¿Quién Escribe La Vanguardia La Contra Cada Semana En España?

Me fijé en la sección de programación de «La Vanguardia» porque necesitaba planear la semana, y puedo decir que suele estar bastante actualizada. Yo la uso cuando quiero saber qué ponen en las cadenas nacionales y algunas autonómicas: los horarios se van corrigiendo con cierta rapidez, sobre todo para estrenos y eventos deportivos. La interfase es clara, viene por días y horas, y suelen marcar cambios importantes cuando hay imprevistos. No es perfecta; a veces los ajustes de última hora de las cadenas tardan un poco en reflejarse y he tenido que cruzar info con la web oficial del canal. En general me inspira confianza para organizar mis noches de serie y dejar los recordatorios. Si buscas algo puntual y crítico, conviene verificar dos fuentes, pero para el día a día la guía de «La Vanguardia» cumple y me ahorra tiempo. Me quedo con la sensación de que cuidan la sección, aunque podrían mejorar la señalización de cambios en vivo.

Me acuerdo de la primera vez que intenté explicar a un amigo por qué las vanguardias no eran solo 'arte raro': para mí fue una sacudida que cambió la forma en que veo la pintura y la escultura. Lo tradicional buscaba reproducir el mundo con habilidad técnica, profundidad de perspectiva y una narrativa moral o histórica clara; era el reino de la representación fiel, del acabado pulcro y de las academias que dictaban reglas sobre composición y belleza. Las vanguardias, en cambio, rompieron esas reglas de raíz: fragmentaron la forma, explotaron la abstracción, usaron el collage y materiales cotidianos, e invitaron al azar y al subconsciente como herramientas válidas. Eso significó no solo cambiar el aspecto de una obra, sino su propósito. Además, las vanguardias aparecieron en un contexto convulso —industrialización, guerras, avances tecnológicos— y muchos artistas querían reflejar la velocidad y la fragmentación de la vida moderna. Por eso vemos máquinas, ciudades, y rupturas temporales en sus obras: buscaban renovar tanto la forma como la función del arte, convertirlo en un campo de experimentación y crítica más que en un espejo cómodo del pasado.

Me encanta hurgar entre camisetas, pegatinas y fanzines hasta encontrar esa pieza que grita resistencia: la mercancía de la contra la vanguardia suele aparecer en sitios poco convencionales y con mucha historia detrás. En línea, lo primero que hago es revisar tiendas oficiales del colectivo o de la banda —si existe una— porque ahí el dinero suele ir directo a quienes hacen el trabajo. Después miro en plataformas independientes como Etsy, Bandcamp (muchos sellos y colectivos venden ahí su merch), y en mercados más grandes como MercadoLibre o eBay cuando busco ediciones agotadas o cosas de segunda mano. No me olvido de las tiendas de impresión bajo demanda y de artistas en Instagram: muchas veces la camiseta o el póster que quiero sale de una tirada pequeña y se agota rápido. Un tip práctico: leer reseñas, fijarse en fotos reales y preguntar sobre tallas y calidades antes de pagar. Así evito sorpresas y apoyo a quien realmente lo creó. En el espacio físico encuentro joyas que nunca aparecen en la web: ferias de zines, mercadillos alternativos, conciertos y bares donde aparecen mesas de distro con fanzines y merch casero. También me gusta revisar tiendas de discos independientes y librerías alternativas; suelen tener una selección curada que respeta la filosofía del movimiento. Intercambiar con gente en esos lugares no solo te permite ver la calidad en persona, sino también conocer la historia detrás de cada prenda o fanzine, lo cual me parece parte importante del coleccionismo. Por último, me parece clave usar redes y comunidades: grupos de Facebook, canales de Telegram, foros y perfiles de Instagram de sellos y colectivos suelen anunciar lanzamientos y ventas exclusivas. Si quieres algo auténtico, busca ventas directas y evita imitaciones; apoyar a la gente que produce es la forma más honesta de sostener movimientos contraculturales. Cada vez que compro algo así, siento que no es solo un objeto, sino una pequeña acción de apoyo y de conservación de una escena que me importa.

Guardar crucigramas para resolverlos en papel me resulta muy cómodo, y en la web de «La Vanguardia» casi siempre hay dos caminos sencillos para obtener un PDF listo para imprimir. Primero reviso si en la propia página del crucigrama aparece un icono de impresora o un enlace que ponga «Imprimir» o «Descargar PDF». Ese botón normalmente genera un diseño limpio con la cuadrícula y las pistas en páginas separadas o en una sola, según el diseño. Si está disponible, lo uso porque respeta la maquetación del periódico. Si no veo ese botón, tiro del método universal: abrir el diálogo de impresión del navegador (Ctrl+P en Windows/Linux, Cmd+P en Mac). En Chrome selecciono «Guardar como PDF» en Destino, pongo Orientación en apaisado si la cuadrícula queda mejor, marco «Gráficos de fondo» para que se muestren líneas y flechas, y ajusto márgenes a «Mínimos» o «Ninguno». En Firefox y Edge hay opciones equivalentes; en Safari uso Archivo > Imprimir y luego PDF > Guardar como PDF. Ajustar escala al 100% o «Ajustar a página» ayuda a que la cuadrícula ocupe el tamaño correcto. Con esos trucos suelo lograr un PDF limpio y legible que puedo archivar o imprimir. Personalmente prefiero conservar una copia en PDF por si quiero resolver sin conexión más tarde, y me gusta dejar las pistas en la segunda página para no hacer trampa mientras imprimo.

Me fascina cómo el futurismo vanguardia reconfigura lo que damos por sentado en el diseño: transforma líneas y materiales en promesas de futuro, pero con ojos puestos en el presente. He pasado muchos años coleccionando imágenes y proyectos que mezclan metal pulido, superficies inteligentes y geometrías imposibles, y lo que más me llama la atención es la forma en que esa estética obliga a repensar la ergonomía. No es solo una imagen fría; incorpora sensores, interfaces hápticas y flujos dinámicos que responden al cuerpo y al entorno. El uso de materiales como polímeros programables, acabados reflectantes y tejidos técnicos crea objetos que cambian con la luz y el movimiento, y eso abre nuevas posibilidades para muebles, транспорта y arquitectura. Además, el futurismo vanguardia trae una narrativa fuerte: el contraste entre utopía y distopía. Esa tensión sirve como herramienta crítica en el diseño, proponiendo soluciones especulativas que cuestionan hábitos de consumo, energías y privacidad. Para mí, esa mezcla de forma, tecnología y discurso convierte cada proyecto en una invitación a imaginar cómo viviremos mañana, sin perder el placer estético hoy.

Me emociona ver cómo hoy el futurismo vanguardia no es monopolio de un solo tipo de persona: es una conversación entre tecnólogos, artistas, diseñadores especulativos y pensadores críticos. Veo a figuras como Amy Webb y su «Future Today Institute» marcando agenda con datos y predicciones aplicadas a empresas; al mismo tiempo Nick Bostrom sigue siendo referencia por su trabajo sobre riesgos existenciales de la inteligencia artificial. En los márgenes creativos, artistas como Refik Anadol, con proyectos como «Machine Hallucinations», llevan la estética del futuro a espacios públicos y museos, haciendo tangible lo inaccesible. También percibo líderes emergentes en ética y políticas públicas: Kate Crawford y Joy Buolamwini presionan para que el desarrollo tecnológico tenga en cuenta la justicia social, mientras que colectivos como Superflux y diseñadores como Keiichi Matsuda exploran futuros alternativos desde el diseño crítico. Esa mezcla —corporativo, académico, artístico y comunitario— es lo que ahora impulsa la vanguardia: no una sola voz sino un coro que discute, provoca y propone. Me gusta cómo esa pluralidad obliga a reimaginar quién decide el futuro: no sólo las grandes empresas, sino quienes producen narrativas, arte y regulaciones; y eso me deja optimista y alerta a la vez.

Tengo una debilidad por las listas de autores que cambiaron el rumbo de la literatura española; siempre termino volviendo a esos nombres que, por diferentes caminos, sacudieron las formas y el lenguaje. Recuerdo a Ramón Gómez de la Serna como un perfecto contrabandista de lo cotidiano: sus greguerías rompieron lo esperado y abrieron la puerta a experimentos breves y mordaces. Cerca de esa actitud provocadora está Valle-Inclán, cuyo «Luces de Bohemia» y el esperpento trastocaron el teatro español, haciendo de la deformación una herramienta crítica. Luego vienen los poetas de la llamada Generación del 27: Federico García Lorca, con sus estallidos surrealistas en «Poeta en Nueva York»; Rafael Alberti, que transita desde «Marinero en tierra» a experimentos más vanguardistas; Vicente Aleixandre y Luis Cernuda, que mezclan simbolismo, surrealismo y una nueva sensibilidad lírica. No puedo olvidar a los impulsores de movimientos teóricos y de ruptura: Guillermo de Torre y su vínculo con el ultraísmo, Ortega y Gasset y su ensayo «La deshumanización del arte», o la influencia en España de Vicente Huidobro y el creacionismo. Todo ello, sumado a la complicidad con pintores y cineastas como Dalí y Buñuel, define un paisaje vanguardista variado y apasionante. Al final me quedo con la sensación de que esas voces siguieron buscando maneras nuevas de mirar el mundo, y por eso me siguen atrapando.

Recuerdo con claridad la primera vez que vi una cinta española jugar con el tiempo y la tecnología como si fueran personajes más: esa mezcla de fascinación y desconcierto se me quedó clavada. En la pantalla, la estética futurista no solo aporta neón y edificios fríos, sino que reconfigura cómo entendemos la identidad española en el cine contemporáneo. Desde mi experiencia de espectador veterano, noto que el vanguardismo futurista ha empujado a cineastas a experimentar con la narrativa fragmentada, con saltos temporales y con diseños de producción que combinan lo local con lo global. Películas como «Eva», «Los últimos días» o incluso «El hoyo» usan la ciencia ficción para hablar de memoria colectiva, crisis urbanas y desigualdad. Eso obliga a la industria a invertir en efectos prácticos y en sonido atmosférico, algo que antes era territorio exclusivo del cine anglosajón. Al final me gusta que este movimiento no sea una imitación; es una reinterpretación: la futurística española dialoga con la tradición, la política y el humor negro. Me deja con la sensación de que tenemos algo propio, arriesgado y cada vez más capaz de sorprender fuera de nuestras fronteras.