ライブ出演者は流行りの曲をセットリストにどう組みますか？

観客の熱を一気に引き上げたいとき、まず思い浮かべるのは覚えやすいシンセフックを持った曲だ。僕なら'Blinding Lights'をベースにアレンジすることを提案する。イントロのシンセリフが即座に会場をつかんでくれるし、サビのメロディは大合唱に持ち込みやすい。ライブならではのドラマを作る余地がたっぷりある曲だから、バンド色を出しやすいのが利点だ。 具体的には、序盤はテンポを少し落としてエモーショナルなギターカットを入れ、サビ直前で一気に原曲のグルーヴに戻す。そうすることで“爆発”の瞬間が強く感じられる。ブリッジではドラムをシンコペーション寄りに変えて、観客が手拍子で入れるように空間を作る。コーラスはハモリを厚くして、最後のサビで半音上げを入れると歓声が増す。 現場で効く小技もいくつか試している。例えば、サビの一部をコール・アンド・レスポンス化して観客に歌わせるパートを設ける、間奏でリズム隊を落としてスネアだけにしてからフルに戻す、といったダイナミクスの意図的操作だ。音響や照明と合わせるとさらに効果的で、何度か仕込むと僕は確実に盛り上がりが変わるのを感じる。バンドとしての個性をうまく乗せれば、ただの流行曲カバーではなく“その日の名場面”にできるはずだ。

会場の空気を想像してみると、セトリの組み立て方がいかに繊細かよくわかる。制作側と出演者、音響や照明、振付チームが何度も話し合った結果、曲順が決まっていく過程が私は好きだ。まずイベントのテーマや新曲のプロモーションスケジュールが根幹になり、そこから“誰をどの場面で見せるか”が決まる。たとえば『ラブライブ！』系の公演なら、キャラクターの物語性やファンの期待を満たす曲を冒頭やクライマックスに持ってくることが多い。 次に実際の歌唱負担やキーの割り振り、衣装替えのタイミング、バンド演奏の構成など現場技術的な制約が入ってくる。全員で激しく盛り上がる曲を連続させると体力がもたないし、逆に静かな曲が続くと観客の温度が下がる。だからハイテンポとミディアム、バラードを緩やかに織り交ぜることで起伏を作るのだ。ファン投票や過去の配信データが反映されることもあって、実は数字を見ながら感情の流れを調整していることも多い。 当日のモニタリングやリハーサルで最終調整をして、もし誰かが体調不良なら代替の曲順やキー変更が即座に決まる。演者の個性を引き出しつつ、観客を飽きさせない緻密な設計──それがセトリを作る醍醐味で、見るたびに新たな発見がある。

ライブの熱気を思い出しながら並べると、イントロから一気に引き込まれる流れが志帆らしいと思う。ここで挙げるセットリストは、僕が実際に足を運んだ公演や配信映像を元に、代表曲を中心に並べ直した個人的なリストだ。曲順はその日の構成やアレンジで変わるけれど、核になるナンバーはだいたい決まっているので、ライブの“顔”として並べてみた。 1. '星屑のエール' — 軽やかなギターの導入で場内を温めるオープニング向けの一曲。歌詞の伸びがライブだと刺さる。 2. '透明な風' — ミドルテンポで観客との掛け合いが生まれやすい。ここでコーラスを合わせると一体感が出る。 3. '光の扉' — ドラマティックな展開があるため、セットの中盤に置くと効果的。 4. '青い航路' — 海や旅を感じさせるアレンジで、楽器隊のソロが映える。 5. '祈りの言葉' — バラードで聴かせる時間。照明と歌声だけで場の空気が変わる。 6. '崖っ縁のラプソディ' — 少しロック寄りのナンバーでテンションを再度上げる。 7. '無重力のダンス' — リズムが跳ねるダンス曲。若い層が盛り上がるパート。 8. '懐かしい未来' — ノスタルジックなメロディで、感情の起伏を作る。 9. 'Pulse' — ビート感が強く、現代的なサウンドで締めに向かう橋渡しの役割をする。 10. '雨上がりのストーリー' — コーラスが美しく、観客の手拍子が似合う。 11. 'さよならのあとで' — エモーショナルなラスト近くの一曲。 アンコール 12. '夢見る航海' — アンコールの一発目で再び会場をひとつにする定番。 13. '最後の光' — 終演の曲。余韻を残して拍手が長く続くタイプの締め曲だ。 曲ごとに細かいアレンジやキー変更が入ることもあるから、その瞬間ならではの表情を楽しむのが一番だと、僕はいつも思う。

音楽を振り返ると、瞬間ごとに色が付いて思い出が浮かんでくる。友達と一緒に歌って盛り上がれる定番をまとめたプレイリストを作ったので、まずは序盤からみんなで声を出せる曲を並べている。 リストはこうだ：世界に一つだけの花（SMAP）、負けないで（ZARD）、チェリー（スピッツ）、First Love（宇多田ヒカル）、Tomorrow never knows（Mr.Children）、さくらんぼ（大塚愛）、恋するフォーチュンクッキー（AKB48）、ロマンスの神様（広瀬香美）、花（ORANGE RANGE）、未来予想図 II（DREAMS COME TRUE）、いとしのエリー（サザンオールスターズ）、ありがとう（いきものがかり）。どの曲もサビで一緒に歌えば一気に空気が温かくなって、知らず知らずに昔の話が出てくると思う。 選曲の意図はシンプルで、年齢や世代を超えて誰でも口ずさめること。テンポ感やキーも考えて並べたから、流れで盛り上がって、最後は感動的な締めに向かえるはずだ。何度もリピートして、笑い声と一緒に思い出を増やしてほしい。

盛り上がるカラオケ枠の核は流れの作り方だと考えている。イントロから全力でぶつけるのではなく、序盤はやや抑えめで視聴者の耳を掴み、中盤で一気にテンションを上げる。具体的にはまず親しみやすい一曲、例えば『千本桜』のようにみんなで歌える定番を入れてチャット参加を促す。 次にテンポ感を変える曲を一本はさむことで疲労を防ぎ、再び盛り上がるための繋ぎとして『ロキ』みたいなリズミカルな曲を用意する。ラストはコール＆レスポンスができるサビの強い曲、『ロミオとシンデレラ』のような大合唱が期待できるもので締めるのが効果的だ。 私はセットリスト作成時に「歌いやすさ」と「盛り上がる箇所」を見比べる。キーの高低差や裏拍の多さで難易度が偏らないようにするのも忘れずに。映像や歌詞の表示タイミングも合わせれば、視聴者の盛り上がりは自然と大きくなると思う。

ステージで耳にすると、あれ？と思うことがよくある。原曲と比べて歌詞が変わっている箇所は意外に多くて、その変化にはいくつかのパターンがある。曲の最後でフレーズを繰り返して盛り上げたり、間奏にセリフのような短い語りを挟んだり、サビの一部を省略して別の言葉に差し替えるといった小さな改変が代表的だ。こうした変更は単なる「間違い」ではなく、ライブならではの演出や体力配分、会場の空気に合わせた調整であることが多い。 声の出しやすさを優先して語尾を変えるケースも目立つ。高音やロングトーンが続く箇所を短くする、あるいは裏声に切り替えてオリジナルのリズムを保つなど、歌い手がその日のコンディションに合わせて瞬時に判断している。時には放送規制や年齢層を考慮して言葉をマイルドにしたり、地方公演では地元ネタを挟んで観客と距離を縮めるために歌詞を変えることもある。 例えば『Lemon』のカバーをライブで聴いたとき、間奏でほんの短い歌詞を付け加えて感情の高まりを強調していた。原曲の核は保ちつつ、その場だけの言葉が加わることで記憶に残る瞬間が生まれる。そういうライブならではの変化を探すのが自分の楽しみになっている。

確認作業を丁寧にする習慣がある僕は、SNSに流行りの曲を紹介する際にまず「誰がどの権利を持っているか」を明確にするところから始める。作曲者や作詞者と録音（レコーディング）の権利は別物で、カバー動画なのか、楽曲をBGMにして使うのかで必要な許諾が変わる。著作権管理団体に楽曲が登録されているかを調べることが近道になることが多い。 具体的には、投稿するプラットフォームのガイドラインを確認して、配信側が提供するライセンスやツールを使えるかどうかをチェックする。たとえば自分がよく使う'YouTube Audio Library'やそのプラットフォームの著作権ポリシーで許可されているかを確認するだけで、削除や広告分配のリスクを大幅に減らせる。 最終的に、どうしても不明点がある場合は権利者に直接問い合わせるか、配信プラットフォームのライセンス提供サービスを利用する。クレジットを入れるだけでは権利処理にはならないので、そこはいつも念押ししているポイントだ。

友だちと行くたびに気づくんだけど、カラオケのセットリストは世代や行く理由でがらりと変わる。若いグループだと流行りの曲が最初から最後まで占めることが多くて、自分の体感では1回の夜で歌う曲の6〜8割はその時期のチャート上位曲だったりする。盛り上がり重視の選曲なら、みんなが知っている曲を優先するから、1時間に3〜4曲は“今のヒット”を入れるペースだ。 対照的に、昔からの持ち歌を大切にするメンバーと行くと流行曲は試しに1〜2曲歌う程度にとどまる。自分はどちらの場面も好きで、流行曲を歌うときは歌いやすさとウケを考える。つまり、頻度は固定ではなく、グループの年齢構成、会の目的、時間配分で変動する。全体としては、カラオケ客の多くが流行曲を“必ず数曲は歌う”傾向にあるけれど、その比率は場面によって大きく上下する、と結論づけている。