Apa Yang Dimaksud Ninth Artinya Dalam Konteks Komik Prancis?

Pernah ga kamu lihat stiker atau esai yang menyebut komik sebagai 'seni kesembilan' dan bertanya-tanya siapa yang pertama kali menyematkan label itu? Aku pernah, dan menurutku jawaban paling jujur adalah: nggak ada satu nama tunggal yang bisa diklaim dengan pasti. Istilah 'le neuvième art' lahir dan berkembang di ranah kritik seni dan budaya di Prancis/Belgia sepanjang abad ke-20 — lebih tepatnya sebagai hasil percakapan panjang antarkritikus, penerbit, dan pembuat komik yang ingin menempatkan 'bande dessinée' pada peta seni besar Eropa. Dari perspektif historis, ada gelombang pemikiran yang mengangkat status visual naratif itu setelah Perang Dunia I dan semakin kuat lagi pasca-Perang Dunia II ketika studi tentang budaya populer mulai mendapat tempat di akademia dan media. Nama-nama tertentu sering muncul sebagai penguat istilah ini—seorang sejarawan komik dan beberapa kritikus yang menulis esai tentang nilai artistik komik—tetapi bukti penggunaan awal biasanya tersebar di artikel majalah, katalog pameran, dan monograf kecil; bukan satu momen penciptaan yang mudah ditelusuri. Sebagai pembaca lama yang suka ngubek-ngubek arsip dan artikel tua, aku melihat istilah itu lebih layak dipahami sebagai konsensus budaya dibandingkan penemuan individu. Label 'seni kesembilan' menjadi cara kolektif untuk menegaskan bahwa komik bukan sekadar hiburan murah, melainkan medium dengan potensi artistik dan kritis. Terus aja bikin aku senyum kalau lihat buku lama memberinya cap kehormatan itu — rasanya seperti nonton karya yang baru diakui resminya.

Gambar dan kata yang saling berkelindan selalu terasa seperti bahasa rahasia bagiku, dan 'ninth art' membantu memberi nama pada bahasa itu. Istilah 'ninth art' pada dasarnya adalah cara menyatakan bahwa komik bukan sekadar hiburan ringan atau produk komersial semata, melainkan seni yang punya tata bahasa visual, ritme panel, dan teknik penceritaan yang khas. Dari sudut pandang ini, perbedaan utama antara komik dan novel grafis bukan soal kualitas atau panjang cerita, melainkan konteks dan tujuan: komik sering muncul sebagai seri, strip harian, atau terbitan berkala dengan fokus pada kontinuitas, episode, dan perkembangan karakter yang gradual. Novel grafis biasanya berdiri sendiri sebagai karya panjang yang dirancang untuk dibaca dalam satu atau beberapa sesi, dengan struktur naratif yang lebih matang dan niat estetis yang sering kali mengarah pada pengakuan literer. Bagi saya yang telah menyimpan tumpukan back issue dan beberapa buku tebal, pengakuan sebagai 'ninth art' berarti memberi ruang bagi kedua bentuk itu untuk eksis. Karya seperti 'Watchmen' atau 'Maus' masuk ke ruang literer bukan karena mereka panjang semata, tapi karena penanganan medium—panel, tempo, kerangka visual—dimanfaatkan untuk memicu pengalaman membaca yang tak bisa dicapai novel teks semata. Jadi, sementara semua novel grafis adalah bagian dari 'ninth art', tidak semua komik harus menjadi novel grafis; keduanya memakai bahasa yang sama, hanya menulis dialek yang berbeda. Itu yang buatku terus terpesona dan memburu judul-judul baru di rak.

Gila, setiap kali aku membahas komik Prancis rasanya seperti membuka kotak harta karun yang nggak ada habisnya. Prancis punya tradisi 'bande dessinée' yang kuat dan banyak judulnya jadi ikon budaya. Kalau harus sebut contoh yang gampang dikenali, aku langsung kepikiran 'Astérix' — lucu, cerdas, dan puitis dalam caranya mengolok-olok sejarah. Lalu ada 'Valérian et Laureline' yang kaya imajinasi sci-fi; karyanya masih terasa pengaruhnya di banyak film dan karya modern. Untuk nuansa yang lebih gelap dan realistis, 'Le Transperceneige' (yang diadaptasi jadi film dan serial 'Snowpiercer') itu contoh bagus bagaimana komik Prancis bisa bercerita dewasa dan reflektif. Kalau suka autobiografi atau cerita bernuansa politik-kultural, aku rekomendasikan 'Persepolis'—bukan cuma menyentuh tapi juga menggugah dengan gaya gambar sederhana yang kuat. Untuk western ala Eropa, 'Blueberry' karya Jean Giraud (Moebius) menunjukkan sisi grafis yang luar biasa; dan kalau mau detil noir dan suasana Paris pasca-perang, karya Jacques Tardi seperti 'Les Aventures d\'Adèle Blanc-Sec' pas banget. Selain judul-judul ini, ada juga festival raksasa seperti Festival d\'Angoulême yang nunjukin betapa vitalnya scene komik di Prancis. Intinya, Prancis itu bukan cuma soal satu gaya—ada semuanya: humor, sci-fi, sejarah, politik, autobiografi. Aku sering ketemu orang yang awalnya underestimate, terus setelah baca satu dua judul, langsung kepincut. Buatku, itulah daya tarik terbesar komik Prancis: ragamnya yang membuat setiap pembaca bisa nemuin sesuatu yang nempel di hati.

Bisa dibilang dua kata itu—'Je t'aime'—lebih dari sekadar terjemahan literal "aku cinta kamu". Dalam konteks romantis, ini adalah pengakuan perasaan yang kuat dan langsung: bukan sekadar suka, bukan sekadar kekaguman, melainkan pernyataan keterikatan emosional yang tulus. Orang Prancis cenderung memilih kata-kata dengan hati-hati; jadi ketika seseorang bilang 'Je t'aime' kepada pasangan, biasanya itu menandakan kedalaman perasaan, komitmen, atau setidaknya momen kejujuran yang serius. Di keseharian, nuansanya bisa berbeda-beda. Ada yang mengucapkan 'Je t'aime' penuh lirih di momen intim, ada pula yang menambah frasa seperti 'Je t'aime à la folie' untuk menyiratkan gairah besar, atau 'Je t'aime pour toujours' untuk kesan lebih abadi. Sebaliknya, jangan keliru antara 'Je t'aime' dan 'Je t'aime bien'—yang terakhir jauh lebih ringan dan berarti 'aku suka kamu' secara ramah atau platonis. Intonasi, konteks, dan bahasa tubuh sangat menentukan; di depan umum orang mungkin menampakkan kasih sayang dengan julukan manis sebelum benar-benar mengucapkan 'Je t'aime'. Kalau kamu pernah ingin mengatakannya ke seseorang, perhatikan momen dan keseriusan hubungan. Di Prancis, ungkapan itu bukan sekadar frase romantis dari film; ia bisa jadi titik balik hubungan. Aku sendiri merasa kata-kata itu paling menyentuh kalau mengucapkannya dengan tenang dan jujur—bukan karena harus, tapi karena memang terasa. Itu yang membuatnya selalu hangat setiap kali didengar.

Kalau ditanya buku yang paling pas buat memahami istilah 'ninth art', aku langsung teringat beberapa judul yang selalu aku rekomendasikan ke teman baru di komunitas komik. Pertama, wajib banget baca 'Understanding Comics' oleh Scott McCloud — versi Indonesianya sering berjudul 'Memahami Komik'. Buku ini nggak cuma ramah untuk pemula, tapi juga lucu dan penuh ilustrasi yang membantu ngejelasin konsep seperti 'sequential art', gutter (ruang antar panel), closure, dan gimana pembaca ikut mengisi cerita. McCloud ngasih bahasa yang sederhana tanpa mengorbankan kedalaman, jadi kamu bakal ngerti kenapa komik disebut seni ke-sembilan dari sudut pandang struktur dan komunikasi visual. Sebagai langkah lanjut, aku merekomendasikan 'Comics and Sequential Art' oleh Will Eisner. Gaya Eisner lebih praktis dan 'workshop'-like — banyak contoh layout, storytelling visual, dan teknik paneling yang berguna kalo kamu juga pengen bereksperimen bikin komik. Buat yang pengen pemahaman teori lebih kokoh, 'The Visual Language of Comics' oleh Neil Cohn bisa jadi jembatan ke studi kognitif gambar. Kalo penasaran soal istilah 'la neuvième art' dari tradisi Prancis–Belgia, karya teori seperti 'The System of Comics' oleh Thierry Groensteen bakal ngasih konteks sejarah dan terminologi yang lebih akademis. Intinya: mulai dari McCloud untuk dasar yang mudah dicerna, lanjut ke Eisner buat teknik, dan kalau mau mendalami terminologi 'ninth art' dari perspektif Eropa, selametin diri ke Groensteen. Semua ini bikin istilah itu terasa hidup, bukan sekadar label formal. Selamat membaca, dan nikmati proses melihat komik dengan mata baru.

Begini ceritanya menurut pengamat yang suka menyusuri toko buku tua: sebutan 'seni kesembilan' buat komik sebenarnya baru jadi istilah kritis yang populer di Eropa setelah Perang Dunia II, terutama melesat di Prancis dan Belgia antara akhir 1950-an sampai 1970-an. Ada pergeseran kultur yang besar — pembaca dewasa mulai melihat komik bukan cuma untuk anak-anak, dan kritikus yang serius juga mulai merespons. Salah satu nama yang sering muncul adalah Francis Lacassin; dia menulis dan mengadvokasi gagasan bahwa bande dessinée pantas diperlakukan sebagai seni lewat esai-esainya, dan publikasinya membantu mentransformasikan persepsi itu. Tentu bukan langsung dari nol: ada penggunaan istilah dan wacana tentang nilai artistik komik yang tersebar lebih awal, tapi momentum utama datang lewat majalah dan gerakan editorial seperti 'Pilote' (yang berdiri pada 1959) serta gelombang kritik dan pameran di tahun 60-70an. Di saat itulah istilah 'le neuvième art' dipakai secara lebih konsisten oleh kritikus, kurator, dan penerbit untuk menegaskan status komik setara dengan seni rupa, musik, dan film. Dari situ istilah itu menyebar ke bahasa lain — Italia bicara 'nona arte', Spanyol 'noveno arte' — dan jadi bagian dari perdebatan resmi tentang kanon budaya. Jadi, kalau mau tanggal kasar: pemakaian istilah sebagai label kritis dan akademis mulai kuat di Eropa pada 1960-an hingga 1970-an, dibantu oleh figur-figur intelektual yang menulis tentang komik sebagai bentuk seni berharga. Itu periode yang bikin komik berhenti dianggap hanya bacaan anak dan mulai dianggap warisan budaya yang layak dipelajari — dan aku masih suka membayangkan rak-rak di toko tua yang perlahan penuh buku komik berlabel seni.

Rak buku di sebuah kafe sering jadi tempat favoritku buat melihat bagaimana penerbit memasarkan komik, dan aku selalu penasaran soal apakah mereka pakai konsep 'ninth art' itu. Dari pengamatan panjang, jawaban singkatnya: ada, tapi tidak menyeluruh. Beberapa penerbit—terutama yang mengincar segmen pembaca dewasa atau pasar kultural—kadang menempatkan komik sebagai objek seni: cetakan hardcover, kertas bagus, tata letak menyerupai monograf, blurb dari kritikus seni, hingga pameran di galeri kecil. Dalam konteks itu istilah 'seni ke-sembilan' atau framing seni dipakai untuk menaikkan prestise dan justru untuk membenarkan harga premium. Namun di rak mainstream dan toko buku besar, label yang muncul lebih sering tetap 'komik', 'manga', atau 'novel grafis'. Ada juga pelaku indie yang terang-terangan mengadopsi jargon seni: mereka bikin zine art, memamerkan proses gambar, dan menggaet audiens yang menghargai estetika daripada cerita komersial. Sementara penerbit berorientasi massal memilih praktik pemasaran yang lebih konvensional—trailers pendek, promosi bundling, atau kerja sama dengan influencer—karena yang mereka pikirkan adalah volume penjualan. Intinya, adopsi konsep 'ninth art' itu nyata tapi bersifat selektif. Dia muncul di momen dan tempat yang ingin mengangkat komik sebagai karya seni, bukan sebagai label massal. Buatku, kebijakan ini baik karena membuka ruang apresiasi baru, tetapi juga bikin bingung kalau berharap semua penerbit bakal bergerak ke arah itu.

Dari sudut pandang seorang penggemar, perbedaan antara komik dan manga dalam konteks anime adalah hal yang menarik untuk dibahas. Enggak bisa dipungkiri, keduanya memiliki daya tarik yang unik. Pertama-tama, jika kita berbicara tentang manga, kita berhadapan dengan karya asal Jepang yang kental dengan budaya dan gaya visual mereka. Manga biasanya dibaca dari kanan ke kiri, yang membuat pengalaman membaca terasa sedikit berbeda daripada membaca komik barat yang dari kiri ke kanan. Selain itu, manga sering kali memiliki nuansa cerita yang lebih mendalam dan karakter yang berkembang lebih baik, mungkin karena mereka memiliki waktu yang lebih lama untuk menjelajahi plot dan karakter. Misalnya, serial ‘One Piece’ tidak hanya menjadi terkenal berkat petualangan seru Luffy, tetapi juga karena pengembangan karakter yang luar biasa dari teman-temannya. Sementara itu, komik barat sering kali berfokus pada aksi cepat dan visual yang menarik, dengan artwork yang mungkin lebih berwarna dan gaya yang beragam. Komik sering dibagikan dalam edisi bulanan atau mingguan, sehingga cerita biasanya tersegmentasi. Ini memberikan rasa urgent untuk mengikuti setiap edisi, tetapi bisa juga terasa terpotong-potong dibandingkan dengan alur cerita yang lebih utuh dalam manga. Saya teringat saat pertama kali membaca ‘Batman: The Killing Joke’—pengalaman visual yang sangat memukau, tetapi juga sangat berbeda dibandingkan saat menikmati manga seperti ‘Attack on Titan’ yang memiliki alur cerita lebih mendekati novel. Dengan kata lain, baik komik maupun manga memiliki kelebihan masing-masing. Manga cenderung lebih mendalam, sementara komik mungkin lebih beragam dalam eksplorasi gaya. Dalam konteks anime, banyak anime yang diadaptasi dari manga, tetapi ada juga yang berasal dari komik, seperti beberapa judul Marvel. Jadi, pilihan apa yang lebih baik benar-benar tergantung pada apa yang kamu cari dalam sebuah cerita!

Aku pernah memperhatikan reaksi orang Prancis saat mendengar 'je t'aime' diucapkan oleh orang asing, dan seringkali itu lucu sekaligus manis. Biasanya yang pertama muncul adalah senyum kecil—bukan selalu karena mereka percaya, tapi karena mereka menghargai usaha belajar bahasa. Kalau pengucapanmu pas atau punya aksen yang menyenangkan, banyak yang akan menganggapnya menggemaskan; kalau salah nada atau kalian pakai frasa yang salah, mereka malah kadang tertawa pelan dan memberi koreksi ringan. Reaksi sebenarnya sangat tergantung konteks. Di kafe atau bar, orang mungkin merespons agak santai atau bahkan skeptis—Prancis tidak selalu menaruh label cinta besar pada kata itu kecuali memang serius. Di sisi lain, kalau itu diucapkan dalam momen intim, dengan tatapan yang tulus, mereka biasanya akan merespons dengan sama intensnya. Juga perlu hati-hati soal perbedaan antara 'je t'aime' dan 'je t'aime bien'—yang satu itu cinta, yang satu lagi lebih ke suka atau menyukai secara platonis; salah pakai bisa bikin suasana canggung. Yang membuat selalu menarik adalah bagaimana generasi dan latar memengaruhi respons. Orang tua mungkin menerima 'je t'aime' dari keluarga tanpa drama, sementara anak muda lebih santai dan sering pakai ungkapan sayang dengan gampang lewat chat. Pada akhirnya aku merasa mereka menghargai ketulusan; bilang 'je t'aime' dengan terburu-buru atau cuma sebagai guyonan kadang tidak dianggap serius, tapi kalau datang dari hati, itu punya berat sendiri dan biasanya dibalas dengan hangat.

Ada sesuatu yang magis tentang angka 10 dalam banyak cerita, dan dalam konteks novel populer, '10th' sering kali lebih dari sekadar urutan. Angka ini bisa melambangkan kelengkapan atau siklus, seperti 10 tahun dalam sebuah dekade atau 10 perintah dalam kitab suci. Dalam beberapa novel, '10th' mungkin merujuk pada bab terakhir yang mengakhiri sebuah arc karakter dengan sempurna, atau bahkan petunjuk tersembunyi bahwa ada 10 elemen kunci yang harus diperhatikan pembaca. Misalnya, dalam 'The Decameron', angka 10 digunakan untuk struktur cerita, sementara di 'And Then There Were None', 10 karakter terlibat dalam misteri. Angka ini bisa menjadi simbolis—mungkin 10 tahap perjalanan heroik atau 10 ujian yang harus dihadapi protagonis. Pembaca yang cermat akan menemukan bahwa detail kecil seperti ini sering kali adalah kunci untuk memahami lapisan cerita yang lebih dalam.