la cronología encaja mejor con su relación con él, aunque tampoco hay una prueba concluyente. Técnicas como radiografías o análisis de pigmentos ayudan a fechar y entender la ejecución, pero no a identificar a la modelo con certeza. En mi opinión, la mezcla de mito y evidencia parcial hace que la maja sea más fascinante como símbolo que como retrato confirmado.

Te cuento algo que siempre me fascina cuando hablo de pinturas famosas: sí, los originales de las conocidas «La maja desnuda» y «La maja vestida» forman parte de la colección permanente del Museo del Prado en Madrid. No es un reclamo publicitario, es la realidad histórica: ambas obras han estado asociadas al Prado desde hace muchísimo tiempo y, en términos generales, el museo suele exhibirlas como piezas clave dentro de su sección de Goya. Dicho esto, la experiencia real en sala puede variar. He visto las obras colocadas juntas en una misma sala con una iluminación y vigilancia cuidadas, pero también las he visto ausentes por préstamos a otras exposiciones internacionales o por necesarios procesos de conservación. Así que, aunque forman parte de la colección permanente, su presencia física en una sala concreta no está garantizada al 100% todo el año. Para mí, eso añade cierto dramatismo: saber que, si están colgadas, vas a ver algo que muchas veces se ha conservado y protegido con muchísimo celo.

Hace años asistí a una charla sobre autenticidad de obras y desde entonces cada detalle técnico me llama la atención cuando se habla de una pintura como «La maja». En primer lugar, la documentación histórica es clave: inventarios, actas de venta, fotografías antiguas y la cadena de propietarios ayudan a situar la obra en el tiempo y el lugar. Si una pieza aparece en catálogos o listas de colecciones pertinentes, eso suma mucho a su credibilidad. Aparte de los papeles, los análisis científicos son los que suelen cerrar el debate: radiografías revelan modificaciones ocultas, la reflectografía infrarroja muestra dibujos preparatorios, y la espectroscopía de fluorescencia de rayos X (XRF) identifica los elementos químicos de los pigmentos sin dañarla. También se usan técnicas como la microtomía de capas para ver el orden de aplicación de la pintura y GC–MS para detectar los aceites y resinas. No menos importante es la comparación estilística con obras atribuidas al mismo autor: la manera de aplicar la brocha, la presencia de pentimentos (cambios en la composición) y el patrón de craquelado. En el caso de «La maja desnuda/vestida», todas estas pruebas juntas —documental, técnico y estilística— son las que hacen que yo me incline a aceptar o cuestionar su autenticidad, porque ninguna prueba por sí sola suele ser definitiva.