¿Qué Historia Narra La Película Novitiate Sobre La Fe?

Me atrapó desde la escena inicial: «Munich» te lanza directo al horror de los Juegos Olímpicos de 1972 y luego sigue la respuesta que surgió a partir de esa tragedia. La película narra cómo, tras el asesinato de atletas israelíes por el grupo Black September, un equipo secreto es enviado para rastrear y eliminar a los presuntos responsables. Avner, el protagonista, lidera esa misión encubierta y, a medida que avanza la historia, vemos operaciones en distintas ciudades europeas, decisiones moralmente ambiguas y la dificultad de distinguir entre justicia y venganza. Spielberg utiliza ese hilo para mostrar la tensión humana: rostros cansados, dudas que crecen y efectos psicológicos que no se solucionan con balas. Más que un manual histórico, «Munich» es un drama sobre consecuencias: cómo la violencia engendra más violencia y cómo el precio emocional y ético pesa sobre quienes participan. A mí me dejó una sensación de inquietud y muchas preguntas sobre qué significa realmente arreglar una injusticia; es una película que no te da respuestas fáciles y por eso sigue resonando.

Me quedé pensando en «Novitiate» durante días y no por razones obvias, sino por la forma en que se instala en la piel del personaje principal. Yo veo muchas películas religiosas y lo que más me sorprendió aquí fue que la historia se cuenta desde la interioridad de una novicia, no desde la jerarquía ni desde un debate teológico abstracto. Eso crea una cercanía que otras obras del género suelen evitar: en vez de sermones y juicios morales, hay dudas, deseo, miedo y pequeñas rebeliones cotidianas. La película respira como un diario, con momentos que se sienten íntimos y hasta físicos —los ritos, los silencios, la rutina—, y eso la distingue de dramas que prefieren el cliffhanger moral o el escándalo como herramienta narrativa. Además, «Novitiate» aprovecha su periodo histórico —el Vaticano II— para mostrar un choque generacional dentro de la institución, algo que rara vez aparece con tanta sutileza. No es un ataque frontal ni una glorificación: es más bien una disección de poder, obediencia y cómo cambian las lealtades cuando cambian las reglas. Las actuaciones me dejaron clavado; no buscan grandes gestos, sino pequeños impactos emocionales que suman. En comparación con títulos como «Doubt» o «The Magdalene Sisters», aquí hay menos certezas y más ambigüedad humana. No te da respuestas fáciles y por eso se siente real: la fe no se derrumba de golpe ni se salva con una frase, se va transformando lentamente. Me quedo con la sensación de haber visto un drama espiritual que respeta la complejidad de sus personajes y me dejó pensando en lo que callamos dentro de las instituciones.

Me pegó de inmediato la manera en que Margaret Qualley parece contener todo el torbellino interior con apenas un par de miradas; en «Novitiate» su voz baja y sus pausas cargadas dicen más que cualquier monólogo. Empiezo por lo físico: su postura cambia lentamente a lo largo de la película, desde una rigidez a ratos desafiante hasta una entrega que no llega a ser sumisión total. Esa transición corporal funciona como mapa emocional y te permite seguir la evolución de la duda, la fe y la rabia sin que te lo expliquen con exceso. En lo emocional, la actriz apuesta por la sutileza. No exagera la angustia ni busca el gesto fácil; en su lugar, usa silencios, respiraciones contenidas y pequeños tics que hablan de alguien en conflicto entre deseo y devoción. También me gusta cómo maneja la contradicción: a la vez frágil y decidida, capaz de tender una mano y de endurecer la mirada cuando la institución la presiona. Eso hace que la pregunta principal de «Novitiate» —qué cuesta renunciar y qué cuesta quedarse— se sienta íntima. Al final, su interpretación me dejó con una mezcla de ternura y molestia, porque no resuelve todo y no pretende que lo haga. Es una actuación que exige paciencia del espectador y recompensa con verdad: no te entrega respuestas fáciles, solo una experiencia humana bastante cruda y conmovedora.

Lo que más me atrapó de «Bitelchús» fue su mezcla de comedia absurda y terror doméstico, todo envuelto en una estética extraña que no se toma a sí misma demasiado en serio. La historia principal arranca cuando una pareja relativamente ordinaria, Adam y Barbara Maitland, muere en un accidente y regresa como fantasmas que siguen viviendo en su propia casa. Tiempo después, una familia excéntrica —los Deetz— y su hija Lydia se mudan a la casa. Los recién llegados no respetan el lugar, y los Maitland intentan asustarlos para que se vayan, sin éxito. Desesperados, recurren a un espíritu muy distinto: el caótico y descarado Bitelchús, que se presenta como un “exorcista” sobrenatural dispuesto a ayudar, pero con métodos impredecibles y peligrosos. A partir de ahí la trama se complica: Bitelchús causa estragos, las intenciones de cada personaje se revelan poco a poco y se mezcla lo grotesco con momentos sorprendentes de ternura, especialmente en la relación con Lydia, que tiene una mirada distinta hacia la muerte. Me encanta cómo la película usa ese conflicto entre vivos y muertos para jugar con ideas sobre pertenencia, hogar y rebeldía, todo aderezado con el humor retorcido que define el filme. Al final, la premisa central es ese choque entre dos mundos y la llegada de un ser que lo desordena todo, y lo hace memorable para mí.

Recuerdo quedarme sin aliento la noche que vi «Alive», y desde entonces esa película se quedó pegada en mi cabeza por lo crudo y honesto de lo que cuenta. Narra el accidente del vuelo uruguayo en los Andes en 1972, cuando un equipo de rugby y sus acompañantes quedaron atrapados en la montaña tras el choque. La película muestra el frío extremo, la falta de comida y cómo las personas tuvieron que tomar decisiones impensables para sobrevivir, incluidas medidas extremas que aún hoy generan debates morales y emocionales. Lo que más me impacta es la mezcla entre dolor físico y solidaridad: escenas de camaradería que conviven con la desesperación más pura. Ver a los protagonistas lidiar con la pérdida, el hambre y la búsqueda de esperanza me dejó con un nudo en la garganta. También admiro cómo la cinta no se limita a la espectacularidad del accidente, sino que profundiza en el carácter humano, en la resiliencia y en la forma en que algunos sobrevivientes, como Nando Parrado y Roberto Canessa, encontraron la fuerza para caminar fuera de las montañas y pedir ayuda. No es una película fácil ni complaciente, pero sí una de las más honestas sobre supervivencia real que conozco; te recuerda que, en situaciones límite, la raíz de la vida humana puede ser tanto brutal como sorprendentemente noble.

Nunca pensé que verla me haría replantear recuerdos de misa y convento. Yo salí con una mezcla de rabia y nostalgia; muchas críticas a «Novitiate» giraron en torno a que presenta la vida religiosa casi exclusivamente como opresión. Varios espectadores religiosos y algunos críticos señalaron que la película reduce la experiencia conventual a un catálogo de abusos, represión sexual y castigos, dejando poco espacio para la dimensión espiritual o la camaradería real entre las hermanas. Para quienes han vivido esa realidad, esos matices importan: se sintieron retratadas como víctimas unidimensionales en lugar de personas con fe compleja. También hubo comentaristas que la acusaron de melodramática y simplificadora. Argumentaron que la directora apuesta por imágenes intensas y escenas de conflicto para generar impacto, a costa de contextualizar históricamente procesos como el Concilio Vaticano II. En resumen, muchos reprocharon falta de equilibrio y cierta instrumentalización del dolor. Aun así, yo pienso que, aunque exagerada en momentos, la película abre conversaciones necesarias sobre poder institucional y libertad personal; me dejó pensando en cómo narramos la fe sin caer en clichés.

Me sorprendió lo directo y complejo que es «Novitiate» al tratar la vocación como algo que no se reduce a un susurro divino, sino a una serie de decisiones tensionadas por el deseo, la culpa y la autoridad. En mi caso, lo vi con ojos de alguien que ha pasado por varias comunidades y siempre pregunta: ¿esto es llamado auténtico o pura coerción institucional? La película muestra cómo la idea de vocación puede ser usada para moldear cuerpos y voluntades; no es solo una búsqueda espiritual, sino también un proceso social donde el convento define normas, castiga dudas y premia la obediencia. Además, me llamó la atención cómo el tema del poder se entrelaza con el de la vocación: los superiores ejercen control no solo por autoridad teológica, sino por estructuras de miedo y reputación. Eso cambia la forma en que las novicias interpretan sus sentimientos: lo que podría ser una atracción, un miedo o una crisis de fe se administra como si fuera una desviación a corregir. La tensión entre la llamada personal y la demanda institucional genera escenas donde la libertad parece un lujo. Al final, «Novitiate» me dejó pensando en que la verdadera vocación, si existe, debería sobrevivir al poder que intenta definirla, y que la espiritualidad sin respeto por la persona corre el riesgo de volverse violencia moral.

Me dejó pensando lo complejo que puede ser llamar simplemente «amistad» a la relación que muestra «Verano del 85». Cuando la vi, me atrapó la manera en que la película empieza con un tono juguetón de verano —paseos en barco, camaradería entre chicos, secretos de adolescencia— y poco a poco va tejiendo capas de deseo, rivalidad y culpa que complican cualquier etiqueta sencilla. En la pantalla, la relación entre David y Alexis se construye con gestos muy cercanos: risas, complicidades, peleas tontas, pero también con miradas cargadas de algo más. Esa ambivalencia es lo que hace que la amistad en la película sea creíble y dolorosa a la vez. Además, la forma narrativa refuerza esa ambigüedad. La historia está contada desde la perspectiva de uno de los protagonistas, con el recurso de la confesión y la recreación de recuerdos, lo que introduce el tema del narrador poco fiable: ¿qué parte de lo que vemos es pura amistad y qué parte está coloreada por el deseo o la culpa después de la tragedia? Visualmente, las escenas de verano y camaradería contrastan con pasajes más sombríos y teatralizados que convierten la relación en algo casi mitológico. Desde ese ángulo, «amistad» es apenas la superficie; debajo hay un amor que no se definió con claridad y un peso que transforma la conexión entre los personajes en algo obsesivo. Al final, puedo decir que sí, la película narra una historia de amistad, pero lo hace para descomponerla y mostrar cómo la amistad adolescente puede mezclarse con pasión, celos y culpa. No es una oda limpia a la camaradería; es una exploración de cómo los lazos íntimos en la juventud pueden ser luminosos y destructivos al mismo tiempo. Me quedé con la sensación de que la película celebra la intensidad del verano y también la lamenta, porque esas amistades que parecen eternas pueden romperse en un instante —y eso duele de una manera que queda resonando mucho después de que terminen los créditos.

Me quedé pensando en cómo la historia de esa monja coloca la fe frente a las dudas y, en el proceso, habla de libertad interior. En la película, la protagonista suele representar a alguien que vive entre reglas antiguas y una voz interior más humana; su camino muestra que la espiritualidad no es solo obedecer, sino escuchar, cuestionar y cuidar. Hay escenas que me parecen hechas para subrayar la compasión: sus gestos hacia los demás, pequeños actos de ternura, desmontan la idea de una fe fría y la convierten en una fuerza que acompaña el sufrimiento ajeno. También percibo una crítica leve a las instituciones: no siempre las normas coinciden con la justicia. Al final, lo que me queda es que la verdadera religiosidad, en esa historia, surge cuando uno actúa desde la empatía, aún si eso significa romper moldes. Me dejó con una sensación cálida y un respeto renovado por la posibilidad de creer sin perder la humanidad.

Me encanta cómo una película tan directa como «Commando» puede esconder capas simples pero efectivas de motivación: sí, tiene una fuerte vena de venganza, aunque no es sólo eso. La trama básica —un exsoldado de élite, John Matrix, ve secuestrada a su hija y emprende una cacería implacable para rescatarla— es el esqueleto clásico del cine de acción ochentero, con la venganza funcionando como motor emocional y narrativo. Arius, el villano exdictador, busca ajustar cuentas con Matrix por el pasado, y los secuestradores actúan para forzar a Matrix a cometer un magnicidio; todo gira en torno a castigo, retribución y vuelta de tuerca personal entre perseguidor y perseguido. Lo que me parece fascinante es cómo la película mezcla el gesto de rescate con el placer punitivo del público: vemos a Matrix no solo tratando de salvar a su hija, sino desatando violencia meticulosamente satisfactoria contra quienes le hicieron daño. Esa doble intención —rescatar y vengarse— hace que cada escena violenta tenga sentido narrativo y emocional. Algunas secuencias son puramente de misión (localizar, infiltrarse, liberar), pero muchas están pobladas por encuentros donde la venganza es explícita: Mirar a los antagonistas caer uno por uno es una forma de catarsis pensada para el espectador. En ese sentido, «Commando» funciona como película de venganza y como filme de acción que celebra la eficiencia letal de su protagonista. Además, la venganza en «Commando» no es romántica ni complicada: es directa, casi elemental. No hay largos debates morales; el cariño paternal por la hija y la necesidad de eliminar la amenaza lo justifican todo ante los ojos del relato. Eso la coloca cerca del subgénero de justicieros —el héroe solitario que corrige injusticias con sus propias manos—, aunque aquí el móvil también incluye una respuesta a una afrenta política pasada (la caída del exdictador). La estética ochentera, los diálogos concisos y las situaciones extremas elevan la sensación de que la película quiere, sobre todo, satisfacer esa necesidad simple de ver justicia retribuida. En definitiva, si preguntas si «Commando» narrar una historia de venganza, mi respuesta es que sí, pero no únicamente. Es una película de rescate con la venganza como columna vertebral emocional y dramática, y esa mezcla es lo que la convierte en un placer culpable: acción constante, motivos claros y una descarga final donde todo se paga. Para quien disfruta de una venganza contundente en formato de blockbuster ochentero, sigue siendo una pieza redonda y muy efectiva.