¿Dónde Comer En Montornès Del Vallès?

Me quedé sorprendido la primera vez que repasé el elenco de «El valle salvaje» y noté cuánto había cambiado entre temporadas; fue como mirar la misma foto con distintos filtros. En la temporada inicial la química entre los protagonistas marcaba el tono de la serie, pero ya en la segunda y tercera puerta se abrieron cambios visibles: algunos personajes secundarios que parecían fijos pasaron a tener menos escenas, mientras que otros antes marginales subieron de rango y terminaron como secundarios recurrentes. También hubo un par de recastings en roles menores y uno que otro cameo que dejó de repetirse, lo que alteró la dinámica en ciertas subtramas. Desde el punto de vista narrativo, parte de esos cambios se sintió lógico: hubo saltos temporales y giros que pedían rostros nuevos o versiones más maduras de personajes, así que las ausencias se explicaron con traslados, muertes o decisiones que empujaron la historia en otra dirección. Pero fuera de la trama también se notaron razones más prácticas: contratos, agendas de rodaje y, según rumores de pasillo, cambios en la dirección creativa que quisieron refrescar la plantilla. Personalmente, esos ajustes fueron una mezcla. Hubo momentos en que eché de menos la química original porque ciertos lazos se diluyeron, pero al mismo tiempo agradecí que se apostara por caras nuevas que renovaron el conflicto y aportaron energía distinta. Al final creo que «El valle salvaje» logró mantener su pulso, aunque con una textura diferente en cada temporada, y eso lo hizo más impredecible y, para bien o para mal, más vivo.

Me encanta lo panorámico que queda «Valle Salvaje» en las escenas al aire libre; por eso me fijé en dónde las habían rodado. La mayor parte de las tomas exteriores se grabaron en varias localizaciones de España para acentuar distintos tipos de paisaje: los parajes semiáridos y amplios fueron filmados en las Bardenas Reales (Navarra), que aportan ese cielo inmenso y las formaciones erosionadas; las secuencias más boscosas y húmedas se rodaron en la Sierra de Grazalema (Cádiz), donde los picos y los olivares dan otra textura visual; y las escenas más abruptas con cañones tuvieron lugar en el Cañón del Río Lobos (Soria), ideal para tomas con roca y sombras profundas. Además de esos enclaves naturales, el equipo pasó tiempo en pequeños pueblos de Burgos y en alrededores de Madrid para rodar escenas de la “zona habitada”, usando fachadas y calles reales que no suenan en los créditos pero sí alimentan la autenticidad. También hubo trabajo en plató en estudios madrileños para interiores, lo que ayudó a combinar control técnico con la belleza de los exteriores. En el rodaje se notaba la mezcla de localizaciones por logística, estética y permisos, y la decisión le dio a la serie una paleta diversa que yo disfruto mucho. Si te interesa cómo cambia la atmósfera entre una escena y otra, fijarte en la luz y en la vegetación te confirma qué lugar estaba detrás de cada toma; para mí, esa variedad es de las cosas que hacen a «Valle Salvaje» tan envolvente.

Me sorprende cómo, años después, los críticos siguen discutiendo a fondo a «El valle de la violencia» con una mezcla de cariño y escepticismo. Algunos lo celebran como un homenaje consciente al western clásico: elogian la estética cuidada, la paleta de colores polvorienta y la manera en que Ti West juega con los silencios antes de estallar en violencia. Destacan las actuaciones como el motor que mantiene el filme a flote, y aprecian que haya humor negro que quiebra esa solemnidad típica del género. Pero no todo son flores: muchos señalan que el guion se apoya demasiado en los golpes de argumento y que ciertos personajes quedan planos, usadas más como herramientas para la venganza que como seres complejos. En conjunto, la crítica actual lo coloca como una pieza entretenida y algo irregular, perfecta para quien disfruta los pastiches y las películas que no se toman demasiado en serio. A mí me sigue pareciendo una joyita imperfecta, ideal para una tarde de cine con palomitas y conversación después de los créditos.

Siempre me ha parecido que el esperpento es la receta perfecta de Valle-Inclán para convertir lo cotidiano en una farsa dolorosa que obliga a mirar hacia dentro. En mi lectura, lo esencial del esperpento es esa deformación deliberada de la realidad: personajes y escenarios vistos como en un espejo cóncavo, donde todo aparece exagerado, grotesco y a veces repulsivo. Valle-Inclán no busca el realismo mimético, sino una verdad más cruda a través de la caricatura; la humanidad se despersonaliza hasta convertirse en una especie de marioneta moral. Esa deshumanización sirve para denunciar la decadencia social y política, y se expresa tanto en la física como en el lenguaje. Además, la mezcla de tonos —lírica límpida junto a vulgaridades y coloquialismos— crea un contraste que desorienta y golpea. Obras como «Luces de Bohemia» muestran ese humor negro, el fatalismo y la ironía que atraviesan el esperpento: la risa y la pena se superponen. Para mí, esa capacidad de convertir la tragedia en esperpento es lo que hace que su crítica siga siendo vigente, porque obliga a reír para no llorar, y al reír te revela la podredumbre que preferías ignorar.

Me resulta imposible separar el efecto teatral de Valle-Inclán de las noches de platea en las que se siente que el país entero se refleja en un espejo deformado. He visto a varias generaciones leer y montar «Luces de Bohemia» como si fuera un mapa: la invención del «esperpento» no es solo una técnica dramática, es una herramienta crítica que transforma lo grotesco en denuncia. Valle-Inclán rompió con el realismo decimonónico y creó una estética donde la deformación moral y física de los personajes revela la podredumbre social. Esa idea se traduce hoy en dramaturgia, cine y televisión cada vez que alguien usa la caricatura para señalar injusticias. Además, su obra en prosa —las «Sonatas»— y su lenguaje poético dejaron huellas en el español moderno. No solo introdujo palabras y giros arriesgados, sino que también legitimó una manera de escribir que mezcla arcaísmos con coloquialismo, creando ecos que aún resuenan en novelistas y guionistas. Su legado institucional también es visible: festivales, tesis universitarias y montajes constantes mantienen viva la discusión sobre España y su historia. Para mí, Valle-Inclán sigue siendo el autor que nos obliga a mirar feo para entendernos mejor.

Recuerdo claramente la sensación de asombro que me invadió al volver a repasar la historia de «En busca del valle encantado»; es una película que mezcla aventura y ternura de forma muy directa. La trama gira alrededor de Littlefoot, un joven dinosaurio de cuello largo que pierde a su madre durante una gran inundación y queda separado de su manada. Desde ese punto, su objetivo principal es encontrar el legendario Valle Grande, un lugar donde supuestamente hay alimento y seguridad para todos los dinosaurios. En su viaje se une con otros pequeños que también han quedado huérfanos o perdidos: la testaruda Cera, la optimista Ducky, el nervioso Petrie y el silencioso Spike. Cada uno aporta una forma distinta de ver el mundo y juntos atraviesan desiertos, bosques secos y lugares llenos de peligros, incluyendo encuentros con un temible depredador conocido como Sharptooth. La película alterna momentos de peligro real con escenas de compañerismo y humor infantil. Lo que me sigue pegando es que, pese a ser una historia pensada para niños, trata temas duros como la pérdida, la resiliencia y la importancia de la amistad. Al final llegan al Valle Grande y el viaje funciona más como una escuela para crecer que como una simple búsqueda física. Me quedo con la mezcla de tristeza y esperanza que transmite: una aventura que, además de entretener, enseña a seguir adelante incluso cuando todo parece perdido.

Me viene a la cabeza la imagen de los pequeños dinosaurios caminando hacia el valle cada vez que alguien me pregunta dónde ver «En busca del valle encantado» aquí en España. Si lo que buscas es comodidad inmediata, lo más habitual es pasar por tiendas digitales: en mi experiencia suelen aparecer copias para compra o alquiler en Apple TV/iTunes, Google Play Películas, YouTube Películas y Amazon Prime Video (no dentro del catálogo de Prime, sino en la sección de alquiler/compra). Buscar el título en español «En busca del valle encantado» o el original «The Land Before Time» ayuda a no perder tiempo con resultados erróneos. Otra vía que uso mucho es consultar servicios que rastrean catálogos, como JustWatch; te muestran al momento qué plataformas lo tienen disponible en España y si está en alquiler, compra o en algún servicio de suscripción. Si prefieres formato físico, la peli se consigue en DVD o Blu-ray en tiendas online y a veces aparece en ediciones de coleccionista; también hay buenas ofertas en plataformas de segunda mano como Wallapop o eBay. No hay que olvidar la tele abierta y los canales infantiles: de vez en cuando cadenas como Clan o programaciones especiales de RTVE emiten clásicos animados, así que conviene mirar la programación. En lo personal, me encanta tener la copia digital para verla con los peques y la física en la estantería para esos momentos de nostalgia: siempre es un placer volver al valle encantado.

Nunca he olvidado la sorpresa al descubrir que «Nausicaä del valle del viento» llegó a las salas españolas bastante después de su estreno en Japón; según las referencias de distribución en España, la película se estrenó comercialmente en cines españoles el 2 de octubre de 1992. Yo, que siempre he seguido la trayectoria de Miyazaki, noté que aquella llegada fue parte de una ola más amplia de interés por el animé en España durante los años 90, cuando muchas obras clásicas empezaron a encontrar público más allá de ciclos y festivales. Ese estreno comercial permitió que generaciones nuevas pudieran verla en pantalla grande, con doblaje y copias que circulaban por cines especializados y alguna sala cinematográfica más generalista interesada en cine de animación internacional. Aquel estreno no fue el único contacto de España con la película: antes y después hubo pases en festivales, emisiones televisivas y, sobre todo, ediciones en vídeo y DVD que ampliaron su alcance. Recuerdo que muchos fans descubrieron «Nausicaä» primero en VHS o en programas especiales, y luego tuvieron la oportunidad de vivir la experiencia cinematográfica cuando la distribuyeron oficialmente en 1992. La difusión en los 90 consolidó el estatus de la película entre los aficionados al animé y a la obra de Miyazaki; además, facilitó el interés por posteriores estrenos de Studio Ghibli en España, que llegaron de forma más regular con los años, tanto en salas como en formatos domésticos restaurados. Siguiendo la huella de ese estreno, la película ha tenido reestrenos, restauraciones y nuevas ediciones en formato doméstico que han ido presentando la obra a públicos distintos. Yo sigo regresando a «Nausicaä del valle del viento» cada cierto tiempo: su mezcla de épica ambiental, personajes complejos y diseño de mundo me sigue emocionando, y pensar que la vimos por primera vez en cines españoles un 2 de octubre me da nostalgia. Fue una fecha que, para muchos de nosotros, marcó el inicio de una relación más intensa con el cine de animación japonés en España, y todavía se aprecia cómo esa llegada tardía ayudó a formar la comunidad de seguidores que hoy celebra las películas de Miyazaki con pasión.