¿Qué Actriz Interpreta A La Peor Bruja En La Serie?

Nunca imaginé que un personaje pudiera combinar amenaza y magnetismo con tanta naturalidad, pero Najwa Nimri lo consigue con creces en «Vis a Vis». En esa serie española, ella es la que muchos llaman la 'reina del mal' por la dureza y la astucia que imprime en Zulema. Su forma de mirar, de modular la voz y de moverse en cada escena convierte a la antagonista en algo más que una villana: es una fuerza que impulsa la trama y obliga a los demás personajes a reaccionar. He seguido la carrera de Najwa desde antes de la serie y verla en «Vis a Vis» es un recordatorio de por qué es tan provocadora como intérprete. No se queda en el estereotipo del malo y, por el contrario, aporta capas: hay vulnerabilidad contenida, orgullo y una lógica peligrosa en sus decisiones. Para mí, eso la hace memorable; cada vez que aparece en pantalla el ritmo del capítulo cambia y los fans inevitablemente hablan de ella. Al final me queda la impresión de que la 'reina del mal' no es solo maldad, sino una construcción actoral impecable que Najwa Nimri domina con personalidad propia.

Qué energía derrochó en cada escena; la actriz convirtió a la bruja pícara en alguien que se siente tan humana como traviesa. Me atrapó desde el primer gesto: una ceja levantada, una sonrisa torcida que prometía problema y ternura a la vez. En las escenas del mercado, su ritmo corporal —esa manera de moverse con ligereza pero calculando cada espacio— hizo que la picardía no fuera solo chiste, sino estrategia. Parecía jugar con el encuadre, sabiendo dónde colocar el peso para que la cámara captara el latido del personaje. Además, su trabajo vocal fue una delicia: modulaba entre susurros cómplices y carcajadas cortas, manteniendo la ambigüedad moral del personaje. No era una villana plana; había capas. En la secuencia nocturna, cuando por un momento deja ver fragilidad, la actriz bajó la guardia con un parpadeo y lo dijo todo sin palabras. Esa elección pequeña transformó una escena cómica en una escena que me hizo prestar atención a lo que la bruja realmente quería. Salí del cine con ganas de volver a ver escenas sueltas para atrapar esos microgestos que nadie más habría pensado. Me encanta cuando una interpretación logra que un personaje travieso también duela un poco, y eso es justo lo que consiguió aquí.

He estado revisando mentalmente todas las propuestas españolas con brujas y cultos, porque no hay una sola "serie de brujas" que sea normativa en España: depende de cuál tengas en mente. Si te refieres a la producción que más se acerca a lo que podría llamarse una serie sobrenatural con elementos de brujería, una de las más comentadas en los últimos años es «Feria». Esa serie, lanzada en plataformas internacionales, se centra en dos hermanas y un misterio religioso/satánico; entre las intérpretes más reconocibles figuran Carla Campra y Ana Tomeno, que sostienen el peso dramático juvenil, y alrededor aparecen nombres del panorama español que la enriquecen. Es una visión más moderna y adolescente del tema, con atmósfera oscura y estética cuidada. Si en cambio hablas de propuestas más fuertes en tono y alcance, no puedo dejar de mencionar «30 monedas» de Álex de la Iglesia, que aunque no es exactamente una serie de brujas pura, sí navega por lo sobrenatural, exorcismos y sectas. Ahí el reparto lo lideran figuras como Eduard Fernández y Miguel Ángel Silvestre, y la serie mezcla terror con elementos de misterio y folklore, acercándose a lo que muchos esperan de una narrativa sobre lo oculto en clave española. También conviene recordar que parte del imaginario ha venido del cine: «Las brujas de Zugarramurdi» es una película de Álex de la Iglesia con un reparto muy conocido (Mario Casas, Hugo Silva, Carmen Maura y Terele Pávez entre otros) y, aunque no es serie, aporta mucho al debate sobre brujas en la ficción española. Si me preguntas por una "serie" estricta, yo te diría que revises «Feria» y «30 monedas» dependiendo del tono que busques; cada una trae actores distintos y aproximaciones muy personales al tema, y a mí me encanta cómo cada propuesta refleja una España distinta cuando habla de lo oculto.

Me fascina cómo los personajes pueden mutar al pasar de página a pantalla, y con «La peor bruja» eso se nota mucho. En los libros Mildred tiene una mezcla de torpeza entrañable y valentía que funciona perfectamente en la prosa; en televisión, sin embargo, los guionistas necesitan que esa torpeza genere conflicto visual y episodios cerrados, así que a menudo suavizan o exageran rasgos para que se entiendan en un clip de diez minutos o en un arco de temporada. Otra razón importante es la audiencia: una serie nueva puede buscar atraer a niños más pequeños, adolescentes o una audiencia familiar, y cada público exige un tono distinto. Por eso verás a la protagonista más empática y moderna en algunas versiones, o más rebelde y sarcástica en otras. También influyen la duración de la temporada y el formato: si el plan es hacer varias temporadas, necesitan un arco de crecimiento claro y villanos con motivaciones más complejas, lo que obliga a ajustar el pasado y la personalidad de los personajes. Además, no olvido el peso del casting y de la producción. A veces un actor aporta matices que cambian la percepción del personaje, y los directores los siguen. Otras veces la productora pide diversidad, inclusión o elementos que funcionen bien en merchandising o internacionalmente. Por eso, cuando veo «La peor bruja» en distintas pantallas, lo interpreto como versiones hermanas: todas parten del mismo corazón, pero cada una respira con distinto ritmo y color, y eso me encanta aunque me sorprenda a veces.

Me apasiona ver cómo cambia un personaje de un medio a otro, y la figura de 'la bruja' es un ejemplo clásico de esas transformaciones. En muchas adaptaciones la bruja sí aparece tal cual en el libro original, sobre todo cuando su papel es central para la trama o representa simbólicamente un conflicto claro. Otras veces la mantienen pero alteran su personalidad, su origen o incluso su edad para encajar en el ritmo de la serie. He visto casos en los que lo que era una figura misteriosa en la novela pasa a convertirse en una antagonista más humana en la pantalla. También he notado adaptaciones donde la bruja desaparece o se fusiona con otros personajes por motivos de duración, presupuesto o para simplificar el arco dramático. En resumen, no hay una regla fija: depende del respeto al material, de las decisiones creativas y de lo que el equipo quiera destacar. Personalmente disfruto comparar ambas versiones y descubrir por qué se hicieron ciertos cambios, me dice mucho sobre las prioridades narrativas del proyecto.

Recuerdo con cariño cuando descubrí «La peor bruja» en la biblioteca del cole; ese tono cálido y sencillo en los libros se me quedó grabado. En las páginas, Mildred es una protagonista torpe pero adorable, y la historia avanza en capítulos casi autoconclusivos donde cada travesura o error sirve para aprender algo pequeño. Los libros de Jill Murphy privilegian la ternura, el humor seco y una visión muy británica de la infancia: la magia es más bien excusa para explorar inseguridades, amistad y clases en un internado antiguo. La serie, sin embargo, tiende a expandir y dramatizar. En pantalla se sienten los arcos más largos: temporadas que amplían antagonismos, relaciones y subtramas que en los libros apenas se bosquejan. Visualmente la magia toma protagonismo, las escenas se alargan para crear tensión y los personajes secundarios reciben mucho más espacio; algunos son modernizados o ganan motivaciones nuevas para enganchar a una audiencia contemporánea. Además, la serie suele introducir diversidad y temas actuales que no estaban en los libros originales, lo que a veces cambia el tono general hacia algo más “emocionalmente ruidoso”. Personalmente valoro a ambos: los libros por su simplicidad y encanto atemporal, y la serie por su energía y capacidad de actualizar personajes para nuevos espectadores. Me gusta pensar que la serie amplifica lo que ya me enamoró en las páginas sin borrar la suavidad del material original; ambas versiones conviven en mi nostalgia de maneras diferentes pero complementarias.

Siempre me ha llamado la atención cómo una pareja en pantalla puede sostener una serie entera, y en «El descubrimiento de las brujas» eso ocurre gracias a dos actores que realmente se comen la historia: Teresa Palmer interpreta a Diana Bishop, la historiadora y bruja vacilante que descubre un manuscrito que cambia todo; y Matthew Goode da vida a Matthew Clairmont, el enigmático vampiro y genetista que se convierte en su aliado y interés romántico. Su química es el corazón de la serie: Palmer trae vulnerabilidad y fuerza intelectual, mientras que Goode entrega ese porte gélido y protector que equilibra la tensión romántica con el misterio sobrenatural. Además de esos dos protagonistas, el reparto secundario aporta mucho color y conflicto. Lindsay Duncan aparece como Sarah Bishop, la tía de Diana, aportando saber y una serenidad que contrasta con el caos; John Heffernan interpreta a Peter Knox, un antagonista con convicciones peligrosas que eleva el suspense académico y sobrenatural; y Aiysha Hart da vida a Sophie Wilson, amiga y confidente que ayuda a dibujar el mundo de las brujas en el presente. Cada uno cumple un papel claro: unos refuerzan el peso emocional y otros las capas de intriga política entre especies. Viendo la serie desde distintos ángulos me fascina cómo el casting no solo encaja a nivel estético, sino que también respeta la tensión entre ciencia e historia que propone la trama. Teresa y Matthew sostienen la emotividad y la química, mientras que los secundarios como Lindsay y John construyen la red de peligros y lealtades. Al final, para mí lo más disfrutables es ver cómo esos nombres se sienten realmente parte de un universo coherente; es una mezcla de actuación contenida y momentos de pasión que hacen que la serie sea adictiva.

Me fascina ver cómo, en muchas series, las brujas no son estatuas mágicas sino personajes que cambian con el tiempo: ganan poder, cometen errores y a veces pagan por ellos. En mi experiencia como aficionado que ha devorado temporadas enteras entre maratones y recomendaciones, hay arcos que muestran evolución literal (aprenden hechizos nuevos, entrenan) y arcos que son más sutiles, centrados en la identidad, la moral y las relaciones. Por ejemplo, en «Chilling Adventures of Sabrina» la protagonista transita entre la rebelión adolescente y la aceptación de su herencia, pero esa evolución viene con preguntas sobre lealtades y sacrificios; no es solo una progresión de poder, sino una reconstrucción moral. Mientras tanto, en «Buffy the Vampire Slayer» la evolución de Willow me sigue pareciendo una de las más potentes: pasa de ser una chica tímida a una hechicera extremadamente poderosa, y la serie explora el precio emocional de ese camino, incluyendo la culpa y la redención. También me fijo en cómo la evolución de las brujas refleja cambios en el mundo que las rodea. En «American Horror Story: Coven» la jerarquía, las tradiciones y las consecuencias políticas del poder mágico marcan muchas de las transformaciones; ahí las brujas cambian no solo por crecimiento personal, sino por lucha de poder y traición. En contraste, series como «The Owl House» tratan la magia como un aprendizaje continuo y más alegre, donde personajes como Eda o Luz evolucionan mediante amistades y enseñanza mutua. Y no puedo dejar de mencionar a personajes como Yennefer en «The Witcher», cuyo viaje es físico y psíquico: su transformación habla de ambición, pérdida y reconstrucción de la identidad. Para mí, la evolución funciona mejor cuando es orgánica: cuando los guionistas permiten retrocesos, consecuencias y contradicciones. Me gusta cuando la magia no es una excusa para salirse con la suya, sino un espejo donde se reflejan miedos, deseos y límites humanos. Así que, sí, las brujas evolucionan en la mayoría de series memorables, pero la riqueza está en el cómo: si les dejan fallar, aprender y cambiar de forma creíble, la experiencia se vuelve mucho más humana y llevadera.

Lo que más me fascina es cómo su relación cambia según quién tenga el control de la magia. En mis veintitantos las veo como si fueran amigas que crecieron juntas pero con secretos distintos: una más impulsiva, otra más racional y la tercera con una moral ambivalente. Esa mezcla crea una química eléctrica; se apoyan en lo cotidiano y se atacan con lo sobrenatural, a veces por miedo, otras por orgullo. Hay escenas en las que se entienden con una mirada y otras en las que no pueden ni compartir una habitación sin que salte una discusión, y eso me parece realista y emocionante. Lo que más me conmueve es cómo los rencores se convierten en lecciones. Las traiciones no son finales absolutos, sino grietas que muestran lo que cada una necesita sanar: confianza, autonomía o perdón. Me gusta cuando la serie deja espacio para pequeños gestos —una comida compartida, un hechizo intercambiado— que reconstruyen el vínculo más que cualquier discurso dramático. Al final, su relación no es perfecta, pero sí auténtica, y eso me deja con ganas de verlas crecer juntas.

Me encanta recordar lo boba y adictiva que me pareció la mezcla de drama y humor en esa telenovela; la chica vampiro está interpretada por Greeicy Rendón. Ella le da vida a Dafne con una energía contagiosa: tiene esa chispa juvenil que combina bien con momentos melodramáticos y también con escenas ridículamente tontas que funcionan a la perfección en este tipo de formato juvenil. Greeicy no solo actúa; su presencia musical dentro y fuera de la trama ayudó a que el personaje se sintiera más auténtico para muchos de nosotros que escuchábamos sus canciones después de ver el capítulo. Desde mi punto de vista más crítico y curioso, lo interesante es cómo Greeicy consiguió humanizar a un personaje fantástico sin perder el tono pop de la serie. Dafne no es la típica villana oscura ni la santa inalcanzable: tiene inseguridades, amistades con química real y situaciones familiares que la hacen simpática. Ver a Greeicy en ese papel me recordó por qué juventudes televisivas con sangre sobrenatural funcionan: son excusas para explorar relaciones, identidad y crecer entre efectos y números musicales. Además, su carisma la catapultó fuera de la pantalla; muchos fans empezamos a seguir su carrera musical y a reconocerla más allá de la telenovela. En fin, si te interesa ver a la actriz que encarna a la famosa vampira adolescente, búsquela como Greeicy Rendón en «Chica Vampiro» y fíjate en cómo transforma una premisa fantástica en una protagonista entrañable. Yo volví a ver algunos episodios un par de veces solo por su actuación y por la mezcla de humor y canciones, y sigue siendo un placer culposo que recomiendo sin vergüenza.