¿Qué Festivales Españoles Programan Bandas Estilo Grunge Este Año?

Recuerdo perfectamente cómo se colaba el sonido áspero de Seattle en los bares y en la radio: fue una mezcla de sorpresa y de identificación instantánea. En España, aunque el grunge fue importado desde Estados Unidos —con Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden y Alice in Chains como padrinos inevitables—, hubo bandas nacionales que se encargaron de adaptar ese pulso crudo a nuestro idioma y escenario. Para mí, la referencia obligada es «Devil Came to Me» de «Dover»: ese disco catapultó un sonido directo, guitarrero y con actitud grunge al gran público español y abrió puertas para otras bandas alternativas que iban más allá del pop o del rock clásico. También noté cómo grupos como «Los Planetas» tomaron esa estética sucia y la mezclaron con shoegaze y letras muy nuestras, creando un híbrido que conectó con mucha gente joven. Bandas de la escena independiente y de la llamada «movida» post-90s, como Lagartija Nick o El Niño Gusano, también incorporaron guitarras más gruesas, atmósferas densas y una entrega vocal menos pulida, rasgos heredados del grunge. Además, el circuito de festivales (por ejemplo Festimad) y revistas como Rockdelux ayudaron a que ese sonido no se quedara solo en importaciones, sino que germinara en escenas locales. Mi impresión es que el grunge no caló aquí como un estilo uniforme sino como una actitud: honestidad, rabia contenida y una estética anti-glamour que muchos grupos españoles reinterpretaron. Al final, lo más bonito fue ver cómo esa influencia extranjera se transformó en algo con identidad propia en nuestro país.

Tengo una lista bastante curada de salas que en 2026 seguían apostando por conciertos con ese sonido sucio y directo que asociamos al grunge: en Seattle se mantienen activos lugares como The Crocodile y Neumos, que siguen trayendo tanto bandas revival como proyectos nuevos con influencia noventera. En Los Ángeles, el Troubadour y el Fonda siguen programando noches donde el fuzz y la voz rasgada encajan perfecto, mientras que en San Francisco salas como The Fillmore o The Chapel apuestan por billings que mezclan nostalgia y propuestas actuales. En Europa, salas históricas como el 100 Club en Londres y el Razzmatazz en Barcelona han tenido ciclos dedicados a guitarras crudas y voces emotivas, y en Latinoamérica lugares como Foro Indie Rocks! en Ciudad de México o Niceto Club en Buenos Aires han organizado giras de bandas que recuperan esa estética. No faltan los festivales: Riot Fest y Download han incluido carteles con sonidos cercanos al grunge, y hasta algunos festivales independientes en el Pacífico noroeste mantienen mini-raves de guitarras pesadas. Me gusta pensar que la escena no está encerrada en un solo tipo de sala: desde teatros medianos hasta clubes de barrio, la programación 2026 mostró una mezcla entre bandas clásicas reviviendo su repertorio y jóvenes que reinterpretan el grunge con toques modernos. Personalmente me emocionó ver a gente de distintas edades coreando riffs sucios; el espíritu sigue vivo y se siente en esos locales que todavía apuestan por la guitarra cruda y la voz sin filtros.

Recuerdo con nitidez cómo, a principios de los 90, las radios y los canales musicales se llenaron de un sonido crudo que cambió la manera en que muchos en España entendimos el rock. Aquellas guitarras ásperas y voces a medio grito venían de bandas como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden y Alice in Chains, y su influencia cayó como una ola: desde la estética descuidada hasta las letras íntimas y directas. En los primeros años del declive del glam y el auge del alternativa, grupos americanos como Mudhoney, Screaming Trees o Stone Temple Pilots también dejaron huella, aportando riffs más sucios y grooves menos pulidos que muchos músicos españoles adoptaron con entusiasmo. En mi escucha de entonces fui identificando grupos españoles que tomaron prestado ese lenguaje: el caso más claro es «Dover», cuyo álbum «Devil Came to Me» resumió esa mezcla de melodía pegadiza con una producción áspera y guitarras que sonaban muy cercanas al grunge anglosajón. En el terreno más pesado, bandas como «Hamlet» incorporaron armonías oscuras y texturas densas que recuerdan a Alice in Chains y Soundgarden. Más allá de nombres concretos, lo importante fue el cambio de actitud: la escena indie y las bandas de garaje empezaron a valorar lo auténtico, lo directo y lo emocional, algo que el grunge había puesto en primer plano. Al final, lo que más me marcó fue cómo ese movimiento permitió que muchas bandas españolas dejaran de intentar sonar perfectas para, en su lugar, buscar verdad y fuerza en la imperfección. Aún hoy se nota esa herencia en la forma de cantar, en los arreglos y en la estética de muchas propuestas locales.

Me fascina ver cómo el espíritu del grunge se cuela en muchas series españolas recientes, no siempre de forma literal pero sí como una atmósfera: ropa gastada, paletas de color apagadas, música que privilegia guitarras rasposas y letras melancólicas, y personajes que no encajan en los estereotipos pulcros. En mi experiencia viendo producciones nacionales, eso crea una sensación de verosimilitud —como si te colaras en la vida de alguien que no se preocupa por ser instagramable— y eso engancha. A nivel narrativo, el grunge trae consigo privilegio por los personajes imperfectos; protagonistas que no son héroes ni villanos, sino seres llenos de contradicciones, resentimientos y ternura escondida. Series como «La Zona» o incluso episodios de «Antidisturbios» recurren a esa estética cruda para subrayar el cansancio social y la desconfianza institucional: planos largos, grano en la imagen, ambientes húmedos y sucios que funcionan como personajes silenciosos. Y luego está el impacto cultural: la moda (camisas a cuadros, denim roto, botas pesadas) y la música alternativa vuelven porque conectan con una generación que busca autenticidad en la pantalla. Me gusta porque ofrece otra forma de contar historias españolas: menos brillantina y más cicatrices, y eso deja espacio para emociones más ásperas pero también más reales.

Me encanta recordar cómo el grunge dejó de ser algo local para convertirse en un fenómeno que llenó escenarios en todo el planeta. Cuando pienso en las grandes giras internacionales, lo primero que me viene a la cabeza es Nirvana: tras el estallido de «Nevermind» se lanzaron a Europa y Japón, tocaron en festivales masivos y su actuación en Reading quedó grabada como «Live at Reading», una prueba de cómo una banda del underground pasó a encabezar grandes carteles. Esa expansión fue el patrón para otras bandas que venían de Seattle: pasaron de clubes pequeños a pabellones y festivales europeos en cuestión de años. Visitando viejas listas y recuerdos, veo que Pearl Jam también construyó una carrera de gira mundial imparable, llegando a Europa, Japón, Australia y varias giras por América Latina. Soundgarden y Alice in Chains siguieron una ruta similar: giras por Europa y Japón, apariciones en festivales y rutas en las que alternaban grandes salas y festivales locales. Bandas más chicas como Mudhoney o Screaming Trees hicieron giras internacionales más puntuales, apoyando discos y conectando con audiencias específicas fuera de Estados Unidos. En resumen, el grunge se movió por circuitos globales a través de tours propios, giras compartidas y festivales (Reading, Roskilde, Fuji Rock y otros), y eso convirtió a un sonido regional en una corriente global. Me sigue emocionando cómo esos conciertos marcaron a generaciones: ver a una banda que sonaba por la radio tocar a dos calles de distancia era algo mágico y todavía lo recuerdo con entusiasmo.

Me emociona ver cómo varios festivales están apostando fuerte por la literatura sonora este año; yo he seguido la programación con entusiasmo y hay varias citas que vale la pena marcar en el calendario. En el ámbito hispanohablante, «Hay Festival» (en sus sedes de Segovia, Querétaro y Cartagena) suele incluir ciclos de lectura sonora, encuentros con narradores que trabajan con diseño sonoro y presentaciones de audiolibros en directo. También «FIL Guadalajara» mantiene secciones experimentales donde autores y productores de audio colaboran para llevar textos al formato sonoro, con talleres y estrenos de piezas radiales. Por otro lado, «FILBA» en Buenos Aires ha consolidado propuestas de narrativa expandida que mezclan voz, música y efectos, y este año no es la excepción. A nivel internacional, me he cruzado con programación muy interesante: el «International Literature Festival Berlin» suele programar lecturas en varios idiomas con traducción sonora y performances, mientras que festivales de sonido y nuevas media como «MUTEK» y «Sónar+D» presentan proyectos de radioarte, podcast en vivo e instalaciones sonoras que dialogan con la literatura. Además, no hay que perder de vista festivales de poesía como el de Medellín, donde la oralidad y la experimentación sonora se perciben cada vez más en los escenarios. En lo personal, disfruto mucho cuando un autor lee acompañado de una atmósfera sonora porque transforma el texto en otra especie de experiencia; recomiendo seguir las programaciones online, porque muchas sesiones quedan grabadas y llegan a todo el mundo.

Me pierde la psicodelia en directo, y en España hay varios festivales grandes donde ese espíritu aparece con fuerza: por ejemplo «Primavera Sound» suele traer propuestas psicodélicas dentro de su cartel ecléctico, mezclando bandas de rock lisérgico con electrónica expansiva. También «Sónar» se mueve en el terreno de lo electrónico, y muchas veces programa sets y proyectos que flirtean con la psicodelia sonora, desde krautrock digital hasta ambientes lisérgicos para bailar. Además de los gigantes, he disfrutado de festivales más pequeños y ciclos urbanos donde la psicodelia es protagonista: noches en salas míticas como Apolo (Barcelona) o La Riviera (Madrid) y encuentros organizados por sellos y promotores locales donde se reúnen bandas de garage, psych-rock y electrónica experimental. En mi experiencia, esos espacios íntimos a veces ofrecen la experiencia más auténtica: sonido crudo, público entregado y sesiones que se alargan hasta perder la noción del tiempo. Termino siempre con la sensación de haber descubierto algo nuevo, y con ganas de volver el año siguiente.

Me gusta ir descubriendo cómo la pantomima contemporánea se cuela en festivales de todo tipo por España; no siempre está anunciada como tal, pero ahí está en las plazas y en los teatros pequeños. En mi experiencia, los grandes referentes que suelen programar este tipo de propuestas son «FiraTàrrega» (que gira en torno a las artes de calle y el teatro físico), el «Festival Grec» de Barcelona (más orientado a escena contemporánea y danza con propuestas visuales) y el circuito llamado «Escena Contemporánea», que trae compañías por varias ciudades. También existe una cita más específica con el universo del mimo: el festival «MIM de Sueca», que es uno de los puntos de encuentro para creadores y públicos interesados en la pantomima. Si te interesa ver pantomima contemporánea, busca los apartados de teatro físico, clown o artes de calle en la programación: muchas veces las piezas se etiquetan así y no como “pantomima” estricta. Yo siempre me fijo en los bocetos visuales y en los vídeos promocionales porque suelen aclarar si la propuesta es esencialmente gestual. Termino siempre con la sensación de que la pantomima está viva y reinventándose en esos festivales, y que merece mucho la pena seguirles la pista.

Me encanta descubrir sesiones de cine mudo en festivales: hay algo mágico en ver imágenes antiguas proyectadas en grande con banda sonora en directo que transforma la sala en una máquina del tiempo. En España hay varios festivales y ciclos que, de forma habitual, incluyen títulos mudos restaurados o programaciones especiales dedicadas a esa época, y muchos de ellos lo hacen con músicos en vivo, lo que eleva la experiencia a otro nivel. Entre los grandes encuentros del país que suelen reservar espacio para clásicos mudos destaca la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci). Su sección de patrimonio y las retrospectivas históricas son un terreno fértil para recuperar obras silentes, y es frecuente que programen restauraciones acompañadas por conciertos en la sala. El Festival de San Sebastián (Zinemaldia) también dedica parte de su programación a joyas del cine antiguo; sus ciclos y proyecciones especiales suelen atraer a conservadores y músicos interesados en el cine mudo. En el ámbito del cine de género, el Festival de Sitges no es ajeno: además de estrenos, a menudo ofrece retrospectivas de terror y fantástico donde aparecen títulos mudos emblemáticos, muchas veces proyectados con arreglos musicales pensados para la ocasión. El Festival de Cine de Málaga, aunque focalizado en la producción española contemporánea, incorpora en ocasiones homenajes y sesiones de patrimonio donde hay espacio para clásicos silentes restaurados. Más allá de los grandes festivales, las filmotecas regionales y municipales son las grandes aliadas del cine mudo en España. La Filmoteca Española en Madrid y la Filmoteca de Catalunya en Barcelona programan ciclos regulares de cine clásico y proyecciones con música en directo; estos ciclos suelen anunciarse con antelación y son una fuente fiable para ver títulos mudos en copia restaurada. Muchas ciudades tienen sus propios ciclos estivales o programaciones especiales organizadas por ayuntamientos, centros culturales y salas independientes: buscan rescatar piezas olvidadas y, a menudo, invitan a pianistas o pequeñas formaciones para acompañar las proyecciones. También existen festivales más pequeños y eventos puntuales centrados en la música para cine mudo en distintos puntos de la península, que reúnen a intérpretes especializados en acompañamiento en vivo. Si te atrae esta escena, mi consejo práctico es seguir a las filmotecas, revisar la programación de los festivales grandes (Valladolid, San Sebastián, Sitges, Málaga) y estar atento a las temporadas de las salas culturales de tu ciudad: ahí es donde suelen aparecer las mejores oportunidades para ver cine mudo con calidad de restauración y música en directo. La experiencia de ver una comedia de Chaplin o un melodrama alemán en pantalla grande con banda sonora en vivo no se parece a nada más; siempre me deja con ganas de compartir esa sala y comentar las sensaciones con otros fans, porque el cine mudo sigue vivo y sigue emocionando.