Siapa Yang Mencetuskan Ninth Artinya Untuk Dunia Komik?

Istilah 'ninth' yang sering kamu dengar dalam konteks komik Prancis sebenarnya merujuk pada gagasan 'le neuvième art' — sebuah pengakuan bahwa komik layak dipandang sebagai seni sejajar dengan disiplin lain. Aku suka membayangkan orang-orang dulu saling debat di kafe tentang apakah gambar plus teks itu cuma hiburan anak-anak atau sesuatu yang punya kedalaman estetis; sebutan ini datang sebagai jawaban: ya, ini seni. Secara praktis, penetapan komik sebagai 'ninth art' mengubah cara karya diperlakukan. Jadi bukan cuma soal strip lucu di koran; ada ruang galeri untuk aslinya, ada penerbit yang membahas komposisi panel, ritme narasi, dan arsitektur halaman. Di sini aku sering berpikir tentang pengaruh tata letak — bagaimana satu halaman bisa mengatur tempo emosi pembaca — dan itu terlihat jelas dalam karya-karya besar seperti 'Tintin' atau 'Persepolis'. Kalau kamu penggemar seperti aku, istilah ini juga membuka pintu ke dunia akademis dan festival, dimana komik dibicarakan seolah-olah itu film atau sastra. Itu memengaruhi harga karya asli, kurasi pameran, dan tentu saja cara kita mendiskusikan tema, gaya gambar, dan eksperimen narasi. Pada akhirnya, menyebut komik sebagai 'le neuvième art' membuatku lebih sering menaruh hormat pada halaman-halaman yang dulu mungkin kuanggap sekadar hiburan — dan itu membuat koleksiku terasa lebih bermakna.

Gambar dan kata yang saling berkelindan selalu terasa seperti bahasa rahasia bagiku, dan 'ninth art' membantu memberi nama pada bahasa itu. Istilah 'ninth art' pada dasarnya adalah cara menyatakan bahwa komik bukan sekadar hiburan ringan atau produk komersial semata, melainkan seni yang punya tata bahasa visual, ritme panel, dan teknik penceritaan yang khas. Dari sudut pandang ini, perbedaan utama antara komik dan novel grafis bukan soal kualitas atau panjang cerita, melainkan konteks dan tujuan: komik sering muncul sebagai seri, strip harian, atau terbitan berkala dengan fokus pada kontinuitas, episode, dan perkembangan karakter yang gradual. Novel grafis biasanya berdiri sendiri sebagai karya panjang yang dirancang untuk dibaca dalam satu atau beberapa sesi, dengan struktur naratif yang lebih matang dan niat estetis yang sering kali mengarah pada pengakuan literer. Bagi saya yang telah menyimpan tumpukan back issue dan beberapa buku tebal, pengakuan sebagai 'ninth art' berarti memberi ruang bagi kedua bentuk itu untuk eksis. Karya seperti 'Watchmen' atau 'Maus' masuk ke ruang literer bukan karena mereka panjang semata, tapi karena penanganan medium—panel, tempo, kerangka visual—dimanfaatkan untuk memicu pengalaman membaca yang tak bisa dicapai novel teks semata. Jadi, sementara semua novel grafis adalah bagian dari 'ninth art', tidak semua komik harus menjadi novel grafis; keduanya memakai bahasa yang sama, hanya menulis dialek yang berbeda. Itu yang buatku terus terpesona dan memburu judul-judul baru di rak.

Begini ceritanya menurut pengamat yang suka menyusuri toko buku tua: sebutan 'seni kesembilan' buat komik sebenarnya baru jadi istilah kritis yang populer di Eropa setelah Perang Dunia II, terutama melesat di Prancis dan Belgia antara akhir 1950-an sampai 1970-an. Ada pergeseran kultur yang besar — pembaca dewasa mulai melihat komik bukan cuma untuk anak-anak, dan kritikus yang serius juga mulai merespons. Salah satu nama yang sering muncul adalah Francis Lacassin; dia menulis dan mengadvokasi gagasan bahwa bande dessinée pantas diperlakukan sebagai seni lewat esai-esainya, dan publikasinya membantu mentransformasikan persepsi itu. Tentu bukan langsung dari nol: ada penggunaan istilah dan wacana tentang nilai artistik komik yang tersebar lebih awal, tapi momentum utama datang lewat majalah dan gerakan editorial seperti 'Pilote' (yang berdiri pada 1959) serta gelombang kritik dan pameran di tahun 60-70an. Di saat itulah istilah 'le neuvième art' dipakai secara lebih konsisten oleh kritikus, kurator, dan penerbit untuk menegaskan status komik setara dengan seni rupa, musik, dan film. Dari situ istilah itu menyebar ke bahasa lain — Italia bicara 'nona arte', Spanyol 'noveno arte' — dan jadi bagian dari perdebatan resmi tentang kanon budaya. Jadi, kalau mau tanggal kasar: pemakaian istilah sebagai label kritis dan akademis mulai kuat di Eropa pada 1960-an hingga 1970-an, dibantu oleh figur-figur intelektual yang menulis tentang komik sebagai bentuk seni berharga. Itu periode yang bikin komik berhenti dianggap hanya bacaan anak dan mulai dianggap warisan budaya yang layak dipelajari — dan aku masih suka membayangkan rak-rak di toko tua yang perlahan penuh buku komik berlabel seni.

Gundala adalah salah satu pahlawan super legendaris dalam dunia komik Indonesia yang pertama kali muncul pada tahun 1969, diciptakan oleh Hasmi. Karakter ini memiliki tempat khusus di hati penggemar lokal karena bukan hanya menghadirkan aksi superhero ala Barat, tetapi juga mengakar kuat dalam budaya dan nilai-nilai Indonesia. Kostumnya yang khas dengan kilat di dada dan caping lebar langsung memberi kesan 'local hero' yang unik. Ceritanya sering kali menggabungkan unsur mistis, sci-fi sederhana, dan konflik sosial yang relevan dengan kondisi Indonesia di era tersebut. Yang membuat Gundala menarik adalah latar belakangnya sebagai Sancaka, seorang ilmuwan yang awalnya antipati terhadap kekerasan tetapi terpaksa menjadi pejuang setelah mengalami pengkhianatan dan kecelakaan lab yang memberinya kekuatan listrik. Dinamika ini memberi kedalaman pada karakternya—dia bukan pahlawan sempurna, melainkan manusia dengan trauma dan dilema moral. Dalam beberapa edisi, Gundala bahkan harus berhadapan dengan korupsi atau ketimpangan sosial, yang jarang disentuh komik superhero mainstream. Dunia Gundala juga diperkaya dengan rogues gallery yang terinspirasi dari mitologi Nusantara, seperti Suling Emas atau Tengkorak. Ini membedakannya dari villain komik Amerika yang biasanya lebih teknologis. Sayangnya, meskipun pernah sangat populer di era 70-80an, Gundala sempat mengalami masa vakum panjang sebelum dihidupkan kembali lewat film live-action tahun 2019. Adaptasi ini berhasil menangkap esensi komik klasiknya sambil memberi sentuhan modern. Sebagai simbol ketahanan kreativitas komik Indonesia, Gundala membuktikan bahwa pahlawan super bisa sangat lokal tanpa kehilangan universalitas ceritanya. Aku selalu senang melihat bagaimana warisan komik era Hasmi ini masih bisa menginspirasi generasi baru, baik lewat komik digital, merchandise, atau diskusi di forum penggemar. Ada kebanggaan tersendiri saat melihat caping Gundala muncul di layar lebar atau diskusi online—seperti bertemu dengan bagian dari sejarah pop culture yang tetap relevan.

Kalau ditanya buku yang paling pas buat memahami istilah 'ninth art', aku langsung teringat beberapa judul yang selalu aku rekomendasikan ke teman baru di komunitas komik. Pertama, wajib banget baca 'Understanding Comics' oleh Scott McCloud — versi Indonesianya sering berjudul 'Memahami Komik'. Buku ini nggak cuma ramah untuk pemula, tapi juga lucu dan penuh ilustrasi yang membantu ngejelasin konsep seperti 'sequential art', gutter (ruang antar panel), closure, dan gimana pembaca ikut mengisi cerita. McCloud ngasih bahasa yang sederhana tanpa mengorbankan kedalaman, jadi kamu bakal ngerti kenapa komik disebut seni ke-sembilan dari sudut pandang struktur dan komunikasi visual. Sebagai langkah lanjut, aku merekomendasikan 'Comics and Sequential Art' oleh Will Eisner. Gaya Eisner lebih praktis dan 'workshop'-like — banyak contoh layout, storytelling visual, dan teknik paneling yang berguna kalo kamu juga pengen bereksperimen bikin komik. Buat yang pengen pemahaman teori lebih kokoh, 'The Visual Language of Comics' oleh Neil Cohn bisa jadi jembatan ke studi kognitif gambar. Kalo penasaran soal istilah 'la neuvième art' dari tradisi Prancis–Belgia, karya teori seperti 'The System of Comics' oleh Thierry Groensteen bakal ngasih konteks sejarah dan terminologi yang lebih akademis. Intinya: mulai dari McCloud untuk dasar yang mudah dicerna, lanjut ke Eisner buat teknik, dan kalau mau mendalami terminologi 'ninth art' dari perspektif Eropa, selametin diri ke Groensteen. Semua ini bikin istilah itu terasa hidup, bukan sekadar label formal. Selamat membaca, dan nikmati proses melihat komik dengan mata baru.

Rak buku di sebuah kafe sering jadi tempat favoritku buat melihat bagaimana penerbit memasarkan komik, dan aku selalu penasaran soal apakah mereka pakai konsep 'ninth art' itu. Dari pengamatan panjang, jawaban singkatnya: ada, tapi tidak menyeluruh. Beberapa penerbit—terutama yang mengincar segmen pembaca dewasa atau pasar kultural—kadang menempatkan komik sebagai objek seni: cetakan hardcover, kertas bagus, tata letak menyerupai monograf, blurb dari kritikus seni, hingga pameran di galeri kecil. Dalam konteks itu istilah 'seni ke-sembilan' atau framing seni dipakai untuk menaikkan prestise dan justru untuk membenarkan harga premium. Namun di rak mainstream dan toko buku besar, label yang muncul lebih sering tetap 'komik', 'manga', atau 'novel grafis'. Ada juga pelaku indie yang terang-terangan mengadopsi jargon seni: mereka bikin zine art, memamerkan proses gambar, dan menggaet audiens yang menghargai estetika daripada cerita komersial. Sementara penerbit berorientasi massal memilih praktik pemasaran yang lebih konvensional—trailers pendek, promosi bundling, atau kerja sama dengan influencer—karena yang mereka pikirkan adalah volume penjualan. Intinya, adopsi konsep 'ninth art' itu nyata tapi bersifat selektif. Dia muncul di momen dan tempat yang ingin mengangkat komik sebagai karya seni, bukan sebagai label massal. Buatku, kebijakan ini baik karena membuka ruang apresiasi baru, tetapi juga bikin bingung kalau berharap semua penerbit bakal bergerak ke arah itu.

Mari kita bicara tentang Vixen, salah satu karakter DC yang menurutku sangat underrated tapi punya depth luar biasa. Nama aslinya Mari Jiwe McCabe, seorang wanita dengan kemampuan shamanistik untuk meniru atribut hewan apapun melalui 'Tantu Totem', artefak keluarga yang diturunkan dari generasi ke generasi. Yang bikin dia keren adalah bagaimana DC mengeksplorasi latar belakang Afrika-nya; bukan sekadar token diversity, tapi benar-benar mengintegrasikan mitologi dan spiritualitas West African ke dalam ceritanya. Aku pertama kenal Vixen lewat 'Justice League Unlimited' dan langsung terpana dengan visual efek saat dia 'memanggil' kekuatan singa atau cheetah. Tapi di komik, depth karakternya lebih terasa - terutama di arc 'Return of the Lion' dimana dia harus mempertanyakan warisan keluarganya sambil melawan korupsi di negara asalnya, Zambesi. Menurutku, Vixen itu representasi sempurna bagaimana superhero bisa menjadi jembatan antara dunia modern dan tradisi kuno.

Jika kamu seorang penggemar komik Marvel, pasti sudah tidak asing lagi dengan sosok Kurt Nightcrawler. Dengan penampilan yang mencolok, kulit biru, telinga runcing, dan ekor, dia bukan hanya karakter yang tampak menarik, tetapi juga memiliki latar belakang yang sangat mendalam. Pertama kali diperkenalkan dalam 'Giant-Size X-Men' #1, Nightcrawler adalah salah satu anggota ikonik X-Men. Dia dikenal karena kemampuannya untuk teleportasi, bisa berpindah tempat dalam sekejap, yang menjadikannya sangat berharga dalam misi-misi berbahaya. Namun, yang membuatnya istimewa bukan hanya kekuatan fisiknya, melainkan juga kepribadiannya yang penuh kebaikan, humor, dan kesetiaan. Dari sudut pandang cerita, Kurt memiliki kisah yang sangat emosional. Ia dibesarkan di Jerman, dikenal sebagai seorang mutant yang terasing sejak kecil. Memiliki penampilan yang berbeda, dia sering kali dijauhi oleh masyarakat. Dia bahkan sempat hidup di bawah bayang-bayang stigma, yang menjadikan perjuangannya untuk diterima oleh sesama manusia sangat kuat. Bagi banyak penggemar, dia melambangkan perjuangan melawan prasangka dan penilaian yang tidak adil, dan ini menjadikannya karakter yang relatable. Interaksinya dengan Wolverine, Storm, dan Profesor X menciptakan chemistry yang luar biasa, memperlihatkan keragaman dan ikatan di antara tim X-Men. Satu elemen penting dalam karakter Kurt adalah pandangannya tentang iman dan kemanusiaan. Dia terinspirasi oleh ajaran agama Katolik, yang sering kali menjadi sumber kekuatan dan ketenangannya. Saat dia berjuang untuk menemukan tempatnya di dunia dan memahami identitasnya sendiri, penggambaran karakter ini menunjukkan bahwa bahkan dalam kegelapan, ada harapan. Rasanya, karakter Nightcrawler adalah contoh bahwa menjadi berbeda bukanlah halangan, melainkan sebuah kekuatan yang bisa dimanfaatkan dalam menghadapi tantangan hidup. Jika kamu belum pernah membaca komik yang melibatkan Nightcrawler, aku sangat merekomendasikan 'X-Men: Second Coming' yang menampilkan beberapa momen terbaiknya. Dengan begitu banyak yang bisa dieksplorasi, karakter ini terus menjadi favorit banyak penggemar di seluruh dunia.

Membicarakan pengaruh Garfield tanpa tersenyum sendiri itu mustahil. Strip ini bukan sekadar kucing malas yang benci Senin—ia adalah fenomena budaya yang mengubah cara kita memandang komik harian. Yang paling genius dari Jim Davis adalah bagaimana dia menciptakan karakter yang absurd tapi relatable. Garfield itu seperti alter ego kita semua: suka makan, tidur, dan sinis terhadap dunia. Strip ini membuktikan bahwa humor sederhana plus karakter kuat bisa menembus generasi. Dampak terbesarnya? Garfield membuka jalan bagi komik strip berbasis karakter (bukan sekadar punchline harian). Lihatlah bagaimana 'Calvin and Hobbes' atau 'Dilbert' kemudian berkembang—semua berutang budi pada formula Garfield. Yang lucu, meski sering dikritik karena repetitif, justru repetisi inilah yang membuatnya menjadi ritual harian pembaca. Aku selalu ingat bagaimana koran Minggu dulu terasa kurang lengkap tanpa strip Garfield berwarna.