¿Oscar Hernández Tiene Adaptaciones Al Cine O Series?

Recuerdo que cuando «Belle Époque» ganó el Oscar a Mejor Película de Habla No Extranjera en 1994, fue un momento histórico para el cine español. Trueba capturó esa esencia romántica y cómica de la Segunda República con un estilo tan fresco que conectó con la audiencia internacional. Me fascina cómo su narrativa visual, llena de sensualidad y humor, logró traspasar fronteras. Sin embargo, es curioso que, a pesar de su influencia, Trueba solo tenga ese Oscar. Muchos esperábamos que «El artista y la modelo» o «La niña de tus ojos» también recibieran reconocimiento, pero el cine es así: subjetivo y caprichoso. Eso sí, su discurso («I would like to believe in God, but I only believe in Billy Wilder») sigue siendo legendario.

Me encanta seguir el trabajo de autores como Oscar Hernández, y sí, he visto que en España tiene bastante presencia en eventos literarios. Recuerdo especialmente una entrevista que dio en la Feria del Libro de Madrid, donde habló sobre su proceso creativo y cómo se inspira en las calles de Barcelona para sus historias. Su forma de conectar con el público es muy cercana, casi como si estuvieras charlando con un viejo amigo. Además, en varias librerías independientes he visto carteles anunciando firmas de ejemplares o charlas suyas. Parece que valora mucho ese contacto directo con los lectores, algo que personalmente aprecio en un escritor. No sé si tendrá un programa fijo de entrevistas, pero desde luego no es raro encontrarlo participando en podcasts o mesas redondas sobre novela negra.

Siempre me sorprende lo mucho que puede decir Wilde en pocas páginas y en grandes escenas; por eso mi primer consejo es empezar por lo esencial: «El retrato de Dorian Gray». Lo leí por primera vez en una edición con notas y me voló la cabeza: es una novela corta pero densa, llena de ironía, estética decadente y preguntas sobre la belleza y la moral. En español suele aparecer como «El retrato de Dorian Gray» y conviene buscar una traducción que incluya aparato crítico o introducción, porque eso ayuda a entender el contexto victoriano y las polémicas que envolvieron la obra. Si te interesa su vena teatral, no puedes perderte «La importancia de llamarse Ernesto» y «El abanico de Lady Windermere». Las dos comedias son ácidas, rápidas y están repletas de diálogos brillantes; en escena funcionan de maravilla y en papel conservan su agudeza. Para quien disfruta de cuentos, «El príncipe feliz y otros cuentos» (con «El ruiseñor y la rosa» y «El fantasma de Canterville») muestra a un Wilde más tierno y melancólico. Por último, lee también «De profundis» y «El alma del hombre bajo el socialismo» si quieres conocer la voz más íntima y ensayística. En mi estantería conviven todas esas ediciones: novela, teatro, cuentos y ensayos, y cada una me regala una faceta distinta de Wilde que sigo redescubriendo con una copa de té y buenas ganas de pensar.

Siempre me impresiona cómo las palabras de Wilde se transforman en imágenes tan distintas según quién las lleve al cine. He seguido muchas adaptaciones y, si tuviera que señalar las más conocidas, empezaría por «El retrato de Dorian Gray»: hay una versión clásica de 1945 dirigida por Albert Lewin (muy atmosférica y casi teatral) y otra relectura moderna de 2009 titulada «Dorian Gray», protagonizada por Ben Barnes y dirigida por Oliver Parker; además existen varias versiones mudas y televisivas anteriores. Otra que siempre aparece es «La importancia de llamarse Ernesto», que tuvo una adaptación cinematográfica notable en 2002, dirigida por Oliver Parker y con un reparto que incluye a actores muy reconocibles; esa versión conserva el tono brillante de la comedia de enredos. Si sigo con la lista, «Un marido ideal» también ha visto la pantalla en distintas épocas, incluyendo la película de 1999 dirigida por Oliver Parker. Las piezas de teatro de Wilde han sido atractivas para el cine y la televisión: «El abanico de Lady Windermere» tuvo adaptaciones en el cine mudo y «Salomé» fue llevada al cine desde temprano —la versión de 1918 protagonizada por Theda Bara es famosa por su estética decadente—. No me olvido de los relatos: «El fantasma de Canterville» se adaptó varias veces, con una versión de los años 40 bastante conocida. En conjunto, Wilde alimenta tanto al cine clásico como a reinterpretaciones modernas: novelas, obras de teatro y relatos cortos han sido fuente constante. Personalmente, disfruto comparar la fidelidad al texto con la libertad creativa de cada director; a menudo descubro detalles nuevos de los personajes que en los libros me habían pasado desapercibidos.

Me encanta contar esto: Oscar Wilde sí escribió cuentos que muchas personas leen como libros para niños, pero con una capa adulta que los hace especiales. Yo descubrí «The Happy Prince and Other Tales» cuando era adolescente y me dejó marcado. Publicado en 1888, incluye historias como «El príncipe feliz», «La golondrina y la rosa», «El gigante egoísta» y otras que a simple vista parecen fábulas para niños: animales, princesas, sacrificios. Sin embargo, tienen un lenguaje afilado, ironía social y una tristeza moral que no siempre aparece en la literatura infantil tradicional. Wilde se inspira en la tradición de Andersen y los cuentos de hadas, pero los usa para criticar la hipocresía y hablar de compasión, belleza y muerte. Con el paso del tiempo leí también «A House of Pomegranates» (1891), más oscuro y simbólico, con relatos como «El joven rey» y «El cumpleaños de la infanta». Son historias que funcionan en distintos niveles: un niño puede disfrutar de la trama y las imágenes, mientras que un adulto capta referencias culturales, moralejas ambiguas y cierta melancolía. Por eso suelo decir que Wilde escribió cuentos aptos para niños, pero pensados para quedarse con el lector cuando ya es mayor; se disfrutan en voz alta, pero resuenan más tarde como lecciones complejas.

Recuerdo con cariño las tardes de cine clásico en las que discutíamos sobre generales carismáticos y películas que marcan época. «Patton» sí obtuvo premios Oscar: en la ceremonia de 1971 arrasó y se llevó siete estatuillas, entre ellas Mejor Película y Mejor Director (Franklin J. Schaffner), además del reconocimiento a la actuación de George C. Scott, que curiosamente rechazó el premio. Esa anécdota siempre me ha fascinado porque añade una capa moral al triunfo técnico y artístico del filme. Si la pregunta apunta a si esos Oscar se dieron “en España”, hay que aclarar que la Academia de Hollywood entrega los Oscar en Estados Unidos y no existen ceremonias nacionales con estatuillas de la Academia en otros países. En España se celebra y valora la ceremonia, como muchos cinéfilos españoles, pero los galardones provienen de la Academia estadounidense. Así que «Patton» ganó los Oscar como película, no “en España” como si fuera una entrega nacional española. Personalmente me gusta pensar que el peso de esos premios ayudó a que películas históricas como «Patton» llegaran a salas de todo el mundo, incluida España, donde muchos espectadores descubrieron a George C. Scott y a un cine bélico que mezcla grandeza y contradicción.

Me encontré con su nombre varias veces en foros y artículos sobre manga español, y siempre me llamó la atención la mezcla de rigor y cariño con la que habla del medio. A mis cuarenta y pico, he leído críticas y ensayos suyos que exploran desde las raíces artísticas del manga hasta sus implicaciones culturales en España y Latinoamérica. Tiene esa voz que no se limita a decir si algo es bueno o malo: contextualiza autores, tradiciones y procesos editoriales, y suele poner en valor detalles que otros pasan por alto, como decisiones de traducción o cómo ciertos arcos argumentales resonan con audiencias hispanohablantes. Además de sus análisis, he visto que participa en charlas y mesas redondas, y que colabora con colegas para acercar el manga a públicos menos habituados al formato. Para mí, su aporte no es solo académico: es muy práctico, porque ayuda a que lectores y editoriales entiendan por qué ciertas obras funcionan aquí. Me deja la impresión de alguien comprometido con la difusión bien hecha del manga, alguien que disfruta tanto del detalle técnico como de la emoción de una buena historia.

Me encanta hablar de creadores que trabajan en varios formatos, y con Óscar López Águeda lo que más me llama la atención es su versatilidad. A lo largo de su trayectoria en España ha generado un cuerpo de obras bastante heterogéneo: novelas y colecciones de relatos, piezas para teatro y guiones de cortometraje, cómics y novela gráfica, además de artículos y ensayos para revistas culturales. Suele trabajar tanto con editoriales independientes como con colectivos creativos, lo que le permite alternar proyectos más íntimos con encargos colaborativos y piezas multiculturales. En su narrativa se perciben temas recurrentes —memoria, pequeños espacios urbanos, relaciones rotas y búsquedas personales— que atraviesan los distintos soportes. En los cómics suele combinar una línea gráfica limpia con guiones que dan prioridad al ritmo y al diálogo; en la prosa se nota un pulso más pausado, casi contemplativo, que funciona muy bien en relatos cortos. También ha participado en proyectos educativos y charlas en ferias del libro y festivales de cómic, contribuyendo a difundir su obra entre públicos diversos. Personalmente, valoro cómo su trabajo fluye entre lo visual y lo textual sin perder coherencia: hay una voz reconocible en todo lo que firma. Eso hace que seguir su producción en España sea una pequeña aventura: puedes encontrar algo distinto en cada nueva publicación, pero siempre con un sello propio que me atrapa.