كيف تطورت موهبة زين الجرحي بين المسرح والسينما؟

الفضول دفعني أبحث بعمق عن مسيرة 'زين الجرحي' في عالم الدراما التلفزيونية، والنتيجة باختصار: لا يبدو أن هناك علامات واضحة على مشاركات تلفزيونية بارزة باسمه في الأعمال الدرامية المعروفة حتى الآن. اسماء مثل هذه أحيانًا تبقى خارج قوائم الممثلين الرئيسيين، أو تكون مرتبطة بمشروعات محلية قصيرة، أو تظهر في مشاهد ضيوف صغيرة لا تُسجّل دائمًا في قواعد البيانات العامة. لذلك الأسهل والأصدق أن أقول إنني لم أعثر على سجل تلفزيوني بارز ومتكرر يربط 'زين الجرحي' بسلسلة درامية مشهورة على شاشة التلفاز. مع ذلك، هذا لا يعني أن الشخص لا يملك خبرة تمثيلية أو حضورًا فنيًا آخر؛ كثير من المبدعين ينتقلون عبر مسارات مختلفة قبل أن يصلوا إلى الدراما التلفزيونية. قد يشارك البعض في عروض مسرحية، أفلام قصيرة، مسلسلات ويب، أو حتى يظهرون كمقدّمين أو ضيوف في برامج حوارية ومسلسلات قصيرة على المنصات الرقمية. كما أن بعض الأسماء تتواجد بقوة على منصات المحتوى المرئي القصير أو اليوتيوب، وهذا الوجود الرقمي قد لا يترجم فورًا إلى ظهور في دراما تلفزيونية طويلة. لذلك وجود اسم لا يظهر في قوائم الدراما لا يلغي التأثير أو الموهبة، بل قد يشير إلى تواجد في ساحة فنية مختلفة أو بداية مسار مهني لم يصل بعد إلى شاشات التلفزة التقليدية. إذا كنت تبحث عن طرق عملية للتأكد بنفسك، فأنصح بمراجعة قواعد بيانات الأفلام والمسلسلات مثل 'IMDb' و'ElCinema' وكذلك الاطلاع على صفحات الفنان على منصات التواصل الاجتماعي كـ'إنستغرام' و'فيسبوك' وقنوات 'يوتيوب' إن وُجدت. مقابلات الصحافة المحلية أو الأخبار الفنية أحيانًا تكشف عن مشاركات ضيفة أو أعمال مسرحية أو تعاونات غير موثقة في قواعد البيانات الأكبر. كذلك قوائم مهرجانات السينما المحلية والبرامج المسرحية قد تذكر مشاركات أشخاص لم يظهروا بعد في التلفزيون. الفحص اليدوي لكتالوج الحلقات في مسلسلات محددة، أو الاطلاع على لوحة الاعتمادات في نهاية الحلقات، يمكن أن يكشف عن ظهورات قصيرة أو خلفية. بالنهاية أنا أتحمس لفكرة أن مواهب جديدة مثل 'زين الجرحي' قد تكون في طور الانطلاق أو تكتسب خبرة في منصات أخرى قبل أن تنتقل إلى الشاشة الكبيرة أو السلسلات الطويلة. إن وجود اسم غير مرتبط حالياً بمسلسلات تلفزيونية لا يقلل من احتمالية ظهوره لاحقًا بعمل كبير، والعالم الفني مليء بأمثلة لمن بدأوا في المسرح أو الويب قبل أن يصبحوا وجوهاً مألوفة على التلفاز. شخصيًا أتمنى لو ظهر في دراما تلفزيونية قريبًا لأن الانتقال من محتوى رقمي أو مسرحي إلى الدراما يمنح الممثل مساحة لتطوير موهبته ويمنح الجمهور فرصة اكتشافه بعمق أكبر.

أمضيت وقتًا أتقصى حول سجل الجوائز الخاص بزين الجرحي، وبصراحة المعلومات المتاحة للعامة متفرقة وغير موثوقة بما يكفي لتقديم تاريخ دقيق ليس فيه مجال للخطأ. بعد تمحيص الأخبار والمقابلات ومنشورات وسائل التواصل، لم أجد تسجيلًا رسميًا أو تغطية إخبارية واضحة تشير إلى موعد فوزه بأول جائزة تمثيل. كثير من الممثلين الناشئين يحصلون على جوائز محلية أو من مهرجانات صغيرة لا تحظى بتوثيق واسع، كما أن اختلاف تهجئة الأسماء أو الاختصارات قد يشتت البحث (أحيانًا يُكتب الاسم بأشكال مختلفة في المنصات الإعلامية). لهذا السبب أرى أن أي تاريخ يُذكر بدون مصدر رسمي سيكون مجرد تخمين. لو أردت تقييم الاحتمالات بشكل منطقي، فأنظر إلى نوعية الأعمال التي ظهر فيها—إن كانت مسلسلات تلفزيونية محلية فقد تكون الجائزة من مهرجان تلفزيوني أو من جوائز إقليمية مثل جوائز القنوات، أما إن كانت بداياته في السينما المستقلة فربما حصل على تكريم من مهرجان محلي أو جامعي. أسماء مهرجانات معروفة يمكن التحقق من أرشيفها مثل 'مهرجان القاهرة السينمائي' أو غيرها من المهرجانات الإقليمية غالبًا تذكر الفائزين في صحف المحلّية أو في صفحاتها الرسمية. في النهاية، ما يهمني كمشاهد هو كيف أثّرت تلك اللحظة—لو حصل عليها مبكرًا فهي علامة على اكتشاف موهبة؛ وإن لم تحصل، فمساره قد يكون نضج عبر أعمال متواصلة قبل الاعتراف الرسمي. أيًا كان الحال، فإن تراكُم الأداء هو ما يجعل الجائزة ذات معنى فعليًا، وما يهمني هو متابعة تطوره أكثر من تاريخ جائزة واحدة.

تتداخل السجلات والمصادر عندما أحاول تتبُّع أصل زين الجرحي وبداية مسيرته الفنية، وهذا شيء لفت انتباهي منذ اللحظة الأولى التي بحثت فيها عنه. لا توجد سيرة موثوقة ومفصّلة منشورة من مصدر رسمي واحد يحدد بالضبط مدينة ميلاده أو السنة، بل تعتمد معظم المعلومات المتاحة على مقابلات متقطعة، منشورات في وسائل التواصل، وبعض مقالات المدونات التي قد تختلف في الدقة. من خلال قراءتي ومتابعتي لتلك المواد، يبدو أن الصورة العمومية تشير إلى أنه نشأ في بيئة عربية محلية وكانت بداياته أقرب إلى المشهد المستقل: حفلات صغيرة، جلسات أداء حيّ، وربما تسجيلات في استوديوهات محلية. كثير من الفنانين الشباب الذين تبدأ أسماؤهم بهذه الطريقة يجدون منطلقهم عبر المنصات الرقمية مثل يوتيوب أو إنستاغرام أو حتى عبر مسابقات محلية، وهذا ما لاحظته مكرراً في المواد المرتبطة باسمه—إشارات إلى فيديوهات ومقتطفات أدت إلى تزايد شعبيته قبل أن تستقر مسيرته في نطاق أوسع. لا أريد أن أقول شيئاً قاطعاً دون مصدر موثوق، لكن من طريقة الانتشار والحوارات التي ظهرت حوله، يبدو أنه بدأ في محيط فني إقليمي صغير ثم توسّعت قاعدته عبر الإنترنت ووسائل التواصل، وهو أمر أصبح نمطياً لكثير من المبدعين الجدد. النقطة المهمة بالنسبة لي هي أن مسيرته لم تبدُ كقفزة مفاجئة من العدم، بل كتراكب من تجارب محلية، تسجيلات بسيطة، وتفاعل رقمي دفَع اسمه للخروج من دائرة الهواة إلى محفل أوسع. خلاصة موقفي المتواضع: إذا أردت تأكيداً قاطعاً حول مكان ولادته وبداياته الأولى، أفضل مرجع هو مقابلة رسمية أو سيرة يوقعها بنفسه؛ أما القراءة الحالية فتعطي انطباعاً قوياً عن بداية متواضعة محلية تلاها انتشار رقمي تدريجي، وهو مسار أعرفه جيداً من متابعة مواهب شابة كثيرة، ويمنحني إحساساً بأن قصته تشبه قصص اكتشاف فنان في عصر الإنترنت أكثر منها ولادة مفاجئة في مشهد تقليدي.

أحد الأشياء التي جعلتني ألتصق بشاشته هو كيف يحول كل دور إلى تجربة إنسانية معقدة ومقنّعة ببساطة تظهر في اللحظات الصغيرة. أحب أن أشرح هذا من زاوية الممثل نفسه: نبرة صوته تمزج بين حدة وكسر داخلي، وتعبيرات وجهه تبدو وكأنها تترجم أفكار الشخصية قبل أن تتكلم. هذا النوع من الدقة الصامتة نادر، وهو ما يجذبني ويجذب غيري أيضاً؛ لأن المشاهد لا يكتفي بالمشهد السطحي، بل يبحث عن تلك الومضات التي تكشف عن دوافع خفية أو جرح قديم. اختيار زين الجرحي لأدوار تحمل تناقضات — شقيق حساس في قصة عن جفاء، أو رجل قاسٍ ينهار في لحظة خاصة — يجعلنا نشعر بأن كل شخصية لديها حياة خارج الإطار المصوّر، وهذا يخلق تعلقًا حقيقيًا. من منظور التفاعل المجتمعي، هنا يكمن السحر الرقمي: مشاهد قصيرة قابلة للاقتطاف تُصبح رموزًا وميمات، والجمهور يعيد تشكيلها ويمنحها سياقًا جديدًا. زين لا يبدو وكأنه يقدّم أداءً جامدًا للكاميرا فقط؛ بل يتعامل كمن يفتح نافذة صغيرة ليطل علينا بصدق. هذا يسهّل على صانعي المحتوى والمونتيرين تحويل لحظاته إلى مقاطع تنتشر بسرعة، ومع كل انتشار يزداد فضول مشاهد جديد ليعود للمصدر الكامل. كما أن طبيعته المتواضعة في اللقاءات والستوريز تضيف طبقة إنسانية: ترى وراء الشخصية شخصًا يعترف بأخطائه ويشارك لحظات تهوّنه، فتبني علاقة ثقة مع الجمهور. أخيرًا، ما يجعل جذب زين مستمرًا ليس مجرد موهبة تمثيل، بل قدرة نادرة على الموازنة بين الكاريزما والضعف، بين الأداء المسرحي والحضور اليومي، وبين السرّية وإتاحة اللمحات الشخصية. هذه الخلطة تجعل كل ظهور له حدثًا صغيرًا على الإنترنت، ومع كل ظهور تنمو القاعدة المتعاطفة، ليس لأنهم يحبون مجرد صورة جميلة، بل لأنهم يشعرون بأنهم جزء من قصة أكبر — وهنا يكمن السبب الذي يجعلني أتابعه بشغف.

أذكر تمامًا اللحظة التي تحوّلت فيها المواجهة إلى رقصة مدروسة بين زين ورفيقه، وصوت أنفاس الجمهور كأنه جزء من الموسيقى التصويرية للمشهد. أنا أرى أن من رافق زين الجرحي في أشهر مشاهد الأكشن كان صديقه القديم 'مازن'، الرجل الذي دائماً كان يقف بجانبه كظل مخلص لكنه أبداً ليس شخصًا هامشياً؛ دوره كان مزيجًا من العقل الاستراتيجي والعضلات المشروطة، وهذا ما جعل ثنائيتهما مميزة على الشاشة. أتابع المشاهد بعين ناقدة ومتحمّسة، وأحبّ التركيز على كيفية توزيع المهام بينهما: زين يدخل المواجهة مباشرة، يخلق الفوضى أو يجذب الانتباه، ومازن يكون الطرف الذي يحمي ظهره أو يتولى إخراج المدنيين من خط النار. هذه الديناميكية تمنح الأكشن طبقات — ليست مجرد لكمات ورصاص، بل تعاون ذكي. أتذكر لقطة مطاردة على سطح مبنى حيث التناغم بينهما وصِفَّة الثقة المتبادلة كانت سببًا رئيسيًا في جعل المشهد يتذكَّره المشاهدون. ما جذبني كذلك تفاصيل صغيرة: طريقة تبادل النظرات قبل الصفعة الحاسمة، إشارات اليد الخفية، وحتى طريقة مازن في إصلاح سلاح زين بسرعة ضمن فوضى المعركة. كل هذه الأشياء تبني علاقة خارج إطار الكلام، وتخلق إحساسًا بإنجاز مشترك. أحيانًا عندما أشاهد هذه المشاهد أتصور سيناريوهات بديلة أو مشاهد خلف الكواليس، وهذا يزيد حبي للعمل: التعاون بين زين ومازن أعطى المعارك الوزن والصدق الذي نادراً ما نجده في مشاهد الأكشن السريعة. في نهاية المطاف، تبقى تلك الثنائية سببًا رئيسيًا في تأثير المشاهد، وأحياناً أتمنى لو أن هناك مشاهد تم فيها استكشاف هذا الرابط بشكل أعمق، لأن القوة الحقيقية لم تكن فقط في الضربات، بل في الثقة المتبادلة بينهما.

لا يمكنني نسيان اللحظة التي شعرت فيها أن أداء محمد آل رشى أعاد ضبط مفاهيمي عن الأداء المسرحي؛ كان هناك تداخل بين صدق اللحظة ووعي مسرحي واضح جعل كل حركة وصمت محسوبين. من وجهة نظري، تطوّر أسلوبه مرّ عبر طبقات: البداية كانت لدى الكثيرين تعتمد على الاعتماد على النص والصوت كوسيلتين رئيسيتين، لكنه انتقل تدريجيًا إلى بناء الشخصية من خلال الجسد والإيقاع الداخلي. شاهدت تطورًا في طريقة تعامله مع الحوار—لم يعد مجرد نطق، بل جعل لكل كلمة وزنًا زمنيًا ومكانًا جسديًا؛ يعيد تشكيل الفعل المسرحي بحيث يصبح المستمع مشاركًا لا متفرجًا فقط. هذا التحوّل بدا لي نتيجة عمل طويل على التنفس والتمارين الصوتية، مع اندماج واضح بتقنيات الارتجال التي تسمح له بردود فعل حقيقية على زملائه وعلى تجاوب الجمهور. أحببت أيضًا كيف دمج تقاليد الأداء المحلي مع إيقاعات مسرحية حديثة؛ لاحظت أن له حسًا بالترجمة بين المدركات الشعبية واللغة المسرحية المعاصرة، فيستخدم لهجة وسلوكيات مألوفة للجمهور ثم يكبرها بشكل درامي ليفتح أفقًا جديدًا للفظ المشاعر. طريقة وضعه للضوء والركن في الفضاء أيضاً تظهر كنمط: لا يقف في مكان واحد، بل يحسب كيف تتحرك العين داخل المشهد، ويستثمر الصمت كأداة فعلية تكسر توقعات الجمهور. في النهاية، ما يجعل أسلوبه متطورًا هو الجمع بين التدريب الدؤوب والانفتاح على التجربة—تعلم من المخرجين، من زملائه، ومن رد الفعل المباشر للحضور. أحب متابعة عروضه لأنه يبدو دائمًا أنه يتحدى نفسه ويعيد كتابة قواعده، وهذا ما يجعل متابعة مسيرته متعة مستمرة بالنسبة لي.

لا أنسى الليالي الأولى على خشبة المسرح؛ كانت شغفًا خامًا يحترق فيّ قبل أن يعرفني أحد. بدأت بتمثيل أدوار صغيرة في فرق محلية، أتدرّب لساعات على النطق والحضور الجسدي وأتعلم كيف أتحكم في الصدى وكيف أصل بصوتي لكل زاوية في القاعة. في المسرح تتعلم أن تعيش اللحظة كاملة وأن تبني الشخصية ببداهة، وهذا ما منحني قاعدة صلبة لا تُمحى. مع الوقت، جاء العرض التلفزيوني الأول كفرصة لتجربة أُخرى تمامًا. العدسة لا ترحم؛ التفاصيل الصغيرة في العيون والحركة تصبح كل شيء، فتعلمت أن أقل كلمة يمكن أن تحمل وزنًا أكبر أمام الكاميرا. التحول لم يأتِ دفعة واحدة — قبل أن أظهر على الشاشة الكبيرة كنت أحضر ورش تمثيل أمام الكاميرا، أقبل أدوارًا مساعدة، وأبني علاقات مع مخرجين ومنتجين. الشهرة على الشاشة جاءت أسرع، لكن المسؤولية اختلفت: جمهور أكبر، نقد أكثر، وجدالات على السوشال ميديا. ومهما تغيّرت الوسائط، ظل المسرح بيتي الذي أعود إليه لتغذية فني وصقلي كممثلة، وأعتقد أن الجمع بين الاثنين هو ما صنع تنوّعي ومكانتي اليوم.

أذكر تمامًا مشهد البروفة الأولى التي حضرتها لعمل من أعماله — كان كل شيء يبدو وكأنه مزج بين جلسة موسيقية وحلقة نقاش. زياد كان يعتمد كثيرًا على الإيقاع أكثر من النص المحفوظ؛ كان يعيد صياغة الجمل في اللحظة، يجرب نغمة الكلام كأنها لحن، ويشجعنا على تكرارها حتى ننطقها بطبيعة تشع صدقًا. الطريقة التي يدرب بها الممثل لا تقتصر على تدريبات التمثيل التقليدية، بل تضم تمارين صوتية وإيقاعية، حيث يجعل العبارة تتنفس مع موسيقى داخلية، ويطلب منا أن نصغي لوقوع الصمت بقدر ما نصغي للكلام. في البروفات كان يعطي مساحة كبيرة للاختبار والارتجال؛ يضع موقفًا عامًا ثم يطالبنا بأن نلعبه بأوجه مختلفة، مضيفًا تفاصيل من حياتنا الواقعية ليصنع علاقة شخصية بيننا وبين الشخصية. لم أكن أرى توجيهاته كأوامر صارمة، بل كنقاش دائم: إذا لم يعمل اقتراح ما، يمزح ويعيد المحاولة حتى نجد الإيقاع الصحيح. هذا الأسلوب يمنح النص حيوية ويجعل الأداء يبدو كأنه ينمو من داخل الممثل نفسه. أكثر ما أثر بي أن زياد لم يَبْغَ شكلًا مسرحيًا مثاليًا بقدر ما سعى لصدق اللحظة. كان يحرص على اللهجة المحلية والبسيطة، على الوقفة الطبيعية وعلى الفواصل الصغيرة التي تمنح الحوار طعمه، وهكذا تخرج الشخصيات وكأنها تنبض بجسد الحياة اليومية، لا بشخصيات مُتقنة من كتاب مدرسي. انتهت البروفات غالبًا بشعور مزيج من الإجهاد والإنجاز، وكان هذا هو الدرس الأكبر: أن التمثيل عنده هو عمل جماعي إيقاعي يتطلب ثقة وتجريب مستمر.

كي يبدأ المشهد بشكل حيّ، أرى أن أهم شيء يفعله المعلم المسرحي هو خلق مساحة آمنة تسمح للشباب بالمخاطرة والارتكاب — لأن الموهبة لا تزدهر إلا عندما يُسمَح للفشل أن يكون جزءًا من التجربة. أتعامل مع تلاميذي وكأننا فرقة صغيرة؛ نبدأ بتدريبات الإحماء التي تقرّب القلوب وتكسر الحواجز، ثم ننتقل إلى لعب تمارين الإرتجال مثل 'نعم، وماذا بعد؟' وتمارين الحالة النفسية والحركة التي تبني الثقة. هذا الأساس يجعل أي مُمثّل شاب قادرًا على التعبير بحرية ويعطيه جرأة لتجربة أصوات وحركات جديدة دون الخوف من السخرية. أُحب أن أقسم تنمية الموهبة إلى عناصر عملية: التمرين التقني، والتجربة الإبداعية، والتغذية المرتدة البنّاءة، والربط بالواقع. من الناحية التقنية نعمل على الصوت والتنفس، ومخارج الحروف، وتقنيات الحركة (أحب إدخال عناصر من تدريب لابان والتمثيل الجسدي) وكذلك تدريبات العين والتواصل غير اللفظي. من ناحية الإبداع، أشجع الكتابة المسرحية الجماعية، تحويل صفحة يوميات إلى مونولوغ، والعمل على شخصيات أصلية بدل الاقتصار على النصوص المعروفة. التمارين الصغيرة مثل خلق شخصية في خمس دقائق أو إعادة كتابة مشهد بنهايات مختلفة تضخ الحِسّ الإبداعي لدى الطلاب بسرعة. التغذية المرتدة أساسية، لكن يجب أن تكون ذكية ومحفّزة: أتبنى قاعدة "ملاحظة، إحساس، اقتراح" — أصف ما لاحظته، أشارك كيف أثّر بي، ثم أقترح تعديلًا عمليًا. أحرص أن يكون النقد أمام المجموعة عادلًا ويعطي خطوات قابلة للتطبيق بدلًا من ملاحظات عامة. كذلك أنشئ فرصًا لقيادة الطلاب لمشاريع صغيرة (إخراج مشهد، تصميم ديكور بسيط، تنظيم عرض قصير) لأن المسؤولية تُنمّي حسّ الاحتراف والابتكار. المكافآت الاجتماعية — مثل عرض مختصر في المدرسة أو بث مباشر للعروض القصيرة — تعطي الطلاب شعورًا بالإنجاز وتحفّزهم على المزيد. المعلم الجيد يعرّف طلابه على نصوص متنوعة ويُعرّضهم لأساليب إخراج مختلفة: من الكلاسيكيات مثل 'مكبث' و'حلم ليلة منتصف الصيف' إلى أعمال معاصرة ومسرح الشارع. كما أدمج تقنيات التكنولوجيا المسرحية البسيطة (إضاءة، موسيقى، فيديو) ليكتشف الشباب كيف يمكن للأدوات أن توسع لغة العرض. على المدى الطويل أعمل كمرشد: أتابع تقدم كل طالب عبر دفتر ملاحظات، وأشجّعهم على التسجيل الصوتي/الفيديو للتقييم الذاتي، وأربط المواهب بفرص المشاركة في مهرجانات محلية أو ورش خارجية. أركز على بناء مجتمع مسرحي داخل الصف حيث يدعم الطلاب بعضهم بعضًا، ويتعلمون التعاون أكثر من التنافس. في النهاية، لا توجد وصفة واحدة صالحة للجميع، لكن التجربة التي أؤمن بها تقوم على الجرأة المنظمة، التدريب التقني المتكرر، والتشجيع الدائم. عندما ترى عين طفل تتوهج بعد أول مرة يقدّم فيها مشهد كامل، تعرف أن كل تمرين وكل نص وُضع بحُب قد صنع فنانًا شغوفًا — وهذا أجمل جزاء لأي معلم مسرحي.

أحتفظ بصورة حية في ذهني لمشهد مسرحي من 'عطيل' حيث الصوت يتحكم بكل شيء، وهذا يشرح لي الفرق الجوهري بين المسرح والسينما: المسرح يعتمد على الحضور الجسدي والطاقة المشتركة بين الممثلين والجمهور، بينما السينما تبحث عن الحميمية من خلال الكاميرا والمونتاج. على المسرح، اللغة الشعرية لشيكسبير تبقى محوراً؛ الجملة تُنطق كاملة، والوقفة وتتالي الحركات تصنع المعنى أحياناً أكثر من الكلمات نفسها. أذكر كيف أن وقوف الممثل على ضوء ساقط أو انسحابه البطيء يمكن أن يحوّل بيتاً واحداً إلى ثقل كبير في المشهد. المسرح يسمح بتضخيم الصفات: الغضب، الكبرياء، الخجل تُعرض بوضوح لأن الجمهور في المكان ذاته يستقبل كل اهتزاز في الصوت. كذلك، مسألة العرق تُعرض أحياناً بشكل مباشر أو رمزي عبر الملابس والمكياج والإضاءة، لكن دون القدرة على تكبير التفاصيل الصغيرة في تعابير الوجه كما تفعل الكاميرا. في السينما، كل تفصيلة صغيرة تصبح مسموعة ومرئية بسبب الكادربالقريب والمونتاج: نظرة خفية، ارتعاش باليد، أو حتى صمت تمتدّه الموسيقى الخلفية. لذلك تحوّل بعض مخرجي السينما النص إلى قصص أكثر انسجاماً مع عالمهم المرئي؛ شاهدت 'O' و'Omkara' كمثالين رائعين لكيفية نقل جوهر 'عطيل' إلى بيئات مختلفة—ثانوية أميركية وقرية هندية—مع الاحتفاظ بالتحكم في التوتر والغيرة ولكن بصبغة محلية وثقافية جديدة. السينما أيضاً لها أداة القوة في التاريخ البصري: تصوير البحر، المدينة، الشوارع كلها تضيف طبقات لم تكن ممكنة بسهولة على خشبة المسرح. أخيراً أميل للاعتراف بأن السينما والس المسرح لا يتنافسان فقط، بل يكملان بعضهما. المسرح يقوّي قدرة الممثل على الأداء الحي والتواصل الصوتي، بينما السينما تمنح القصة إمكانية اختبار الرؤية التفصيلية والرمزية البصرية بوسائل تقنية. كلاهما يقدّم 'عطيل' بطرق مختلفة تماماً: المسرح يدفعني إلى الشعور بضغط اللحظة، والسينما تجعلني أقترب من الأعماق النفسية للشخصيات كأنني أقرأ أفكارها من خلف العينين. هذا التنوع يجعلني أعيد زيارة النص بكل شغف.