Los Dibujantes

Me apasiona recomendar novela gráfica española porque creo que ahora mismo hay una mezcla preciosa entre memoria, humor y riesgo creativo que no suelta al lector.

Si tuviera que empezar por uno, siempre nombro a Paco Roca: su «Arrugas» me dejó clavado por la ternura y el pulso humano, y después obras como «Los surcos del azar» demuestran que maneja la historia y la emotividad con la misma mano firme. Luego me gusta mucho Alfonso Zapico, cuya sensibilidad histórica en «Dublinés» aporta una mirada íntima sobre personajes grandes y cotidianos; su trazo y su narrativa son muy dignos de seguimiento.

No puedo olvidar a los creadores detrás de «Blacksad», Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido: su mezcla de cine negro y trabajo pictórico elevó el cómic español a escaparate internacional. También valoro a Miguel Gallardo por «María y yo», una obra que me tocó por la honestidad de su relato sobre la vida con una hija con autismo. Y, por último, me interesa mucho la frescura de autoras e ilustradoras actuales que reimaginan libros infantiles y álbumes ilustrados: aportan nuevas paletas, voces y formas narrativas que hacen que la escena esté viva y en expansión. En conjunto, estas voces muestran que la «literatura con dibujo» en España no es un género menor, sino un lugar de experimentación constante y emoción sincera.

Me encanta explorar recursos para dibujar, y en España hay un montón de opciones geniales. Una de mis favoritas es visitar librerías especializadas en arte, como «Panta Rhei» en Madrid, donde tienen libros de tutoriales paso a paso para todos los niveles. También recomiendo echar un vistazo a las bibliotecas públicas, que suelen tener secciones de arte con libros clásicos como «Dibujo para Dummies» o «Aprende a Dibujar con Disney».

Otra opción fantástica son los talleres locales. Muchas ciudades tienen asociaciones culturales que organizan clases gratuitas o de bajo coste. Por ejemplo, en Barcelona, el «Centre Cívic Pati Llimona» ofrece talleres de dibujo para principiantes. Y si prefieres lo digital, plataformas como Domestika tienen cursos en español con ejercicios descargables. Lo mejor es que puedes practicar a tu ritmo y elegir estilos que te inspiren, desde manga hasta acuarela.

He he seguido a montones de artistas en redes y Patreon y la verdad es que hay de todo: desde quienes viven casi exclusivamente de sus mecenas hasta quienes usan estas plataformas como complemento puntual. En mi caso he visto que lo que funciona mejor es combinar visibilidad pública con una vía de ingreso estable. Publicar contenido corto y constante en TikTok o X te puede traer seguidores y encargos, pero los pagos recurrentes suelen venir de la gente que se engancha con tu proceso en Patreon o en membresías privadas.

También hay que considerar la logística: hacer paquetes claros de comisiones, ofrecer niveles con recompensas tangibles (sketches, PSDs, prints, livestreams exclusivos) y cuidar la comunicación. Los algoritmos cambian, las modas pasan, y por eso diversificar es clave: prints en tiendas, comisiones directas por DM, cursos o colaboraciones. He visto artistas quemarse por no poner límites, y otros triunfar porque han aprendido a valorar su tiempo y a fidelizar una comunidad. En definitiva, sí se puede encontrar trabajo, pero requiere estrategia, constancia y algo de paciencia; al final me queda la sensación de que es más maratón que sprint.

Me fascina ver cómo las páginas viejas siguen respirando en los lápices nuevos.

He pasado tardes enteras hojeando colecciones de «El Capitán Trueno», «TBO» y «Mortadelo y Filemón», y lo que siempre me sorprende es cómo ciertos recursos clásicos —el ritmo de las viñetas, el uso del blanco y negro, la exageración del gesto— siguen funcionando hoy. Muchos dibujantes actuales no copian literalmente esas páginas, pero sí beben de sus soluciones visuales: cómo dirigir la mirada del lector, cómo construir un gag en dos o tres viñetas, o cómo una splash page puede venderte una emoción al instante.

En el cómic español contemporáneo se aprecia también una lectura crítica de ese legado. A veces se homenajea con cariño; otras, se toma aquello como material para subvertir géneros (la aventura heroica, la sátira social). Yo me siento parte de esa conversación cuando dibujo o comento cómics: hay una continuidad que me gusta, una cadena de pruebas y errores que se nota en las tramas, en los fondos, incluso en la tipografía. El pasado no pesa, nutre, y eso me deja con ganas de seguir descubriendo cómo los clásicos se reinventan en cada nueva generación.

Nunca dejo de maravillarme con cómo los dibujos criollos cuentan historias que van más allá de un simple trazo: en muchos casos fueron creados por autores locales, pero la respuesta depende del periodo y del tipo de obra.

En la época colonial y hasta el siglo XIX, hubo una producción importante hecha por criollos —personas nacidas en América con raíces europeas— que representaron costumbres, escenas urbanas y rurales, y hasta complejos esquemas de castas. Muchos talleres y pequeñas imprentas locales produjeron litografías, estampas y dibujos que reflejaban una mirada autóctona sobre la realidad. Al mismo tiempo, no es raro encontrar piezas hechas por viajeros o encargos europeos; la influencia extranjera convivió con la producción local y, en ocasiones, la complementó.

Hoy en día el panorama es todavía más diverso: autores locales siguen siendo la columna vertebral del llamado dibujo "criollo" —en sentido cultural—, pero conviven con colaboraciones internacionales, reinterpretaciones e influencias globales. He pasado horas en archivos y ferias de arte popular viendo firmas criollas que merecen más reconocimiento, y eso me deja con una mezcla de orgullo y ganas de seguir investigando sobre quiénes fueron realmente los autores de esas imágenes que abrazan nuestra identidad.

Siempre me sorprende lo accesible que puede ser la historia cuando la explican con buen dibujo; por eso sigo a tantos artistas que hacen humanidades visuales. En mi caso, suelo buscar tanto cómics de no ficción como ilustraciones editoriales y mapas creativos. Algunos nombres que me han marcado son Kate Beaton, que convierte episodios históricos y literarios en tiras con humor y mucha sensibilidad; Joe Sacco, que practica el periodismo dibujado y logra que conflictos y contextos sean comprensibles y humanos (pienso en obras como «Palestine»); y Art Spiegelman, cuya «Maus» es un ejemplo brutal de cómo el cómic puede enseñar historia y memoria de forma profunda. Estos creadores no solo cuentan hechos, sino que indican por qué importan. Además, me fijo en quienes trabajan con infografías y cartografía para la divulgación: Benjamin Hennig hace mapas y visualizaciones que ayudan a entender demografía, migraciones y geopolítica de un vistazo. También me encanta cómo Tom Gauld y Rutu Modan usan el humor y la economía gráfica para hablar de literatura y sociedad; sus piezas son excelentes puertas de entrada para quienes temen el tono académico. Por otro lado, ilustradores como Molly Crabapple mezclan reportaje, retrato y crítica social en dibujos que acompañan textos periodísticos y exposiciones, y eso facilita mucho el aprendizaje porque humaniza las fuentes. Para complementar, no olvido a los teóricos/artistas que enseñan sobre el propio medio: Scott McCloud con «Understanding Comics» (o «Comprendiendo el cómic») me dio herramientas para leer imágenes con atención y sacar conclusiones históricas y culturales; su enfoque hace que interpretar una viñeta sea una mini-clase de humanidades. En museos y proyectos educativos también aparecen profesionales que diseñan secuencias visuales para paneles y guías —personas menos famosas pero muy eficientes— y editoriales como First Second o NBM suelen publicar buenos títulos de no ficción gráfica. Mi impresión final: si buscas humanidades en dibujo, vale la pena mezclar autores clásicos del cómic, periodistas gráficos y diseñadores de información; así obtienes contexto, emoción y claridad en una sola lectura.

Me encanta ver cómo las películas de animación españolas aparecen en tantos lugares distintos. En mi generación, el primer sitio donde las detecto suele ser el cine: hay estrenos nacionales que siguen saliendo a salas, sobre todo los proyectos de mayor presupuesto o las continuaciones de sagas infantiles, y aparecen en carteleras de ciudades grandes y también en cines de reestreno o de arte y ensayo. Además de la sala, muchas de esas películas hacen su ronda por festivales —tanto locales como internacionales— y eso ayuda a que se hable de ellas y luego aterrizen en plataformas de streaming o en emisión televisiva.

Cuando no llegan al cine, las veo en servicios de pago: Netflix, Prime Video, Disney+ y Max suelen incorporar títulos españoles con doblaje o subtítulos; pero no hay que olvidar a plataformas más orientadas al cine independiente como Filmin o Movistar Plus+, que compran títulos de autores y estrenos menos comerciales. Para los cortos y proyectos experimentales, los estudios y creadores suelen publicar en YouTube o Vimeo y usan las redes sociales para dar visibilidad. En lo personal, me encanta poder seguir el ciclo completo: trailer en Instagram, estreno en festival, y luego comentar la versión larga en casa con subtítulos si la plataforma la trae. Al final, la mezcla de cines, festivales, plataformas grandes y pequeñas, y canales públicos crea un circuito bastante rico para la animación española, y me resulta emocionante descubrir títulos nuevos cada temporada.