Martin Gore

Me encanta repasar la carrera en solitario de Martin Gore porque muestra facetas distintas a su trabajo con la banda. Básicamente, su discografía en solitario se compone de tres lanzamientos principales: «Counterfeit» (un EP de covers, 1989), «Counterfeit²» (un álbum de versiones, 2003) y «MG» (un álbum instrumental electrónico, 2015). Cada uno tiene una intención diferente y suena como si Gore estuviera explorando rincones personales de su gusto musical sin las expectativas que conlleva Depeche Mode.

«Counterfeit» apareció en 1989 y era una pequeña colección de versiones que revelaba a un Martin muy interesado en reinterpretar canciones ajenas con su sensibilidad sombría. En 2003 volvió con «Counterfeit²», que amplía la idea en formato de LP: más canciones, más variedad, y la sensación de que está rindiendo tributo a influencias que lo formaron. Por último, «MG» de 2015 rompe con las voces: es un viaje puramente instrumental, orientado a texturas electrónicas y ambientes, casi cinematográfico.

Personalmente disfruto escuchar estos tres como si fueran capítulos íntimos: el EP es un boceto íntimo, «Counterfeit²» es un cuaderno de referencias y «MG» es una demostración de que su talento como compositor va más allá de escribir canciones con letras. Cada uno me hace ver a Gore desde un ángulo distinto y me recuerda por qué su trabajo siempre me atrapa.

Me encanta repasar la historia de las giras porque Martin Gore siempre ha sido una presencia constante aunque a veces más discreta, y en España eso se nota tanto en las visitas con Depeche Mode como en sus actuaciones en solitario. Con la banda estuvo en prácticamente todas las grandes giras que pasaron por nuestro país: por ejemplo la gira de «Music for the Masses» (1987–1988) y la de «Violator» (1990) llevaron a Depeche Mode a escenarios españoles; más adelante llegaron la «Devotional Tour» alrededor de 1993, la gira de «Exciter» en 2001 y la de «Playing the Angel» / «Touring the Angel» en 2005–2006. No puedo olvidar tampoco las giras más recientes: «Tour of the Universe» (2009–2010), «Delta Machine Tour» (2013–2014) y la «Global Spirit Tour» (2017–2018), todas ellas incluyeron fechas en España en distintos años y ciudades. Además, Martin ha hecho apariciones en formato más íntimo: en 2003 dio una serie de conciertos en solitario por Europa, y entre esos microgiras o fechas sueltas hubo actuaciones en España; eran shows diferentes, más cerca del público, con versiones y covers que no siempre se escuchan en los grandes estadios. En resumen, si te interesa cuándo pasó por aquí, lo hizo muchas veces con Depeche Mode a lo largo de las décadas desde los 80 hasta los 2010s, y también ofreció algún concierto en solitario alrededor de principios de los 2000. Personalmente, ese contraste entre los grandes conciertos con la banda y sus noches más íntimas es lo que más me atrae de su carrera.

Siempre me ha sorprendido la versatilidad que muestra en el escenario: Martin Gore no se queda en una sola cosa. En los conciertos lo ves principalmente con guitarras eléctricas y acústicas; es habitual que tome una eléctrica para los momentos más rockeros y una acústica para las baladas donde él asume la voz principal. Canciones como «Somebody» o «Home» suelen servirle para acercarse al público con la guitarra acústica y su voz, y ese cambio de atmósfera es uno de mis momentos favoritos en vivo.

Además de las guitarras, Martin toca teclados y sintetizadores en muchísimas canciones. En el set se mueve entre sintetizadores, estaciones MIDI y samplers para cubrir las capas electrónicas del repertorio, alternando entre tocar líneas melódicas y activar sonidos o loops. A menudo lo verás frente a un teclado en el que añade texturas, pads y efectos que son esenciales para el sonido global del grupo.

También aporta voces de apoyo y asume el rol de cantante principal en ciertos temas, y suele manejar pedales y controladores para cambiar tonos y procesar sonidos. En resumen, en un concierto lo descubres como guitarrista, teclista, vocalista ocasional y operador de electrónica en vivo: alguien que cambia de instrumento según la canción y que aporta color y emoción a cada momento sobre el escenario.

Hay temas de Depeche Mode que siento como si llevaran la firma de Martin Gore en cada acorde y cada línea; y de hecho, en gran parte así es: Martin fue el compositor principal del grupo desde poco después de «Speak & Spell» y escribió la mayoría de sus grandes clásicos.

Si tuviera que agrupar lo esencial, diría que muchas de las canciones más emblemáticas de la banda llevan su mano: «People Are People», «Master and Servant», «Blasphemous Rumours», «Everything Counts» y «Stripped» del periodo de los 80; después vinieron himnos como «Never Let Me Down Again», «Strangelove», «A Question of Lust» y «A Question of Time». En la cumbre comercial y creativa están las piezas de «Violator»: «Personal Jesus», «Enjoy the Silence», «Policy of Truth» y «World in My Eyes». Más adelante, en los 90 y 00, también escribió «I Feel You», «Walking in My Shoes», «In Your Room», «Barrel of a Gun», «It’s No Good» y «Precious», entre otras.

No hay que olvidar que al principio Vince Clarke aportó material a «Speak & Spell», y que en los últimos años Dave Gahan ha tenido también crédito en varias canciones; aun así, la voz lírica y la mayoría de las composiciones son de Martin Gore. Su sello es reconocible: letras oscuras, melodías pegajosas y una forma de combinar melancolía con baile que pocos alcanzan. Para mí, su catálogo en Depeche Mode es una lección de cómo un autor puede transformar el pop sintético en algo visceral y humano.

Siempre me ha impresionado cómo una sola voz creativa puede marcar el tono de todo un género, y Martin Gore lo hizo con una sensibilidad que todavía late en el synthpop actual. Yo crecí escuchando esas texturas: contracorrientes de sintetizadores cálidos, ritmos marcados pero nunca excesivos, y letras que mezclan intimidad con una oscuridad poética. Canciones como «Personal Jesus» o «Enjoy the Silence» no solo fueron hits, sino plantillas de cómo la electrónica puede transmitir profundidad emocional sin perder gancho pop.

Desde mi punto de vista de oyente veterano, su influencia se percibe en la forma en que muchas bandas contemporáneas equilibran la máquina y la vulnerabilidad humana. No se trata solo de emular sonidos analógicos, sino de adoptar esa economía melódica y ese gusto por el silencio cuando corresponde: espacios que dejan respirar la emoción. Además, su manejo de arreglos —capas de pads, guitarras tratadas y líneas de bajo sintéticas— sigue siendo una referencia para productores que buscan ese sonido grande pero pulcro.

Al final lo que más me inspira es cómo Gore enseñó que el synthpop puede ser solemne y bailable al mismo tiempo. Eso sigue vivo: en artistas que priorizan la canción y en productores que valoran la textura. Yo lo sigo escuchando y aprendiendo, y cada nueva escucha me recuerda que la elegancia sonora no pasa de moda.

Me encanta desmenuzar el sonido de Martin Gore porque su guitarra no suena como la de un rockero típico: es más textura que heroísmo. En estudio suele apoyarse mucho en una Fender Telecaster como base; esa claridad y capacidad para cortarse en la mezcla es evidente en discos como «Violator» o «Music for the Masses». A partir de esa base limpia, Martin tiende a colorear la señal con pedales y procesadores: chorus y flanger para dar amplitud, delays analógicos o digitales para crear ecos rítmicos, y reverb de calidad de estudio (piensa en unidades tipo Lexicon) para situar las guitarras en un espacio amplio.

Además de la Telecaster, he visto que usa ocasionalmente Gibson o guitarras semi-huecas cuando quiere un tono más gordo o más resonante; también introduce recursos como el E-Bow o pedales de sustain para notas largas que casi se funden con los sintetizadores. En cuanto a la cadena de grabación, Martin no es dogmático: mezcla tomas micradas en amplificador (Vox/Fender/Marshall según la necesidad) con señal directa reamplificada o tratada en rack. Ese híbrido permite experimentar mucho en la mezcla final y conseguir esos timbres que a la vez suenan orgánicos y procesados.

Lo que más me flipa es cómo no usa la guitarra solo para solos, sino como elemento textural: capas sutiles, pedales que transforman la señal hasta que suena casi como un pad, y la combinación con sintetizadores para crear la paleta sonora de Depeche Mode. Al final, su equipo es práctico y versátil: guitarras clásicas, pedales de calidad, buenos procesadores de estudio y la libertad para reamplificar y tratar cada toma hasta que encaja en la atmósfera del tema.

Me encanta hablar de escritoras que marcaron mi forma de entender la literatura y con Carmen Martín Gaite siempre vuelvo a lo mismo: sus premios reflejan no solo éxitos puntuales, sino una carrera sostenida que fue reconocida en muy distintos ámbitos. Entre los galardones más conocidos está el Premio Nadal, que ganó en 1957 por «Entre visillos», una novela que le abrió muchas puertas y la situó en el mapa literario español. Más adelante, su obra «El cuarto de atrás» recibió el Premio Nacional de Literatura (en la modalidad de narrativa), un reconocimiento oficial que subrayó la calidad y originalidad de su prosa y su capacidad para jugar con la memoria y la ficción.

Además de esos dos hitos, Martín Gaite fue distinguida con otros premios y honores a lo largo de las décadas: obtuvo reconocimientos de la crítica y premios literarios importantes que avalaron tanto sus novelas como su ensayo y su contribución a la cultura. También recibió distinciones institucionales que valoran la trayectoria —como medallas y homenajes culturales— y fue invitada a formar parte de círculos académicos y literarios que muestran el interés constante por su obra. Estos reconocimientos colectivos (premios, medallas, nombramientos) hablan de una escritora que no solo publicó novelas memorables, sino que influyó en generaciones de lectores y autores.

Lo que más me atrae de esta lista de premios no es la enumeración fría: es ver cómo cada reconocimiento marca un momento distinto de su evolución creativa. El Nadal puso en evidencia su talento joven; el Premio Nacional validó una voz madura que exploraba la memoria y el yo; y los premios posteriores subrayaron la amplitud de su obra. Personalmente, leer «Entre visillos» y después «El cuarto de atrás» me permitió entender por qué esos galardones llegaron: hay técnica, ironía y una mirada social y humana que sigue resonando. Termino pensando en cómo los premios, en su caso, fueron una puerta para que muchos lectores —como yo— descubriéramos una escritora indispensable.