ใน Procreate ฉันควรตั้งค่าแปรงอย่างไรเมื่อวาดผีเสื้อสมุทร

หัวใจของเรื่องใน 'ผีเสื้อกับดอกไม้' อยู่ที่ความสัมพันธ์ระหว่างคนสองคนที่ดูต่างกันสุดขั้วแต่กลับเติมเต็มกันได้พอดี ฉันรู้สึกว่าตัวละครหลักคือ 'มินทร์' หญิงสาวที่เป็นเหมือนดอกไม้ — อ่อนโยน มีโลกส่วนตัวลึก แต่ก็กล้าฝันและเปี่ยมไปด้วยพลังเงียบ เธอพัฒนาจากคนที่กลัวการเปลี่ยนแปลงเป็นคนที่กล้าเลือกทางเดินของตัวเอง ฝ่ายตรงข้ามและคู่รักหลักคือ 'อชิ' ซึ่งเป็นเหมือนผีเสื้อ — เคลื่อนไหวไม่แน่นอน มีอดีตซับซ้อน แต่เสน่ห์ดึงดูดจนใครก็อยากรู้จักเขาให้ลึกขึ้น นอกจากสองคนนั้น เรื่องยังเน้นไปที่กลุ่มเพื่อนรอบข้าง เช่น 'เฟิร์น' เพื่อนสนิทที่เป็นที่ปรึกษา และ 'ทิว' ตัวละครที่เป็นเงาท้าทายความเชื่อของมินทร์ ทำให้โครงเรื่องไม่ได้หมุนแค่ความรัก แต่เกี่ยวกับการเติบโต ครอบครัว และการเลือกชีวิต ผมชอบการเล่าเรื่องที่ไม่รีบเร่ง เหมือนฉากใน 'Kimi ni Todoke' ที่ค่อยๆ พาเราเข้าไปในหัวใจตัวละครมากกว่าการเร่งปมให้จบแค่ตอนสองตอน

ประเด็นหนึ่งที่ผมชอบคุยกับเพื่อนๆ คือการมองจุดหักเหของเรื่องผ่านความทรงจำที่หายไปในตัวเอก ในฉากบ้านกระจกของ'ผีเสื้อกับดอกไม้' เมื่อกลิ่นดอกไม้ผสมกับแสงอาทิตย์ทำให้ใบหน้าของอดีตค่อย ๆ ปรากฏขึ้น มันเหมือนการเปิดแผลเก่าและคำตอบที่ถูกเก็บไว้ใต้ซากเสื้อผ้า เรื่องนี้ผมตีความว่าเหตุการณ์นั้นไม่ใช่แค่การเปิดเผยข้อมูล แต่เป็นการคืนอารมณ์ที่ผลักดันตัวเอกให้ตัดสินใจยอมทิ้งชีวิตเดิม ในมุมของผม แพตเทิร์นการเล่าเรื่องชิ้นนี้ใช้การเร้าจิตใต้สำนึกแทนการให้ข้อมูลตรงๆ ผู้เขียนตั้งกับดักด้วยสัญลักษณ์—ผีเสื้อที่บินวนรอบโถแก้ว ฝุ่นละอองที่ยามแสงตกกระทบแล้วเปลี่ยนความหมาย ฉากนั้นทำให้ความสัมพันธ์ระหว่างตัวเอกกับอดีตกลายเป็นแรงขับเคลื่อนหลัก แทนที่จะเป็นแรงต่อต้าน ภาพเล็กน้อยอย่างรอยไหม้บนผ้าห่มหรือเสียงหัวเราะคล้ายคนคุ้นเคย กลายเป็นเบาะแสสำคัญที่แฟนๆ เอามาต่อเรื่องกันเอง จบฉากนั้นแล้วผมรู้สึกว่าเส้นเรื่องเปลี่ยนจากการตามหาเป็นการเผชิญหน้า และนั่นเองที่เป็นจุดหักเหตามที่แฟนๆ นิยมพูดถึง

แสงใต้ผิวน้ำทำให้ปีกของผีเสื้อสมุทรดูเหมือนแผ่นแก้วที่กำลังหายใจไปมา, ฉันมักจะเริ่มจากการสังเกตทรงโดยรวมก่อนเสมอและขีดเส้นโครงร่างเบา ๆ เพื่อจับฟลูว์ของการเคลื่อนไหว โครงร่างแรกควรโฟกัสที่สัดส่วน: ลำตัวที่เรียว วิง (parapodia) ที่กว้างออกเป็นปีกสองข้าง แล้วกำหนดทิศทางลมใต้น้ำที่จะดึงปีกไป พอได้สัดส่วนแล้ว ให้ลงรูปทรงทึบ (block-in) ด้วยค่าสีพื้น สีน้ำทะเลอ่อน ๆ และเฉดเทา-ม่วงบาง ๆ เพื่อเตรียมเก็บรายละเอียดชั้นต่อไป ฉันชอบใช้ชั้นเลเยอร์หลายชั้นถ้าวาดดิจิทัล โดยให้เลเยอร์แรกเป็นความโปร่งแสง จากนั้นใช้โหมด overlay หรือ screen เพื่อเพิ่มแสงสะท้อน การทำให้รู้สึกเป็นแก้วใสสำคัญที่ขอบคมและแสงริม (rim light): ให้ขอบบาง ๆ ที่มีความคมชัดสูงแต่ขยายออกด้วยเบลอเล็กน้อย พร้อมใส่เงาอ่อนใต้ปีกเพื่อให้ปีกดูแยกจากฉากหลัง พื้นผิวด้านในเติมด้วยจุดเล็ก ๆ ของสีอุ่นและเย็นสลับกันเพื่อเลียนแบบลายเส้นของอวัยวะภายใน การเล่นกับสีสะท้อนจากน้ำ—แสงสีฟ้าอมเขียวและแสงส้มเล็ก ๆ จากแสงอาทิตย์—จะช่วยให้ผลงานมีมิติแบบธรรมชาติ ฉันมักจะย้อนไปดูฉากทะเลลึกที่มีแสงจัดในงานอย่าง 'Finding Nemo' เพื่อเรียนรู้การกระจายแสงในน้ำนิ่งและน้ำนิ่งที่มีฟอง นอกจากนี้อย่าลืมใส่อนุภาคน้ำเล็ก ๆ และการเบลอการเคลื่อนไหวให้รู้สึกว่าชีวิตกำลังล่องลอยอยู่จริง ๆ — เทคนิคพวกนี้ทำให้ภาพไม่แค่สวย แต่ยังส่งความรู้สึกเปราะบางของสิ่งมีชีวิตในทะเลด้วย

พอได้ลองลงสีน้ำให้ผีเสื้อสมุทรแล้วก็รู้สึกเหมือนกำลังจับลมใต้ท้องทะเลไว้ในกระดาษ — เทคนิคที่เลือกจะเป็นตัวกำหนดอารมณ์ทั้งภาพเลย เราเริ่มจากการเตรียมพื้นฐานก่อน: กระดาษหนา 300 แกรมขึ้นไปแบบคอตตอน ควรเลือกแบบมีผิว (cold press) เพื่อให้เกิดเท็กซ์เจอร์เล็ก ๆ ที่ช่วยเพิ่มความเป็นธรรมชาติของแสงใต้ทะเล ควรมีน้ำยากันเปื้อน (masking fluid) เผื่อจะรักษาจุดไฮไลท์ของปีกที่ต้องใสสุด และพู่กันหลายขนาด โดยพู่กันทรงกลมขนาดกลางถึงเล็กกับพู่กันเส้นสำหรับรายละเอียดเป็นสิ่งที่ขาดไม่ได้ เทคนิคน้ำหลักที่ชอบใช้มีสองอย่างผสมกัน: เริ่มด้วย wet-on-wet เพื่อให้ปีกดูฟุ้งเหมือนแผ่นเยื่อโปร่ง จากนั้นค่อยซ้อนเลเยอร์บาง ๆ แบบ glazing เพื่อเพิ่มความลึกและโทนสี การใช้เกลือบนผิวน้ำขณะยังชื้นช่วยสร้างจุดเม็ดเล็ก ๆ คล้ายแพลงตอน ส่วนการใช้แอลกอฮอล์หยดเล็ก ๆ จะให้เอฟเฟกต์ฟองอากาศหรือจุดกระจายที่ไม่เป็นระเบียบ การล้างสี (lifting) ด้วยกระดาษทิชชูหรือพู่กันแห้งช่วยแกะรูปทรงปีกที่ต้องการให้บางและโปร่ง อย่าลืมใช้สีมุกหรือสีเมทัลลิกเล็กน้อยบริเวณริมปีกเพื่อเพิ่มประกาย เสร็จแล้วใช้สีฝุ่นขาวหรือกัวชสำหรับไฮไลท์จุดสุดท้าย งานแบบนี้มักได้แรงบันดาลใจจากฉากน้ำใส ๆ ใน 'Ponyo' แต่สิ่งที่สำคัญจริง ๆ คือการควบคุมปริมาณน้ำและเว้นช่องว่างให้แสงผ่าน เราชอบปล่อยให้บางส่วนของปีกไม่เติมสีเต็ม เพื่อให้ตาเห็นความโปร่งใสแบบธรรมชาติ จบงานด้วยการสแกนความรู้สึกว่าอยากให้ผีเสื้อสมุทรนั้นเคลื่อนไหวอย่างไร แล้วลงรายละเอียดสุดท้ายตามจังหวะนั้น

การผสมผสานระหว่างปีกผีเสื้อและองค์ประกอบทะเลสามารถให้ความรู้สึกทั้งบอบบางและลี้ลับได้ เริ่มจากคิดรูปsilhouette ก่อนว่าจะให้ผีเสื้อสมุทรของเราดูชัดเจนแบบมังงะแบบไหน เช่น ปีกกว้างโปร่งใสที่มีริ้วคลื่นแทนเส้นเส้นเลือดปีกแบบผีเสื้อทั่วไป หรือให้ปีกกลายเป็นครีบและแผงหางแบบปลาที่ขยายออกเป็นพู่สวย ๆ การออกแบบสัดส่วนสำคัญมาก ถ้าอยากให้น่าเชื่อถือ ให้ใช้สัดส่วนผสมระหว่างแมลงกับสัตว์ทะเล เช่น ท้องอวบเหมือนแมลงแต่ขอบปีกเป็นคลื่น เหล่านี้ช่วยให้ตัวละครมีภาษาร่างกาย เลือกรายละเอียดพื้นผิวและลายบนปีกให้เล่าเรื่อง เช่น ใส่ลายเกล็ดเหมือนปลาดาว ลายจุดกลมเป็นฟองอากาศ หรือเส้นลายที่เหมือนเส้นคลื่น ใช้การไล่ค่อนไลท์และเงาในมังงะเพื่อให้ปีกดูโปร่งและเรืองแสง ฉันมักจะเริ่มด้วยเส้นบาง ๆ และเติมโทนสีเป็นเลเยอร์ เพื่อคุมความโปร่งใสและให้ปีกดูลอยได้โดยไม่หนักเกินไป สุดท้ายให้คิดเรื่องการเคลื่อนไหวในการ์ตูน ถ้าปีกขยับเหมือนปลาว่าย ให้วาดเส้นสตรีมและเส้นการเคลื่อนไหว (motion lines) แบบมังงะเพื่อสื่อจังหวะ ถ้ามุ่งเน้นความลึกลับ ใช้เงาบาง ๆ และคอนทราสต์สูงแบบที่เห็นในฉากธรรมชาติของ 'Nausicaä of the Valley of the Wind' เพื่อให้ภาพมีบรรยากาศ สำคัญที่สุดคือลองทำสเก็ตช์หลายแบบแล้วเก็บองค์ประกอบที่ชอบจนออกมาเป็นสไตล์ของตัวเอง

ฉันชอบเริ่มต้นจากภาพจริงที่ถ่ายโดยนักวิจัยและพิพิธภัณฑ์ เพราะภาพพวกนั้นมักมีรายละเอียดทางกายวิภาคที่ชัดเจนและไม่ผ่านการปรับแต่งมากนัก การหาแหล่งที่น่าเชื่อถืออย่าง 'GBIF' (Global Biodiversity Information Facility) หรือคลังภาพของพิพิธภัณฑ์ธรรมชาติ เช่น Natural History Museum จะช่วยให้เจอภาพมาตรฐานของสายพันธุ์ต่าง ๆ ที่ชัดเจนและมีข้อมูลประกอบ เช่น ภาพตัวอย่างชนิด 'Clione limacina' ที่แสดงโครงสร้างปีกและเนื้อเยื่ออย่างละเอียด นอกจากภาพนิ่งแล้ว งานวิจัยที่ลงรูป SEM (scanning electron microscopy) และภาพถ่ายจากการส่องกล้องจุลทรรศน์ให้รายละเอียดพื้นผิวที่ใช้ในการวาดลาย หรือปรับแสงเงาให้สมจริงได้ เมื่อสะสมภาพอ้างอิงแล้ว ฉันจะจัดแยกเป็นหมวด เช่น มุมมองด้านบน ด้านข้าง โครงสร้างภายใน เฉดสีจริงในสภาวะแสงต่าง ๆ แล้วจึงค่อยนำมาอ้างอิงผสมกันเพื่อให้ไม่ได้ลอกแบบภาพเดียว แต่ยังคงความสมจริง การผสานภาพจากพิพิธภัณฑ์ งานวิจัย และภาพความละเอียดสูงช่วยให้วาดผีเสื้อสมุทรที่ทั้งมีรายละเอียดทางชีววิทยาและมีเสน่ห์ทางศิลป์ได้อย่างลงตัว

ชื่อเรื่องนี้ฟังดูคุ้นหูแต่ก็มีความเป็นไปได้หลายทางในโลกนิยายลึกลับที่ผูกโยงกับภาพวาดและการสืบสวนคดีฆาตกรรม ผมเป็นคนที่ชอบสะสมงานแนวสืบสวนจากทั้งไทยและต่างประเทศ จึงมักเจอชื่อนิยายที่มีคำว่า 'ภาพวาด' หรือ 'ปริศนา' ประกอบอยู่บ่อย ๆ ถาคที่ผู้เขียนหยิบภาพวาดมาเป็นจุดเชื่อมโยงของคดีมักจะสร้างบรรยากาศที่อึมครึมและมีเลเยอร์ความหมาย เช่น งานที่เล่าเรื่องราวผ่านภาพศิลป์ซึ่งซ่อนเบาะแสเกี่ยวกับผู้ตายหรือเจตนาของฆาตกร ฉะนั้นเมื่อเจอชื่อเรื่อง 'ภาพวาดปริศนากับการตามหาฆาตกร' ผมนึกถึงผู้เขียนที่ถนัดการผูกเรื่องโดยใช้วัตถุเป็นกุญแจสืบสวน — คนที่สามารถสอดแทรกประวัติศาสตร์ศิลป์ ความสัมพันธ์เชิงบุคลิกภาพ และตรรกะการสืบสวนเข้าด้วยกัน จากมุมมองแฟนคลับ ผมคิดว่าเจ้าของผลงานน่าจะเป็นคนที่มีความชำนาญทั้งในการวางปริศนาและการสร้างบรรยากาศ เช่น ผู้เขียนที่เคยเขียนเรื่องสืบสวนแบบกึ่งจิตวิทยาและชอบสลับเล่าอดีต-ปัจจุบันเพื่อเผยเงื่อนงำทีละชิ้น ตัวอย่างงานอื่น ๆ ที่ทำให้ผมเชื่อแบบนี้ได้แก่ 'The Name of the Rose' ที่ใช้หนังสือและภาพเขียนเป็นแหล่งเบาะแส หรือเรื่องราวในบรรยากาศเมืองเก่าซึ่งภาพวาดกลายเป็นตัวกลางเชื่อมเหตุการณ์ข้ามยุค แม้ว่าผมจะไม่ได้ยืนยันชื่อผู้แต่งที่แน่ชัดตรงนี้ แต่จากโครงเรื่องและการเล่าแบบที่สะดุดตา มันน่าจะมาจากนักเขียนที่ให้ความสำคัญกับรายละเอียดทางศิลปะและจิตวิทยาตัวละครอย่างมาก สุดท้ายถ้าคุณกำลังมองหาชื่อผู้แต่งที่ชัดเจนจริง ๆ วิธีที่ผมมักใช้คือเทียบลักษณะการเล่าและโทนเรื่องกับหนังสือที่คุ้นเคย — คนอ่านชื่อเดิม ๆ ก็จะช่วยตัดสินได้เร็วขึ้น อย่างไรก็ดี เหตุผลที่ผมพูดแบบนี้เป็นเพราะงานแนวภาพวาดปริศนามีหลายสำเนียง และผู้แต่งแต่ละคนจะเลือกทำให้ผลงานมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว การได้อ่านต้นฉบับสักตอนหรือดูข้อมูลปกจะทำให้ระบุผู้แต่งได้แม่นยำกว่า แต่โดยรวมแล้วผมชอบแนวนี้ที่มันทั้งลึกและระทึกใจ ลุ้นไปกับการเชื่อมจิ๊กซอว์ภาพวาดเข้ากับเบาะแสของคดีมาก ๆ

ยิ่งพูดถึง 'Anubis' ในโลกมังงะ ผมจะนึกถึงเวอร์ชันที่เป็นสแตนด์ซึ่งปรากฏในงานของ ฮิโรฮิโกะ อารากิ — นั่นคือภาพที่คนส่วนใหญ่เรียกกันว่า 'Anubis' จาก 'JoJo's Bizarre Adventure' งานของอารากิเด่นที่การดีไซน์ผสมผสานมุมมองแฟชั่นกับสัญลักษณ์โบราณ ทำให้สแตนด์ที่มาในธีมอียิปต์ดูทรงพลังและคมชัดมากกว่าการยกเอารูปลักษณ์ดั้งเดิมมาใส่เฉยๆ ผมชอบที่เส้นและโทนเงาของเขาทำให้วัตถุที่เป็นโลหะหรือเครื่องประดับดูหนักแน่นแต่ยังคงเอกลักษณ์แบบสมัยใหม่ การที่อารากิเป็นทั้งผู้เขียนและผู้วาดทำให้การออกแบบตัวละครอย่าง 'Anubis' สอดคล้องกับสไตล์โดยรวมของเรื่อง ทุกอย่างตั้งแต่ท่าทาง การจัดองค์ประกอบหน้ากระดาษ ถึงเงาและแสง ถูกลงมือออกแบบเพื่อสื่ออารมณ์ของฉากนั้นๆ ในฐานะแฟน ผมมองว่าเมื่อภาพของเทพหรือสแตนด์แบบนี้ปรากฏขึ้น มันไม่ใช่แค่หน้าตาแต่เป็นการวางคาแรกเตอร์ด้วยลายเส้นเดียวกันกับที่ใช้เล่าเรื่อง ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมภาพ 'Anubis' ของอารากิจึงติดตาและจดจำได้ง่าย