¿Qué Es El Arte Povera Y Sus Principales Exponentes En España?

Me encanta perderme por salas pequeñas buscando ese eco povera en España: no siempre lo verás en etiquetados, pero lo reconoces por la honestidad del material. Diría que, más que un movimiento explícito en territorio español, existió una afinidad —una voluntad compartida de tratar la materia como narradora. Cuando entro a una sala con un lienzo de Antoni Tàpies cubierto de polvo y yeso o con una bancada de Chillida que marca el espacio, siento el mismo pulso que me dan los italianos del povera: la obra que respira, que trabaja con el tiempo, que no pretende ser pulcra. Si tuviera que resumir cómo localizar esa influencia aquí, te diría que busques texturas, ensamblajes con objetos humildes y piezas que parecen resultado de un proceso más que de una técnica perfecta. También me fijo en cómo esas obras dialogan con el suelo y las paredes, casi como si reclamaran lugar en la vida cotidiana. Me gusta pensar que el pobre y lo precioso se encuentran en España en ese punto: tradición material y ruptura conceptual, una mezcla que sigue emocionándome cada vez que vuelvo a una exposición y descubro una pieza que respira historia y uso.

Siempre me ha fascinado cómo el arte convierte lo humilde en experiencia: eso es, en esencia, lo que propone el movimiento conocido como arte povera. Nacido en Italia a finales de los años sesenta, el povera apostó por materiales humildes —tierra, madera, telas, chatarra, carbón— y por procesos visibles, por el tiempo y la fragilidad como parte de la obra. No buscaba la espectacularidad técnica ni el objeto-arte pulcro; buscaba el diálogo entre la materia y el espacio, el cuerpo y la historia. Entre sus nombres más reconocibles están Giuseppe Penone, con su atención al crecimiento vegetal y al tiempo; Mario Merz, famoso por sus iglús y sus referencias a la naturaleza y la energía; Jannis Kounellis, que introdujo elementos vivos como carbón y animales en la sala; Michelangelo Pistoletto, con sus espejos y reflexiones sobre el espectador; y Alighiero Boetti, jugueteando con el concepto de autoría y el trabajo artesanal. Estos artistas comparten una sensibilidad que privilegia el proceso, la contingencia y la relación entre obra y mundo. En España no se formó un grupo «poverista» idéntico al italiano, pero sí hubo una conversación intensa con esas ideas. A mí me resulta claro que figuras como Antoni Tàpies, Eduardo Chillida y Jorge Oteiza establecen un puente natural: Tàpies trabajó con polvo, yeso, solos y objetos empastados hasta convertir la superficie en paisaje táctil; Chillida interrogó la masa y el vacío del hierro, la fuerza de lo cotidiano transformada en escultura; Oteiza jugó con la presencia y la ausencia en piezas que buscan una relación ritual con el espacio. También artistas de la generación de los sesenta y setenta, que exploraron la materia y lo ensamblado, se sintieron próximos a ese lenguaje. Más adelante, en las colecciones y programas de museos como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Guggenheim Bilbao o el MACBA, las muestras y adquisiciones facilitaron el diálogo entre obras italianas y españolas, haciendo que el público pudiera ver la afinidad conceptual aunque las tradiciones locales siguieran siendo distintas. Personalmente, creo que donde el arte povera deja huella en España es en la prioridad por lo táctil, la obra que envejece y cambia, y el interés por lo no monumental. No se trata de copiar un modelo extranjero sino de absorber una forma de pensar la materia: lo que para los italianos fue una ruptura histórica, aquí se entrelazó con la tradición del informalismo, la escultura vasca y la experimentación pictórica, dando lugar a piezas que mantienen un diálogo vivo con el entorno, la memoria y el público. Esa mezcla de humildad material y ambición poética sigue siendo lo que más me atrapa cuando vuelvo a visitar esas obras.