นักวาดควรเริ่มออกแบบคาแรกเตอร์แมว ดํา การ์ตูนอย่างไร?

มีแนวคิดหนึ่งที่ผมชอบใช้เวลาเขียนแมวดำให้เติบโตในเรื่องการ์ตูน นั่นคือการผสมระหว่างความลึกลับกับความเป็นมนุษย์ที่ค่อยๆ เปิดเผย แนวทางแรกเริ่มจากการปูฉากให้แมวดำไม่ใช่แค่สัตว์เลี้ยงธรรมดา แต่เป็นตัวแทนของอดีตหรือความทรงจำ เช่นให้มันปรากฏตัวในช่วงจังหวะสำคัญของชีวิตตัวเอก แล้วค่อยๆ เผยเบาะแสว่ามันมีอดีตหรือพันธะผูกพันบางอย่างกับโลกมนุษย์ เมื่อมีจุดชนวนที่ชัดเจนอย่างการสูญเสียหรือการตัดสินใจครั้งใหญ่ ตัวละครแมวดำจะถูกท้าทายให้เลือกทางเดิน ซึ่งฉากพัฒนาอารมณ์ตรงนี้ต้องเน้นรายละเอียดเล็กๆ เช่นการกะพริบตา การเดินเฉยๆ บนขอบหน้าต่าง หรือการทิ้งของที่มีความหมาย สัญลักษณ์พวกนี้ช่วยทำให้แมวไม่กลายเป็นเพียงฟีเจอร์คอมเมดี้ การพัฒนาในระยะกลางควรผสมฉากฝึกซ้อมกับความล้มเหลว เพื่อให้ผู้อ่านเชื่อมโยงถึงการเติบโตของมันได้จริง ตัวอย่างที่ชอบคือฉากที่แมวดำพยายามช่วยคนที่เกลียดมัน แต่กลับทำให้สถานการณ์แย่ลงก่อนที่จะได้บทเรียนสำคัญ เหมือนฉากใน 'Chi's Sweet Home' ที่ความสัมพันธ์ค่อยๆ ก่อตัวจากความไม่เข้าใจ เมื่อจะสรุปบทบาทสุดท้ายให้แมวดำเป็นฮีโร่หรือผู้คุ้มกัน ควรให้เหตุผลทางอารมณ์และภาพลักษณ์ที่สอดคล้องกัน เช่นแผลเก่าที่ทำให้มันกลัวการใกล้ชิด แต่สุดท้ายเลือกที่จะปกป้องเพื่อแลกกับการยอมรับ นี่แหละทำให้ตัวละครไม่แบนและมีน้ำหนักจริงๆ

ภาพแรกที่วิ่งเข้ามาในหัวคือเงาใหญ่คล้ายธงแดงกับหน้ามุ่ยของนักรบ—นั่นแหละเริ่มต้นงานออกแบบ 'กวนอู' ได้ดีมาก เรามองเป็นขั้นตอน: เริ่มจากซิลูเอ็ตต์ก่อน ให้หาส่วนโค้งแข็งที่ชัดเจน เช่นไหล่กว้าง สะโพกแคบ ทรงผมและหนวดเป็นอีกหนึ่งองค์ประกอบที่ทำให้จำง่าย ลองสเก็ตช์ 20 แบบใน 20 นาที เพื่อค้นรูปทรงที่พูดแทนบุคลิก จากนั้นลงรายละเอียดที่บอกเล่าเรื่องราว เช่นแผลเป็นที่หน้าผาก สัญลักษณ์บนเครื่องแต่งกาย หรือรอยเชื่อมของโลหะที่บอกว่าผ่านการรบมาเยอะ การ์ตูนต้องย้ำจุดเด่นไม่ซับซ้อนเกินไป สีและวัสดุช่วยเล่าเรื่องได้มาก เรามักใช้โทนแดงเข้ม เขียวเข้ม และทองเป็นพาเล็ตหลัก แต่นำเสนอด้วยเท็กซ์เจอร์ง่ายๆ เพื่อไม่ให้ภาพอึดอัด เงาแข็งและขีดเส้นหนาจะให้ความรู้สึกโบราณและดุดัน ในการวางท่าให้คิดถึงการเคลื่อนไหวก่อนจะแข็งทื่อ: ท่าที่พร้อมโจมตีแต่ยังรักษาความสง่าอยู่ จะสื่อความจงรักภักดีและความน่าเกรงขามได้ดี ใบหน้าควรมีช่วงเวลาที่ละมุนได้บ้าง เพื่อให้ตัวละครมีมิติ อย่ารีบตัดสินแบบแรกที่วาด กลับไปปรับซ้ำและทำชีตท่าทางไว้เสมอ นี่เป็นวิธีที่ทำให้ตัวละครดูมีชีวิตมากกว่าการคัดลอกสไตล์เดียวซ้ำไปซ้ำมา

ภาพแรกที่ผุดขึ้นเมื่อพูดถึง 'แมว ดำ' คือเส้นสายฉบับต้นฉบับที่ชัดเจนและกินใจ ผมเป็นคนที่ชอบพลิกดูเล่มมังงะซ้ำ ๆ แล้วมองรายละเอียดที่คนวาดลงไป ดังนั้นเมื่อมีคนถามว่าใครเป็นคนออกแบบตัวละครของ 'แมว ดำ' คำตอบสั้น ๆ ก็คือ นักวาดมังงะต้นฉบับนั่นเอง ชื่อของผู้วาดคือ Kentaro Yabuki — เขาคือคนวาดและออกแบบคาแรกเตอร์ให้กับงานฉบับมังงะ ซึ่งสไตล์ของเขามีทั้งความคมและความนุ่มผสมกัน ทำให้ตัวละครอย่าง Train Heartnet และนักแสดงสมทบมีเอกลักษณ์ที่จำได้ง่าย การ์ตูนหลายเรื่องที่เริ่มจากมังงะมักจะให้เครดิตการออกแบบตัวละครไว้ในหน้าปกหรือคำนำของเล่ม และในกรณีของ 'แมว ดำ' ก็เช่นกัน ลายเส้นดั้งเดิมของ Yabuki ถูกนำไปดัดแปลงเล็กน้อยเมื่อนำมาทำเป็นอนิเมะ เพราะทีมแอนิเมชั่นต้องคำนึงถึงการเคลื่อนไหวและการผลิตเป็นจำนวนมาก แต่แก่นของดีไซน์—การจัดสัดส่วน ทรงผม สัญลักษณ์เฉพาะของตัวละคร—ยังมาจากงานต้นฉบับของเขาเสมอ ส่วนตัวแล้วผมรู้สึกว่าสังเกตเห็นร่องรอยสไตล์ของ Yabuki ได้ง่าย ไม่ว่าจะเป็นการออกแบบเสื้อผ้าแบบชัดเจนหรือการเน้นเส้นที่ทำให้ภาพดูมีพละกำลัง นี่เลยทำให้ฉบับมังงะของ 'แมว ดำ' ยังคงเป็นจุดอ้างอิงที่ดีเมื่อเปรียบเทียบกับฉบับอื่น ๆ ที่ถูกดัดแปลงไปในสื่ออื่น ๆ

เริ่มจากสิ่งเล็กๆ ก่อน: ลองมองแมวเป็นก้อนทรงกลมกับวงรีก่อนแล้วค่อยแตกไลน์รายละเอียดออกมา ฉันมักเริ่มด้วยสี่ขั้นตอนง่ายๆ — ท่าทาง (gesture), โครงร่าง (construction), รายละเอียดหน้า, และสีพื้น — เพื่อไม่ให้จมกับความกังวลตอนแรก การฝึกท่าเป็นหัวใจสำคัญ เพราะแมวสื่ออารมณ์ได้ด้วยเส้นเดียวเท่านั้น ลองสเกตช์ท่า 30 วินาทีเป็นชุดๆ โดยให้โฟกัสเส้นโค้งของหลัง หาง และมุมคอ ฉันชอบเปิดรูปจากเกม 'Neko Atsume' เป็นแรงบันดาลใจเพราะการ์ตูนในเกมสื่อท่าทางชัดเจนและเรียบง่าย หลังจากได้ท่าแล้วค่อยเพิ่มตา หู และรายละเอียดขน เปลี่ยนความหนาเส้นเพื่อบอกระยะใกล้-ไกล เมื่อเริ่มลงสี ให้เลือกโทนสีหลักไม่เกินสามสี แล้วเล่นกับแสงเงาแบบนุ่มๆ เพื่อรักษาความเป็นอนิเมะ ไม่ต้องเน้นเกล็ดขนทั้งหมด ใช้เส้นสั้นๆ เพื่อทำให้ขนดูฟู สุดท้ายอย่าลืมให้พื้นที่ว่างรอบตัวแมว เพื่อให้ซิลูเอทเด่นขึ้น ฉันชอบทิ้งงานสั้นๆ ไว้แล้วกลับมาดูในวันรุ่งขึ้น จะเห็นข้อผิดพลาดง่ายขึ้นและสนุกกับการปรับจูนมากกว่าเดิม

การดัดแปลงรามเกียรติ์ให้เป็นตัวละครการ์ตูนต้องเริ่มจากการเข้าใจภาษาภาพพื้นฐานของวรรณคดีก่อน แล้วค่อยเอามาตีความให้เข้ากับสไตล์ที่เราต้องการ เรื่องแรกที่ฉันมักเน้นเสมอคือการศึกษาศิลปะแบบดั้งเดิมของไทย เช่น หน้ากากโขน ลายปูนปั้น และจิตรกรรมฝาผนังในวัด เพราะองค์ประกอบเหล่านี้ให้ภาษาเชิงสัญลักษณ์ที่ชัดเจน — ทรงผม ลายเสื้อ ผ้าใบคลุม ฯลฯ เมื่อนำมาปรับให้เป็นคาแรกเตอร์การ์ตูน ต้องเลือกว่าจะแทนคุณค่าทางวัฒนธรรมไว้แค่ไหน เช่น จะย่อขนาดรายละเอียดทอลายให้เรียบขึ้นเพื่อให้เหมาะกับสไตล์มังงะ หรือจะเก็บรายละเอียดระดับสูงเพื่อเน้นความอลังการ อีกเรื่องที่ฉันทำบ่อยคือลองผสมผสานภูมิหลังทางวัฒนธรรมกับหลักการออกแบบสมัยใหม่ — เล่นกับซิลูเอต ย้ำเส้นสายสำคัญ และคิดเรื่องสีให้สื่ออารมณ์ของตัวละคร เช่น ทักษะการต่อสู้ของพระรามอาจสื่อด้วยเส้นที่เฉียบคมและพาเลตต์สีเย็น ส่วนตัวร้ายอาจมีองค์ประกอบหน้ากากหรือเกราะที่มีลายโบราณแต่ปรับให้มีแสงเงาแบบกราฟิกสมัยใหม่ วิธีนี้ช่วยให้ผลงานยังคงยึดโยงกับรากวัฒนธรรม แต่ดูสดใหม่และเข้ากับสื่อการ์ตูนได้อย่างลงตัว

ก้าวแรกที่ควรทำคือเลือกเรื่องเล่าหรือคอนเซ็ปต์ที่คุณอยากทุ่มเทจริงๆ เพราะงานโดจินที่เข้าถึงผู้อ่านได้มักเริ่มจากความชัดเจนในหัวข้อและอารมณ์ ถ้าเน้นความโรแมนซ์ ให้คิดว่าฉากไหนจะทำให้คนอ่านรู้สึกสะเทือนใจ ถ้าอยากฮา ให้วางมุกและสปีดการเล่าให้กระชับ ฉันมักเริ่มจากพล็อตสั้น ๆ ไม่เกิน 8–12 หน้าในเล่มแรก เพื่อทดสอบไอเดียและไม่เบื่อก่อนจะลงทุนมากเกินไป การตัดสินใจเรื่องมุมมองตัวละคร โทนสี และระดับความละเอียดของภาพจะช่วยกำหนดขอบเขตงานและทำให้ผู้อ่านรู้ว่าพวกเขาจะได้รับอะไรจากเล่มของเรา เช่น งานที่มีแรงบันดาลใจจาก 'Touhou Project' หรือแนวแฟนฟิคจาก 'Fate' มักจะทำให้แฟนคลับเข้ามาอ่านง่ายเพราะคอนเซ็ปต์ชัดเจน แต่ถ้าเป็นงานออริจินัล ต้องใช้ภาพปกและคำโปรยที่ดึงคนเข้ามาอ่านเร็วขึ้น การลงมือวาดจริงเริ่มจากสตอรีบอร์ดและธัมน์เนล (thumbnail) มากกว่าจะเริ่มลงเส้นใหญ่เลย ฉันให้ความสำคัญกับพาเนลลิ่งและจังหวะการวางฟองคำพูดก่อน เพราะความลื่นไหลของการอ่านคือสิ่งที่ทำให้ผู้อ่านไม่สะดุด ลองเล่นกับขนาดพาเนลเพื่อคุมจังหวะ และใช้ช่องว่างหรือภาพมุมกว้างเพื่อเบรกจังหวะอารมณ์ การเขียนบรรทัดคำพูดให้กระชับช่วยลดพื้นที่ของพาเนลและทำให้ภาพเด่นขึ้น การลงสีหรือโทนขาวดำควรคำนึงถึงการพิมพ์ด้วย—การใช้โทนที่ชัดเจนและคอนทราสต์ดีจะยังคงรายละเอียดเมื่อพิมพ์ออกมา ฉันเองมักทำเวอร์ชันดิจิทัลไว้เผื่อตรวจความอ่านง่ายก่อนส่งเข้าพิมพ์จริง ส่วนการเผยแพร่และโปรโมท อย่าเกรงใจการเริ่มจากสังคมเล็ก ๆ เช่นกลุ่มแฟนคอมมูนิตี้หรือบูธในงานแฟนมีตติ้ง การทำสปอตไลต์สั้นบนโซเชียลมีเดีย โดยใช้ภาพปกสวย ๆ และคำโปรยกินใจ สามารถเรียกความสนใจได้ หากมีงบการพิมพ์ไม่มาก ให้เริ่มจากพริ้นท์ออนดีมานด์หรือแคมเปญเล็ก ๆ ที่งานวงเล็บเล็ก ๆ (เช่นงานคอมิเกะ/แฟนมีต) การร่วมมือกับศิลปินคนอื่นหรือแลกโดจินก็เป็นวิธีดีในการขยายฐานผู้อ่าน ขณะเดียวกันควรใส่ใจเรื่องลิขสิทธิ์เมื่อตั้งใจทำงานที่เป็นแฟนฟิค—ยังสามารถทำได้ แต่ควรรู้ข้อจำกัดและการให้เครดิตที่เหมาะสม ท้ายที่สุด ความสม่ำเสมอและการรับฟังคอมเมนต์คือหัวใจของการเติบโต ฉันเชื่อว่าการปล่อยงานเล็ก ๆ บ่อยครั้งและเก็บความเห็นมาปรับปรุงทำให้สไตล์ของเราชัดเจนขึ้นกว่าเก็บงานใหญ่ไว้ในลิ้นชักนานๆ การทำโดจินคือการเดินทางที่สนุก; ทุกครั้งที่เห็นคนยิ้มกับฉากที่เราวาด มันให้ความรู้สึกอบอุ่นเหมือนได้รับของขวัญชิ้นเล็ก ๆ จากผู้อ่าน

แนะนำเริ่มจาก 'Kiki's Delivery Service' ถ้าชอบแมวดำที่มีบทพูดกวน ๆ แต่ก็น่ารักจนใจอ่อน ฉันติดตามหนังเรื่องนี้ตั้งแต่วัยรุ่นเพราะตัวละครแมวอย่าง 'Jiji' มันเป็นทั้งเพื่อนและกระจกสะท้อนอารมณ์ของตัวละครหลัก ฉากที่ Jiji งอนแหง็กตอน Kiki ต้องเรียนรู้การเติบโตยังคงทำให้ฉันยิ้มทุกครั้ง ทั้งสีสันของเมือง ท่วงทำนองเพลง และมุมกล้องที่จับความสัมพันธ์ระหว่างเด็กหญิงกับแมวดำ มันไม่ใช่แค่เรื่องตลกหรือมิตรภาพอย่างเดียว แต่มีชั้นความหมายเกี่ยวกับการเป็นผู้ใหญ่ การค้นหาตัวตน และการยอมรับข้อบกพร่องของตัวเอง ถ้าต้องให้เหตุผลจริง ๆ ว่าทำไมควรเริ่มที่นี่ ก็เพราะความสมดุลของน้ำเสียง—มีทั้งความสนุกและความอ่อนโยนที่เข้าถึงง่าย ฉากที่ Jiji พูดกับ Kiki ตอนกลางคืน สะท้อนความอ่อนแอและความกล้าในเวลาเดียวกัน ฉันยังคิดว่าแฟนใหม่จะได้รับความอบอุ่นแบบไม่ซับซ้อน แต่ก็น่าจดจำพอที่จะผลักดันให้ไปหาอนิเมะแมวเรื่องอื่น ๆ ต่อ จบด้วยภาพที่คงอยู่ในหัวจนอยากกลับมาดูซ้ำอีกครั้ง

เริ่มต้นฉันมักจะโฟกัสที่ทรงเงาและซิลลูเอตก่อนเสมอ — หัวการ์ตูนที่อ่านง่ายได้จากรูปทรงใหญ่ๆ ก่อน แล้วค่อยเติมรายละเอียดทีหลัง การทำแบบนี้ช่วยให้ฉันไม่หลงทางเมื่อเริ่มวาด: วาดวงกลมใหญ่สำหรับกะโหลก ตัดมุมด้วยเส้นกรอบคาง หรือเติมสี่เหลี่ยมเล็กๆ เพื่อให้ตัวละครดูแข็งแรง จากนั้นทดลองเปลี่ยนรูปทรงให้สุดโต่ง เช่น ทำคางแหลมหรือหน้ากลมมากขึ้น เพื่อหาเอกลักษณ์ เมื่อได้ซิลลูเอตที่น่าสนใจแล้ว ฉันจะวางเส้นแนวกึ่งกลางหน้าเพื่อกำหนดตำแหน่งดวงตา จมูก ปาก แล้วสเก็ตช์ตาแบบต่างๆ ในสเก็ตช์ย่อหน้าเดียวกันเพื่อเลือกอารมณ์ที่ชัดที่สุด อีกเทคนิคที่ฉันชอบคือทำ 'ไทม์ไลน์หน้าตา' สั้นๆ — วาดหัวเดียวกันในมุม 3/4, หน้า, และโปรไฟล์ แล้วสังเกตว่าเส้นคางกับคอสัมพันธ์กันอย่างไร การฝึกแบบนี้ช่วยให้ตัวละครยังคงจดจำได้แม้เปลี่ยนมุม มันเหมือนที่เห็นในงานของบางคน เช่น 'One Piece' กับการออกแบบที่ใช้ทรงเรียบง่ายแต่เด่นสุดๆ หรือการ์ตูนตลกอย่าง 'SpongeBob' ที่เล่นกับรูปร่างสุดโต่งเป็นหลัก ท้ายสุดอย่ากลัวที่จะลบแล้ววาดใหม่เยอะๆ กระบวนการทดลองนี่แหละทำให้หัวการ์ตูนมีชีวิต การลงสีและลายเส้นที่ประหยัดเส้นก็ช่วยขับให้หัวนั้นอ่านง่ายขึ้น ลองเก็บสเก็ตช์ที่ชอบเป็นชุดเล็กๆ แล้วค่อยพัฒนาเป็นไดอะแกรมของตัวละครดู — มันให้ความพึงพอใจเวลาที่ตัวละครเริ่มรู้จักตัวเอง

มุมหน้าตรงที่ชัดเจนช่วยให้คาแรกเตอร์จดจำได้ทันที มุมหน้าตรงคือจุดเริ่มต้นที่ดีเพราะมันเผยรายละเอียดพื้นฐานของใบหน้าและสัดส่วนให้คนดูรับรู้ได้ทันที ฉันมักจะให้ความสำคัญกับซิลูเอตต์ตอนวาดมุมนี้—หากเส้นผม รูปรูปหน้า หรือเครื่องประดับมีรูปแบบเฉพาะเพียงพอ คนดูจะจำได้แม้เห็นเป็นภาพเงา ตัวอย่างเช่นเส้นหมวกของ 'One Piece' ทำให้รู้ว่าเป็นลูฟี่ได้แม้ไม่เห็นหน้าชัด ๆ มุม 3/4 เป็นมุมมหัศจรรย์ที่ให้ความรู้สึกมีมิติและบุคลิก นิยามคาง รูปตา และสันจมูกให้แตกต่างเมื่อมองจากมุมนี้ ฉันมักจะปรับความหนาของเส้นที่ขอบเงาและเติมไฮไลท์เล็กน้อยที่ตาเพื่อให้หน้าดูมีชีวิต การจัดแสงเชิงมุมช่วยขับจุดเด่น เช่น แผลเป็นหรือเครื่องประดับ ให้เด่นขึ้นจากพื้นผิวใบหน้า มุมข้างหรือโปรไฟล์มักเป็นตัวบอกอารมณ์เงียบ ๆ มากที่สุด การออกแบบสัดส่วนคาง จมูก และหูให้มีเอกลักษณ์ เช่น การทำคางยาวหรือจมูกเชิด จะทำให้โปรไฟล์จำง่าย ฉันชอบลองสเก็ตช์หลาย ๆ เวอร์ชันแล้วเลือกเวอร์ชันที่ยังคงอ่านค่าได้จากระยะไกล เพราะการจดจำมักเริ่มต้นจากการเห็นภาพรวมก่อนแล้วค่อยแพะรายละเอียดทีหลัง

พูดถึงเรื่องนี้แล้ว คงต้องเริ่มจากชื่อผู้สร้างที่เป็นหัวใจของงานชิ้นนี้ นามว่า Kentaro Yabuki (矢吹健太朗) เขาเป็นผู้แต่งต้นฉบับของการ์ตูนเรื่อง 'Black Cat' ซึ่งถูกตีพิมพ์ลงในนิตยสาร 'Weekly Shonen Jump' ระหว่างปี 2000 ถึง 2004 งานชิ้นนี้มีเอกลักษณ์ทั้งด้านการดีไซน์ตัวละครที่เฉียบและการวางจังหวะเรื่องราวที่ผสมทั้งแอ็กชัน ดราม่า และมุกตลกได้อย่างลงตัว ตัวเอกอย่าง Train Heartnet หรือที่แฟน ๆ เรียกกันว่า 'Black Cat' เองก็ถูกรังสรรค์ให้มีมิติทั้งความเจ็บปวดจากอดีตและความเปลี่ยนแปลงของค่านิยม ซึ่งทำให้เรื่องนี้ไม่ใช่แค่หนังบู๊ธรรมดา แต่ยังให้แง่คิดเกี่ยวกับความยุติธรรมและเสรีภาพด้วย ฉันจำภาพการดีดปืนของเทรนและแผงหน้าสวย ๆ ที่ว่าเป็นฉากไฮไลต์ได้เสมอ ลักษณะงานของ Yabuki มีความเป็นคอมเมดี้ผสมโรแมนติกแบบชัดเจน ยิ่งพอมาเทียบกับผลงานหลัง ๆ ของเขาอย่าง 'To LOVE-Ru' ก็จะเห็นพัฒนาการในงานอาร์ตและการจัดเฟรมช็อตที่ละเอียดขึ้น ความสามารถในการวาดโครงหน้าตัวละครให้แสดงอารมณ์ได้ชัดคือจุดแข็งที่ทำให้ฉากสนทนาและฉากเฮฮาของเรื่องมีน้ำหนักไม่ต่างจากฉากแอ็กชัน ฉันเองมักจะชอบไล่ดูรายละเอียดเส้นผม เงา และการเคลื่อนไหวเล็ก ๆ น้อย ๆ ที่ทำให้รู้สึกว่านี่เป็นผลงานของคนที่เข้าใจการเล่าเรื่องด้วยภาพอย่างแท้จริง ซึ่งทำให้การอ่านมังงะเล่มต่อเล่มเป็นประสบการณ์ที่น่าติดตาม เมื่อพูดถึงผลกระทบด้านสื่อ ก็ต้องบอกว่าอนิเมะที่ผลิตโดยสตูดิโอ Gonzo ในปี 2005 ช่วยกระจายชื่อเสียงของเรื่องนี้ให้กว้างขึ้น แม้เวอร์ชันอนิเมะจะมีการดัดแปลงเนื้อหาและจังหวะบางจุด แต่ฉากบู๊และซาวด์แทร็กก็ส่งเสริมอารมณ์ได้ดี ทำให้แฟนทั้งกลุ่มเดิมและกลุ่มใหม่หันมาสนใจต้นฉบับมังงะมากขึ้น การที่เรื่องยืนได้ทั้งในรูปแบบหนังสือและแอนิเมชันเป็นเครื่องยืนยันว่าความแข็งแกร่งของคาแรกเตอร์และธีมที่ Yabuki สร้างขึ้นมีพลังเพียงพอจะข้ามสื่อได้ ฉันเองมักจะย้อนกลับไปเปิดบทไหนที่ชอบเมื่อต้องการความสนุกแบบรวดเร็วหรือความคิดเรื่องความรับผิดชอบกับอดีตที่ยังติดตัว สรุปแล้ว ชื่อของ Kentaro Yabuki เป็นคำตอบชัดเจนสำหรับผู้แต่งต้นฉบับของ 'Black Cat' และความทรงจำกับงานชิ้นนี้ยังคงอบอุ่นในใจเสมอเพราะมันไม่ได้มีแค่เรื่องยิงกัน แต่ยังพูดถึงความเป็นมนุษย์ด้วยมุมมองที่ไม่หวือหวาเกินไป ซึ่งทำให้ผมยังคงรู้สึกอยากหยิบมาอ่านใหม่เป็นครั้งคราว