¿Qué Trama Desarrolla El Mètode Grönholm En La Obra Original?

Me sorprende lo entretenida que puede ser la mezcla entre teatro y crítica social en «El método Grönholm», y desde mi rincón de fan de las dramaturgias modernas te digo que no, no está basada en una obra anterior ni en una historia real concreta. Fue escrita por Jordi Galceran como una pieza original estrenada en 2003; es su invención para explorar, de forma afilada y satírica, los mecanismos de selección en las grandes empresas. La trama, con candidatos encerrados y sometidos a pruebas cada vez más perversas, funciona como una fábula sobre la competitividad y la pérdida de escrúpulos en el mundo laboral. He actuado en montajes universitarios y leído varias versiones, y lo que más me atrapa es cómo Galceran extrae tensión de situaciones muy plausibles: dinámicas de grupo, tests psicológicos, manipulación emocional. Eso sí, esas referencias a técnicas reales de recursos humanos —como los assessment centers o dinámicas de evaluación— dan a la obra una sensación de verosimilitud, pero no la convierten en una adaptación. Es una ficción construída a partir de observaciones sociales, no un retrato de hechos ocurridos. Al verla o leerla uno entiende que su fuerza está en esa ambigüedad entre lo posible y lo inventado; por eso produjo una película llamada «El método» en 2005, que adapta la obra al cine sin transformar su origen: sigue siendo creación de Galceran y una crítica incisiva sobre cómo seleccionamos —y nos dejamos seleccionar— en el trabajo.

Me quedé enganchado con la tensión que crean los candidatos desde el primer acto, y ahí es donde más brillan los personajes en «El mètode Grönholm». En escena siempre destacan los perfiles marcados: el que se coloca como líder natural, con seguridad y recursos para manipular la conversación; el que parece frágil y termina revelando debilidades que lo humanizan; y la mujer que no se deja encasillar, capaz de romper expectativas sin perder autoridad. Además, hay un personaje que funciona casi como espejo del público: alguien que pregunta, duda y va descubriendo el juego a medida que avanza la prueba. También sobresale la figura del observador o del responsable del proceso (aunque a veces actúa fuera de cámara), que introduce las pruebas y siembra la paranoia. En el montaje teatral se potencia mucho el juego colectivo, así que más que un protagonista único, lo que brilla es el pulso entre estos roles. Al final me quedé pensando en cómo cada perfil refleja una estrategia distinta para sobrevivir en el mundo laboral moderno.

Me llamó mucho la atención cómo la adaptación cinematográfica toma las piezas esenciales de «El método Grönholm» y las recompone para otro medio. La obra teatral es casi un engranaje cerrado: un único espacio, el cara a cara tenso entre candidatos, y la maquinaria del test como motor dramático. En la película, esa maquinaria sigue ahí, reconocible, pero se abren ventanas: escenarios diferentes, caras más cerca gracias a la cámara, y pequeños flashbacks que no están en el texto teatral. Esos recursos cinematográficos permiten que algunos personajes ganen matices y que el público entienda mejores motivos o miedos. No diría que la trama cambia de raíz; más bien se amplía y se interpreta. La sensación claustrofóbica se conserva, pero el cine añade contextos y señales visuales que alteran ligeramente cómo percibimos a cada personaje. Al final, la película me dejó con la misma inquietud del teatro, aunque con otra textura visual que me gustó mucho.

Salí del teatro con la sensación de que «El método Grönholm» no te suelta las reglas en una hoja clara y ordenada; más bien, te las va enseñando por acción y por tensión. En la obra, los personajes se enfrentan a una serie de pruebas y dinámicas impuestas por un proceso de selección, pero el propio texto y la puesta en escena juegan con la ambigüedad: no existe un reglamento expuesto al público que diga “esto es lo que está permitido y esto no”. Lo interesante es que las reglas aparecen como comportamientos: quién habla, quién manipula la información, quién le miente a quién. Esas conductas funcionan como reglas prácticas y morales del juego dentro de la escena. Además, la obra deja espacio para que el público deduzca los mecanismos de poder y vigilancia que rigen la selección, lo que provoca la sensación de estar descifrando un juego en tiempo real. En definitiva, «El método Grönholm» no explica las reglas de forma didáctica; las muestra y las cuestiona. Esa ausencia de un manual explícito es parte de su fuerza dramática y de su comentario social, y a mí me fascina cómo te obliga a completar lo que falta con tu propia interpretación.

He visto montajes de «El método Grönholm» en teatros pequeños y en salas grandes, y la pregunta sobre una secuela siempre surge en las conversaciones entre el público y el equipo. No existe una continuación oficial firmada por Jordi Galceran que se presente como «El método Grönholm 2» o similar; la obra sigue siendo una pieza autónoma que muchos programadores vuelven a poner en cartel por su fuerza dramática y su humor negro. Lo más cercano a una ‘extensión’ fue la adaptación cinematográfica titulada «El método» en 2005, que llevó el texto a otro medio con cambios propios del formato de cine pero sin plantear una secuela teatral canónica. He notado que, en distintos países y montajes, directores y dramaturgos han jugado a reinterpretar el final o a imaginar qué pasaría después, generando versiones, escenas añadidas o debates posfunción que funcionan como secuelas informales para el público. Además, Galceran continuó escribiendo otras obras que exploran temas de poder, manipulación y comedia cruel, así que quienes buscan más de ese tono pueden encontrarlo en su catálogo sin que haya una continuación directa de la trama original. Personalmente disfruto que la obra conserve esa ambigüedad final: permite a cada montaje y a cada espectador fantasear con los personajes sin que una secuela oficial cierre posibilidades. Es una de las razones por las que sigue viva en salas y en conversaciones teatrales.