¿Dónde Rodaron Las Escenas Clave De Cruella 101 Dalmatas?

Tengo un cariño especial por cómo diferentes actrices han reinventado a Cruella a lo largo de los años. Si hablamos de adaptaciones cinematográficas modernas, en la película «Cruella» (2021) la protagonista Estella/Cruella está interpretada por Emma Stone, y la villana socialmente elegante, la Baronesa von Hellman, la hace Emma Thompson. Los compinches y personajes clave en esa versión incluyen a Joel Fry y Paul Walter Hauser como los pícaros que forman parte del equipo de Estella, y a Mark Strong como una figura importante en la trama. Además, Kirby Howell‑Baptiste interpreta a Anita Darling en esa reconstrucción del mundo de los dálmatas. Por otro lado, en la versión de acción real «101 Dálmatas» (1996) la inolvidable Cruella de Vil fue interpretada por Glenn Close. En esa película, Jeff Daniels da vida a Roger Radcliffe y Joely Richardson interpreta a Anita. También aparecen personajes secundarios y la clásica figura de la niñera (Nanny) que sostienen el tono familiar de la historia. Si te interesa ver la evolución de la villana, comparar la intensidad y el diseño de personajes entre «101 Dálmatas» y «Cruella» es un ejercicio fascinante: una es más caricaturesca y malévola, la otra explora orígenes y motivaciones con un tono punk y de época. Me quedo con la mezcla de humor negro y moda que traen las versiones modernas.

Me encanta imaginar cómo transformaron los estudios en la Nueva Inglaterra de «Mujercitas». En la versión de 1949 gran parte del trabajo se hizo dentro de los estudios de MGM en Culver City: los interiores más importantes, como la sala de la casa de las March, los dormitorios y las escenas íntimas, fueron construidos como decorados en sonido para controlar la luz, el vestuario y la dirección de cámara. Las escenas exteriores más memorables —la nieve, las calles del pueblo y los encuentros al aire libre— se rodaron mayormente en los backlots del estudio, donde podían «crear» estaciones, calles y fachadas históricas sin salir de California. Para las secuencias que pedían sensación de paisaje rural, el equipo completó con localizaciones californianas cercanas y con efectos de nieve artificial; todo esto permitía mantener la estética cuidada y el ritmo de producción que exigía una película de estudio de esa época. Me parece fascinante cómo, con tantos recursos limitados a la tecnología de entonces, lograron una atmósfera tan convincente y cálida.

Me fascinó cómo «Cruella» toma un villano clásico y le da una biografía entera que cambia el sentido de la historia. Después de ver la película con ojo crítico, veo que lo más llamativo es que el centro ya no es la caza de cachorros para abrigos, sino la formación de una identidad: Estella se convierte en Cruella en medio de una Londres punk de los 70, con un énfasis enorme en la moda, la música y la estética. Eso transforma la trama: en lugar de un simple atraco para conseguir pieles, la película construye una rivalidad personal y profesional con la imponente baronesa que domina la alta costura. Otro cambio clave es la humanización del personaje. La película explora su infancia, su relación con compañeros de calle como Jasper y Horace, y coloca la rivalidad con la baronesa en un plano casi familiar; se sugiere una conexión mucho más íntima entre ellas, lo que añade motivación emocional a los actos de Cruella. Esto cambia la lectura moral: deja de ser una villana unidimensional para convertirse en una antiheroína con argumentos, sarcasmo y ojo creativo. Además la trama añade nuevas subtramas —venganzas, sabotajes en pasarela, robos de diseños— que reemplazan la lógica del «robar cachorros para piel»; la película evita la violencia gráfica contra animales y en su lugar satiriza la crueldad del mundo de la moda. En resumen, «Cruella» reescribe el mito transformándolo en un origen moderno, con ritmo, estética y motivaciones distintas que me dejaron pensando en cómo reinterpretamos a los villanos hoy.

Me sorprendió lo internacional que fue el rodaje de «El Tenor» (2022): la película no se quedó en un solo país y eso se nota en la variedad de atmósferas. Gran parte de las secuencias íntimas —las prácticas en camerinos, los primeros planos mientras el protagonista afina la voz— se hicieron en estudios y platós en Toronto, donde montaron réplicas detalladas de interiores de teatros. Allí pudieron controlar acústica y luz para las escenas más delicadas sin depender del público real. Por otro lado, las escenas de gran formato —las funciones con público, las pasarelas y los planos cenitales de la audiencia— fueron filmadas en Europa, usando teatros históricos en Praga y en algunas salas italianas que cedieron su espacio para rodajes. Esos lugares aportan una solidez visual que las salas de estudio no tienen. Finalmente, para las tomas de paisaje y las escenas fuera de los teatros se fue a localizaciones en Nueva York y la Toscana: Nueva York aporta la vida urbana y la tensión de la ciudad, mientras que la Toscana ofrece tomas exteriores íntimas y luminosas que contrastan con la solemnidad del escenario. Personalmente, me encanta cómo esa mezcla de lugares da a la película una sensación de viaje artístico y emocional.

Vaya, siempre me ha divertido cómo reinventan a los villanos en las películas modernas. En el caso de «Cruella», la protagonista es Emma Stone, quien toma el papel central y construye una versión de la icónica Cruella de «101 Dálmatas» bastante distinta a la que muchos recordamos. La película, ambientada como una especie de origen oscuro y estilizado, gira casi por completo en torno a su personaje y su evolución, con un enfoque fuerte en la moda y la estética punk-rock. Me llamó la atención cómo Emma le da matices de vulnerabilidad y ambición a Cruella, lejos del estereotipo unidimensional. Además del reparto, la dirección y el vestuario ayudan a que su interpretación brille; para mí fue una mezcla entretenida de drama y espectáculo visual, y la actuación de Stone es lo que sostén gran parte del filme.

Todavía me emociona recordar cómo «La casa Gucci» utiliza Italia casi como un personaje más: buena parte de las escenas clave se rodaron en Milán, sobre todo las que muestran la vida social, las tiendas de lujo y las pasarelas —esas calles y galerías que ves en la pantalla pertenecen a la silueta urbana milanesa. Además, muchas escenas interiores y montajes complejos se rodaron en estudios y palacios restaurados en Roma, donde montaron decorados amplios para recrear oficinas y salones familiares con bastante detalle. Otra veta importante del rodaje fue el norte de Italia: varias escenas familiares y de villanía ocurrieron en villas señoriales y orillas lacustres alrededor del Lago de Como, que aportan ese aire de riqueza y nostalgia. También aparecen localizaciones históricas y hoteles clásicos que se usan para cenas y encuentros íntimos, lo que refuerza el tono de época de la película. Si te interesa el detalle local, conviene fijarse en los exteriores: muchas tomas que muestran escaparates y fachadas pertenecen a zonas reconocibles de Milán, mientras que las tomas más íntimas, con escenografía recargada, son fruto de sets creados en estudios romanos y de rodajes en interiores de palacios italianos. Yo disfruto detenerme en esos contrastes entre ciudad, estudio y villa; es una de las cosas que hace a «La casa Gucci» tan visualmente rica.

No esperaba que el origen de Cruella fuera contado con tanto detalle, pero la película moderna sí se mete de lleno en su pasado. He visto varias versiones: la película clásica «101 Dálmatas» de Disney te presenta a Cruella como una villana directa sin mucha explicación de por qué es así. En cambio, «Cruella» (la película de 2021) es una reimaginación, una especie de origen que nos muestra a Estella creciendo en la Londres de los 70, su relación conflictiva con figuras clave y cómo su obsesión por la moda y el resentimiento la transforman. Ahí sí te explican motivaciones, traumas y cómo construye su identidad como Cruella. Si por 'serie' te refieres a las adaptaciones televisivas como «101 Dálmatas: The Series» o «101 Dalmatian Street», esas suelen centrarse en las aventuras de los cachorros y, aunque incluyen villanas y guiños, no profundizan en un origen oscuro como lo hace la película. En resumen: la película sí explica (y reescribe) su pasado; las series en general no lo desarrollan con la misma intención, pues mantienen a Cruella más como antagonista clásico. Personalmente me encanta cómo la película añade capas, aunque me gusta considerarla una versión alternativa más que una verdad absoluta.

Me encanta recordar los rincones reales que dieron vida a «Skyfall», porque la película mezcla locaciones reales con escenarios de estudio de una manera que se siente muy palpable. Gran parte de las escenas iniciales —la persecución y la caída en la estación— se rodaron en Estambul; ahí se hizo la espectacular secuencia del tren y los tejados, que le da ese ritmo frenético al arranque. Después del prólogo la película regresa a Londres, donde se rodaron muchas de las escenas urbanas y las tomas alrededor de la sede del servicio secreto; además, varias escenas interiores y decorados complejos fueron montados en Pinewood Studios, que siempre es un refugio para los rodajes grandes del Reino Unido. Lo que realmente me marcó fue cómo trasladaron la historia al paisaje escocés para la parte de la casa «Skyfall». Los exteriores de la remota propiedad y las laderas dramáticas se filmaron en las Highlands, concretamente en regiones como Glencoe y Glen Etive, que ofrecen esa sensación de soledad y dureza que la película necesitaba. Esas tomas exteriores, con niebla y lluvia, se sienten tan auténticas que te convencen de que el pasado y la memoria del personaje están literalmente incrustados en la tierra. Roger Deakins, como director de fotografía, sacó partido a esos parajes como si fueran otro personaje más. También hay un par de momentos que fueron rodados fuera del Reino Unido para aportar contraste: Estambul, como ya dije, y algunas secuencias urbanas en China —Shanghai— que aportan el brillo moderno frente a la austeridad escocesa y la función institucional en Londres. En conjunto, el equipo alternó entre localizaciones reales y trabajo en estudio para controlar la acción (explosiones, escenas con efectos y planos complejos). A mí me encanta ese equilibrio: transmite autenticidad pero mantiene la precisión cinematográfica. Al final, ver esos lugares en pantalla te hace querer ir a buscarlos en un mapa, y para los amantes del cine es un viaje extra dentro de la película.

Me sigue sorprendiendo cómo una villana clásica puede transformarse en bandera de estilo y rebeldía, y eso es justo lo que hizo Disney con «Cruella». Yo veo esta película pensada para un público que ya no es puramente infantil: apunta a adolescentes mayores y adultos jóvenes que crecieron con la versión original de «101 Dálmatas» y ahora buscan historias con más actitud y estética. La banda sonora cargada de rock, los guiños de moda y la fotografía nocturna la orientan hacia espectadores que disfrutan de un tono más oscuro y de personajes moralmente complejos. También hay intención de atraer a fans de la moda y la cultura pop: la promoción se centró en vestuarios, desfiles ficticios y la figura de una antiheroína carismática. Eso llama la atención de gente joven interesada en tendencias y de viejos fans curiosos por una reinterpretación. Sin embargo, Disney no la hizo tan cruda como para alejar a familias; mantiene el humor y cierta ternura para que padres y adolescentes puedan verla juntos, aunque con cautela si los niños son muy pequeños. En lo personal, me pareció una jugada estratégica: es cine comercial que quiere renovar una franquicia dando prioridad al estilo y al carácter, más que a la simplicidad del cuento original. Para quien disfruta de la moda como elemento narrativo, «Cruella» está pensada justamente para ese público mixto entre nostalgia y búsqueda de novedades.

Me fascina cómo Disney sitúa a la villana en «101 Dálmatas» como un monumento a la exageración y el exceso; en la versión animada de 1961 ella es casi caricatura: cada línea, gesto y nota musical la empuja hacia la monstruosidad social. La construcción visual —esa melena partida blanco y negro, la silueta angulosa, la risa que raspa— funciona como un código instantáneo para decirnos “mala” sin rodeos. En ese filme la maldad está clara y sin ambages: su deseo de convertir perros en abrigo es una manifestación directa de crueldad, egoísmo y consumo desenfrenado, y Disney no la suaviza ni la explica, la denuncia con ironía y caricatura. Años después, en las versiones live-action, especialmente en la cinta centrada en el origen, hay un cambio consciente: la villana deja de ser solo un icono aterrador y se vuelve personaje con pasado, heridas y ambición. Esto no la redime por completo, pero sí transforma la lectura: de ser un símbolo de maldad estética a un estudio sobre cómo la sociedad puede moldear a alguien hacia la transgresión. En términos cinematográficos, la evolución va de la silueta y la música jazz que subrayan su exceso, a la atención en el contexto social, la moda como lenguaje y la psicología que motiva sus actos. Al final, me parece interesante que Disney haya usado la misma figura para dos propósitos distintos: un warning moral cartoonesco y, décadas después, un espejo para explorar clasismo, ambición y estética. Personalmente disfruto ambas versiones: la primera por su claridad satírica y la segunda por su complejidad emocional y visual.