¿Qué Películas Coreanas Han Ganado Premios Internacionales?

Tengo una lista corta pero potente de películas que realmente se llevaron trofeos internacionales y cambiaron la conversación global sobre cine. Pienso en «Parásitos» («Parasite»), que ganó la Palma de Oro en Cannes 2019 y luego hizo historia en los Óscar 2020 llevándose Mejor Película, Mejor Película Internacional, Mejor Guion Original y Mejor Director. Ese salto de festival a premios de la industria fue brutal y mostró que el cine en otro idioma puede resonar con todo el mundo. También me gusta recordar a «Roma», que se llevó el León de Oro en Venecia 2018 y después ganó varios Óscar, entre ellos Mejor Director y Mejor Fotografía. Otras ganadoras internacionales que suelo recomendar son «La vida de los otros» («Das Leben der Anderen»), ganadora del Óscar a la Mejor Película Extranjera, y «Nomadland», que además del León de Oro en Venecia ganó Óscar a Mejor Película y Mejor Dirección. Ver estas películas en sus respectivos festivales y luego verlas coronadas en premiaciones globales me sigue emocionando, porque cada una cuenta historias muy específicas que, sin embargo, tocaron a audiencias del mundo entero.

Me encanta cómo algunas películas rompen etiquetas, y un ejemplo que siempre sale en esas conversaciones es «Parásitos». Yo lo vi por primera vez sin esperar nada de terror explícito, pero la forma en que maneja la tensión, la intrusión y el horror social me dejó helado. Esa mezcla de comedia negra, thriller y momentos de verdadero malestar hizo que críticos y público la consideraran, en ocasiones, cercana al género del terror por su capacidad para provocar angustia constante. Lo más llamativo es que «Parásitos» ganó el premio a Mejor Película en los Óscar (2020), además de la Palma de Oro en Cannes. No es un slasher ni un filme de casas embrujadas, pero si entendemos el terror de forma amplia —como aquello que nos hace enfrentar miedos sociales y existenciales— entonces su victoria es un gran hito para el cine coreano y para el género híbrido. Para mí, esa mezcla de rabia, risa incómoda y tensión continúa resonando días después de verla.

Hace poco estuve recorriendo cientos de listas y reseñas para ver qué películas románticas coreanas recomiendan los críticos, y tengo que decir que hay propuestas para todos los gustos. Los nombres que suelen aparecer una y otra vez incluyen «My Sassy Girl», por su mezcla perfecta de comedia y melancolía que marcó a toda una generación; «Il Mare», que es preciosa por su sencillez y su manejo del tiempo, algo que los críticos elogian por su elegancia narrativa; y «A Moment to Remember», famosa por su capacidad de tocar el lado más sensible sin artificios. En otra línea, los críticos adoran «La doncella» por cómo subvierte los géneros: es una cinta que combina romance, tensión y estética impecable, y esa mezcla la hace favorita en festivales. También aparece «Architecture 101», un retrato nostálgico sobre primeros amores que muchos consideran honesto y bien filmado; y «The Beauty Inside», que se sale de lo convencional con una premisa original y una ejecución que emociona a la crítica por su riesgo formal. En mi experiencia, leer reseñas de críticos amplifica el disfrute: te hacen notar detalles de iluminación, montaje y actuación que uno no siempre percibe en la primera pasada. Al final, esas recomendaciones son un buen mapa para alternar entre comedia, melodrama y romance experimentales, dependiendo de lo que quieras sentir esa noche.

Siempre me sorprende la cantidad de películas en español que han conseguido reconocimiento fuera de nuestras fronteras; es como descubrir pequeñas victorias culturales una y otra vez. Por ejemplo, recuerdo hablar con amigos sobre «La historia oficial», una película argentina que se llevó el Oscar a la Mejor Película Extranjera y que abrió muchas puertas para el cine latinoamericano en los años ochenta. Esa película no solo ganó en Hollywood, sino que puso en la conversación internacional temas políticos y humanos de la región. También me fascina cómo directores de distintas generaciones han logrado lo mismo: «Belle Époque» ganó el Oscar para España, mientras que décadas después «Todo sobre mi madre» también recibió el Óscar a Mejor Película Extranjera, consolidando a Almodóvar como un nombre global. Más reciente, «Roma» barrió en premios internacionales con varios Oscar, incluido Mejor Director y Mejor Película Extranjera, y puso de moda una mirada íntima y en español sobre la memoria y la familia. No puedo cerrar sin mencionar a «Mar adentro», que ganó también el Oscar y emocionó por su abordaje de la dignidad humana, ni a «El laberinto del fauno» («Pan's Labyrinth»), que, aunque fantástica y oscura, se llevó tres estatuillas técnicas en los Oscar. Y en festivales europeos, «La teta asustada» consiguió el Oso de Oro en Berlín. Cada uno de estos triunfos me recuerda que el cine en español tiene voces poderosas que resonan globalmente, y me deja con ganas de revisar esas películas otra vez.

Me llamó la atención desde el primer plano de «Tesis» cómo una película tan joven por su director se atrevía a jugar con el suspense y la violencia audiovisual. Recuerdo que, tras verla, busqué qué premios había recibido y descubrí que su fama principal fue dentro de España: «Tesis» arrasó en los Premios Goya de su momento y puso a Alejandro Amenábar y a su equipo en el mapa nacional. Eso no significa que se quedara solo en casa; la cinta tuvo recorrido en festivales y despertó interés fuera de nuestras fronteras. Si miro con ojo crítico, diría que los galardones más destacados de «Tesis» en 1996 fueron nacionales, aunque su paso por certámenes internacionales le trajo menciones y reconocimiento crítico en el circuito festivalero. No fue, por ejemplo, una película que ganara un Oscar o un premio de gran peso mediático internacional ese año, pero sí funcionó como carta de presentación para su equipo y abrió puertas para futuras proyecciones en el extranjero. Al final, más que la cantidad de trofeos, lo que más recuerdo es cómo «Tesis» cambió la percepción del cine de suspense en España y dejó una huella que todavía se nota al repasar la carrera de Amenábar.

Recuerdo haber leído varias críticas españolas que coincidían en algo: cuando el drama coreano apuesta por personajes complejos y producción cuidada, suele conquistar a la prensa especializada. En España, títulos como «My Mister» han recibido elogios por su profundidad emocional y la honestidad de sus actuaciones; los críticos suelen destacar la forma en que el drama aborda la soledad, la dignidad laboral y las relaciones humanas sin caer en golpes fáciles. Por otro lado, «Signal» aparece con frecuencia en listas por su estructura narrativa impecable y su manejo del suspense; es de esos thrillers que los redactores culturales citan como ejemplo de guion brillante. Tampoco faltan menciones a «Mr. Sunshine», valorado por su ambición estética y su recreación histórica, y a «Kingdom», que mezcla géneros (épico y terror) con una producción cinematográfica que llamó la atención incluso fuera del circuito habitual del drama. Finalmente, es imposible obviar el fenómeno de «El juego del calamar», que muchos críticos en España analizaron más allá del impacto global, resaltando su carga satírica sobre desigualdad y su capacidad para conectar con un público amplio. Si tuviera que resumirlo con una impresión personal, diría que los críticos españoles recomiendan dramas que no sólo entretienen, sino que también invitan a pensar y a discutir temas sociales; esos son los que más perduran en mi lista personal.

Hace años que sigo el cine surcoreano con más curiosidad que devoción ciega, y hay títulos de terror que los críticos suelen poner en lo más alto por buenas razones. Los que más se mencionan son «A Tale of Two Sisters», por su atmósfera opresiva y su construcción de una pesadilla familiar; «The Wailing» («Goksung»), por cómo mezcla lo sobrenatural con el folclore y una tensión creciente que explota al final; y «I Saw the Devil», que muchos críticos ven como una pieza extrema sobre venganza que enlaza horror sanguinario con ideas sobre la monstruosidad humana. También se destaca «Thirst» de Park Chan-wook por su giro vampírico cargado de conflicto moral, y «The Host» de Bong Joon-ho por ser un híbrido entre horror y crítica social con momentos genuinamente inquietantes. Más allá de la lista corta, los analistas suelen valorar la dirección, la fotografía y el uso del sonido: el cine coreano suele convertir silencios y planos largos en cuchillas. Si disfruto de esas pelotas de tensión que estallan en clímax inolvidables, es porque estas películas no buscan solo asustarte, sino dejarte pensando. Al final, me quedo con la sensación de que el mejor terror coreano no está en el susto fácil, sino en la manera en que te obliga a mirar lo que hay debajo de la superficie.

Siempre me resulta emocionante recordar cómo el cine de Carlos Saura logró cruzar fronteras: sí, ganó reconocimientos internacionales por sus películas y su trabajo fue celebrado fuera de España. Durante décadas sus filmes fueron seleccionados y premiados en festivales relevantes, y eso ayudó a que títulos como «Cría cuervos» o «La caza» se escucharan en circuitos de todo el mundo. No siempre hablo de premios con nombres grandilocuentes; muchas veces el hecho de que un festival importante proyecte tu película, que la prensa internacional comente tu trabajo o que haya retrospectivas en otros países ya es una forma de reconocimiento global que Saura disfrutó con frecuencia. Recuerdo ver críticas y reseñas en revistas extranjeras que destacaban su forma de entrelazar memoria, política y emoción, y cómo colaboradores como músicos y actores elevaban cada proyecto. Películas como «Ana y los lobos» y «¡Ay, Carmela!» también tuvieron eco fuera de nuestras fronteras, y con el paso del tiempo surgieron homenajes y premios honoríficos que reconocieron su trayectoria completa, no solo películas aisladas. Además, muchas de sus obras compitieron en secciones oficiales de festivales internacionales, lo que confirma que su cine fue valorado más allá del mercado español. En lo personal, me gusta pensar que el verdadero premio de Saura fue haber creado películas que siguen provocando conversación y que siguen programándose en muestras y ciclos internacionales. Los galardones y las estatuillas son parte de la historia, pero lo que más me impresiona es cómo su lenguaje cinematográfico logró conectar con públicos y críticos fuera de España, dejando una huella tangible en la historia del cine europeo y mundial.

Tengo que confesar que este año la crítica se ha volcado con una mezcla interesante de doramas: algunos son títulos que ya llevan tiempo en boca de todos y otros son joyitas más recientes que ponen el foco en la actuación y la escritura más que en el brillo superficial. Personalmente, me llama la atención cómo vuelven a destacar series que abordan temas sociales con tacto, además de las producciones con estética impecable. Por ejemplo, «The Glory» sigue siendo mencionada por su retrato crudo del acoso escolar y por actuaciones que no permiten mirar a otro lado; los críticos la valoran por su capacidad de incomodar con intención y por la dirección que mantiene la tensión. Si buscas algo para discutir después con amigos, esa es una apuesta segura. Otra recomendación recurrente en reseñas es «Extraordinary Attorney Woo», que suele halagar la frescura en el enfoque de la discapacidad y la normalización de personajes distintos sin sensacionalismo. Los comentaristas elogian el guion que combina ternura y casos bien construidos, además de una protagonista con carisma que sostiene la serie episodio a episodio. En un registro distinto, las críticas también han alabado producciones como «Moving» por su apuesta de alto presupuesto en un thriller de superpoderes, donde la visibilidad y la ambición técnica suman puntos: fotografía, montaje y un elenco sólido hacen que muchos medios la señalen como ejemplo de madurez del género. Para quienes prefieren algo más íntimo, «My Liberation Notes» y «Our Blues» aparecen en listas por su delicadeza para retratar vidas cotidianas y paisajes emocionales, lo que demuestra que la crítica sigue valorando los relatos que respiran y se toman su tiempo. Y claro, no puedo dejar de mencionar a clásicos modernos que siguen recomendándose: «Squid Game» y «All of Us Are Dead» aparecen en discusiones sobre impacto cultural y relevancia temática, no solo por el entretenimiento sino por cómo activan debate social. En resumen, si sigues lo que la crítica recomienda este año, verás una mezcla: dramas que cuestionan, comedias dramáticas con corazón y thrillers con ambición técnica. Yo suelo alternar entre algo que me haga pensar y algo que simplemente me deje enganchado: ambas experiencias me encantan y creo que los críticos han sabido señalar títulos para ambos gustos.