Director De Cine

Hace años que discuto sobre cine con amigos de distintas generaciones y, si tengo que señalar a un director que cambió las reglas del juego en España y más allá, mi voto va a Luis Buñuel.

Descubrí «Un perro andaluz» en una clase de cine y me voló la cabeza: esa mezcla de surrealismo, crítica social y humor negro no es solo estética, es una forma de pensar la imagen. Buñuel rompió tabúes, fue un puente entre la vanguardia europea y el cine industrial, y películas como «Viridiana» o «El ángel exterminador» siguen siendo referencias obligadas para directores que buscan subversión y libertad expresiva.

No puedo ignorar que trabajó fuera y dentro de España, y que esa trayectoria errante ayudó a difundir una manera radical de entender el cine. Si hablamos de influencia histórica, ideológica y formal, Buñuel sigue siendo mi elección: cambió lo que el cine podía decir y cómo lo podía decir, y por eso sus sombras se siguen viendo en muchas películas contemporáneas.

No puedo evitar emocionarme cuando pienso en quiénes acaparan premios dentro del cine español; he seguido esto desde que empecé a coleccionar críticas y recortes.

Pedro Almodóvar es el nombre que suele salir primero: ha recogido multitud de Goyas y reconocimientos internacionales, incluidos premios Oscar y galardones en festivales clave, gracias a títulos como «Todo sobre mi madre» y «Hable con ella». Su carrera se mide tanto por la calidad constante como por la visibilidad fuera de España, y eso suma muchos trofeos y menciones.

En paralelo, los clásicos no se quedan atrás. Luis Buñuel, con obras como «Viridiana», logró prestigio internacional desde hace décadas, incluyendo premios en Cannes y otras citas importantes; su legado sigue traduciéndose en homenajes y reconocimientos póstumos. Carlos Saura es otro habitual de las listas: festivales, premios nacionales y una filmografía que ha sido premiada una y otra vez. También hay generaciones más jóvenes que han conseguido montones de Goyas y algún premio internacional: Alejandro Amenábar con «Mar adentro», Fernando Trueba con «Belle Époque» o José Luis Garci con «Volver a empezar» han ganado el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa, lo que los coloca como directores extremadamente premiados.

Si quiero resumirlo a mi manera, diría que medir "más premiados" depende del foco —Goyas, festivales europeos o premios de la Academia—, pero nombres como Almodóvar, Buñuel, Saura, Amenábar, Trueba y Garci aparecen siempre en la cima, cada uno con una trayectoria que justifica su montaña de premios y reconocimientos.

Me fascina cómo la historia y la personalidad de un director acaban filtrándose en cada plano que firma.

Luis Buñuel nació en Calanda en 1900 y terminó siendo una figura fundacional del cine surrealista mundial. Tras su etapa con «Un perro andaluz» y «La edad de oro», su mirada crítica y subversiva siguió evolucionando entre países y sistemas: de España a México y Francia, siempre con un humor corrosivo y una ironía implacable hacia las convenciones sociales y religiosas. Su biografía es la de un provocador cultivado, amante de la poesía y de las imágenes poderosas.

Pedro Almodóvar, por otro lado, es el retrato de una España que se reinventó tras la dictadura. Nacido en La Mancha en 1949, saltó de la movida madrileña a la fama internacional con títulos como «Mujeres al borde de un ataque de nervios», «Todo sobre mi madre» y «Hable con ella». Su cine mezcla melodrama, color y música, con personajes femeninos complejos y una obsesión por el deseo y la identidad. Leer sobre su vida es entender el cambio cultural de un país que aprendió a reírse de sí mismo y a gritar su verdad.

Me pegó fuerte la mezcla de terror, simbolismo y humor oscuro en «Nosotros», y al seguir los créditos entendí por qué Jordan Peele fue quien dirigió la película. Yo sentí desde el principio que no era un director contratado para reventar taquillas con sustos fáciles: Peele escribe, produce y dirige pensando en el mensaje tanto como en la forma. Viene de un golpe monumental con «Get Out», y con esa libertad creativa decidió empujar más lejos la idea de usar el horror como espejo social, explorando la dualidad, la identidad y la violencia contenida en la sociedad estadounidense.

Me impresionó la manera en que Peele construye imágenes potentes —los tijeras, los espejos, los dobles— y cómo monta escenas que funcionan en varios niveles: terror puro, metáfora social y puzzle narrativo. Creo que eligió dirigir porque quería controlar cada elemento: la actuación, la dirección de cámara, la banda sonora de Michael Abels y el ritmo del montaje. Eso le permite sembrar pistas sutiles y jugar con el tono, algo que habría sido más difícil si alguien más hubiera tomado el timón.

Al final me encanta que haya alguien dispuesto a arriesgarse así; Jordan Peele dirige «Nosotros» porque tiene una voz autoral definida y quería contar una historia inquietante y compleja sin sacrificar su visión. Para mí, esa mezcla de entretenimiento y reflexión es lo que convierte a «Nosotros» en una experiencia memorable.

Siempre me viene a la mente la fuerza del paisaje cuando pienso en esa película; la memoria me la devuelve como si fuera una escena en un cine antiguo. El título que muchos recuerdan mal como «nuestro lugar en el mundo» en realidad es «Un lugar en el mundo», y fue dirigida por Adolfo Aristarain. Recuerdo que la primera vez que leí el nombre del director me sorprendió la manera en que su firma aparece en relatos que mezclan lo íntimo con lo social: su mano se nota en la construcción de personajes y en la forma en que el pueblo y la naturaleza funcionan casi como protagonistas.

Vi «Un lugar en el mundo» en una sesión nocturna con un grupo de amigos que debatía cine argentino, y quedé marcado por la sutileza dramática. Aristarain no usa gestos grandilocuentes; su dirección apuesta por el detalle, por el tiempo que necesita una escena para respirar. Esa elección hizo que durante años retomara la película cuando quería entender cómo se cuenta una historia donde las pequeñas decisiones revelan la historia de fondo de una comunidad.

Al final, lo que más me quedó fue el respeto por la verdad humana que transmite la película: gracias al pulso de Adolfo Aristarain, «Un lugar en el mundo» se siente honesta y necesaria, una de esas obras que te siguen hablando mucho tiempo después de que se apagan las luces.

Tengo un recuerdo nítido de verla en una sala casi vacía y quedarme pensando en quién habría dirigido una historia así: la película «Más allá» fue dirigida por Clint Eastwood.

Recuerdo que la sensación general del filme era sobria, con un ritmo contemplativo y un enfoque humano muy propio del director. Eastwood suele preferir historias sobre la fragilidad y la resiliencia, y eso se nota en «Más allá», donde el tema de la vida después de la muerte y las conexiones entre personas se trata sin sensacionalismo. La dirección es medida, los planos suelen dejar espacio para la reflexión y la cámara acompaña más que grita.

Después de verla me quedé con la impresión de que era una película que invitaba a pensar sin imponer respuestas. Es una pieza típica del estilo maduro de Eastwood: elegante, directa y con una mirada compasiva hacia sus personajes.

Me encanta hablar de cine de terror español porque tiene voces muy distintas, desde maestros del miedo clásico hasta autores contemporáneos que reinventan el género con audacia y humor negro. Si buscas directores españoles que han hecho películas de terror, hay una lista rica y variada: Narciso Ibáñez Serrador, Jaume Balagueró, Paco Plaza, Álex de la Iglesia, Juan Antonio Bayona, Rodrigo Cortés, Nacho Vigalondo, Jess Franco, Amando de Ossorio y Paul Naschy son algunos de los nombres que más suenan y que me parecen imprescindibles.

Cada uno aporta un sello propio. Jaume Balagueró y Paco Plaza se hicieron populares por la saga «REC», una mezcla trepidante de found footage y claustrofobia urbana; Balagueró también firmó «Los ojos de Julia», más enfocado en el suspense y el terror psicológico. Álex de la Iglesia juega con lo grotesco y lo satírico en títulos como «El día de la bestia» y «Balada triste de trompeta», donde el horror se funde con comedia negra y una estética muy personal. Juan Antonio Bayona alcanzó gran repercusión internacional con «El orfanato», una película que me sigue pareciendo perfecta en la gestión de atmósfera, emociones y sustos contenidos.

Rodrigo Cortés es otro director que ha hecho suyo el thriller con toques de horror; «Enterrado» es un ejercicio de tensión implacable rodado casi en su totalidad dentro de un ataúd, y muestra cómo el miedo puede surgir de lo más cotidiano. Nacho Vigalondo aporta un enfoque más de ciencia ficción/horror con títulos como «Los cronocrímenes», donde la paranoia temporal se convierte en una experiencia angustiosa y fascinante. En el terreno más clásico y de culto están figuras como Jess Franco, prolífico creador de cine de explotación y terror con películas como «Vampyros Lesbos», y Amando de Ossorio, responsable de la mítica serie de los «Muertos Vivientes» conocida por «La noche del terror ciego». Paul Naschy (Jacinto Molina) merece mención por sus criaturas y su aporte al cine fantástico español, con ciclos de hombres lobo y monstruos que formaron toda una era.

Recomiendo empezar por un par de ejemplos complementarios: para sentir el pulso moderno y la tensión social, «REC» y «Los ojos de Julia» son lecturas necesarias; para el terror más atmosférico y emocional, «El orfanato» funciona perfecto; si te interesa el terror con toques de autor y humor negro, nada como Álex de la Iglesia. Para los curiosos del cine de culto, ir a por Jess Franco, Amando de Ossorio y Paul Naschy abre una veta oscura y apasionante del cine español que influyó a mucha gente fuera de nuestras fronteras. Disfruto revisitando estas películas porque cada visionado descubre detalles nuevos, y siempre es un placer recomendar títulos que asustan y se quedan en la cabeza por su personalidad.