¿Qué Equipo De Guitarra Usa Martin Gore En Estudio?

He estado obsesionado con lo que lleva Frusciante al escenario desde que empecé a ir a conciertos, y te cuento lo que más se repite en fotos y vídeos: su arma favorita es una Fender Stratocaster, casi siempre de corte vintage o reissue que respeta ese carácter de single-coil brillante y con ataque claro. No suele esconder el sonido detrás de miles de pedales: prefiere una cadena relativamente sencilla que le dé dinámica y color, no saturación uniforme. En directo verás overdrive suaves, a veces fuzz para momentos concretos, chorus o phaser sutil y delays —todo para esculpir ambiente sin perder la pulsación rítmica. En cuanto a amplificación, en presentaciones suele apoyarse en head+cabinets de carácter británico para la parte cruda y en amplis tipo Fender para los limpios. Eso le permite pasar del grind rockero a limpiezas aireadas con toque vintage. En el pedalboard aparecen marcas clásicas como Boss, MXR y Electro-Harmonix en distintas épocas: pedales de distorsión/overdrive, wah y algún fuzz, más unidades de delay y reverbs para los pasajes atmosféricos. Su forma de tocar hace todo más orgánico: controla el volumen y la dinámica con la mano y usa los efectos para acentuar, no para definir todo. Al final me encanta cómo combina sencillez y personalidad; no necesitas un arsenal, solo buen gusto para elegir qué color te conviene en cada canción.

Siempre me ha sorprendido la versatilidad que muestra en el escenario: Martin Gore no se queda en una sola cosa. En los conciertos lo ves principalmente con guitarras eléctricas y acústicas; es habitual que tome una eléctrica para los momentos más rockeros y una acústica para las baladas donde él asume la voz principal. Canciones como «Somebody» o «Home» suelen servirle para acercarse al público con la guitarra acústica y su voz, y ese cambio de atmósfera es uno de mis momentos favoritos en vivo. Además de las guitarras, Martin toca teclados y sintetizadores en muchísimas canciones. En el set se mueve entre sintetizadores, estaciones MIDI y samplers para cubrir las capas electrónicas del repertorio, alternando entre tocar líneas melódicas y activar sonidos o loops. A menudo lo verás frente a un teclado en el que añade texturas, pads y efectos que son esenciales para el sonido global del grupo. También aporta voces de apoyo y asume el rol de cantante principal en ciertos temas, y suele manejar pedales y controladores para cambiar tonos y procesar sonidos. En resumen, en un concierto lo descubres como guitarrista, teclista, vocalista ocasional y operador de electrónica en vivo: alguien que cambia de instrumento según la canción y que aporta color y emoción a cada momento sobre el escenario.

Me flipa cómo Joe consigue ese muro sonoro en directo; suena enorme pero con mucha definición, y gran parte de eso viene de su elección de guitarras, amplificación y procesado. En escena suele alternar entre guitarras tipo Explorer y modelos de cuerpo sólido con puente fijo, todas ajustadas a afinaciones muy graves (drop C o incluso más abajo según la gira). Sus instrumentos suelen llevar pastillas potentes y activas que mantienen el ataque a pesar de las afinaciones bajas; he visto mencionadas configuraciones con EMG en varias entrevistas y fotos de directo. Además, no es raro que use guitarras con escalas algo más largas o incluso barítono para preservar tensión en cuerdas gruesas. La amplificación que le da ese empuje viene de cabezas tipo Mesa/Boogie (Dual/Triple Rectifier) combinadas con pantallas 4x12 cargadas con Celestion V30, aunque en los últimos años ha ido adoptando soluciones de modelado en rack para consistencia por sala: Fractal Axe-Fx o Kemper aparecen frecuentemente en las rutas. En cuanto a efectos, el núcleo es overdrive/boost para empujar el previo, noise gate potente y delays/reverbs digitales para dar espacio a las canciones. Cierro diciendo que lo que más me flipa es cómo todo eso está pensado para que la voz y la masa rítmica respiren juntas; suena orgánico y pesado sin volverse una masa informe.

Me encanta fijarme en los detalles del equipo en directo, y el rig de Joe Duplantier siempre me ha parecido un equilibrio entre potencia y claridad. En el escenario lo ves casi siempre con guitarras sólidas, habitualmente modelos personalizados de seis cuerdas afinadas muy abajo para conseguir ese tono grave y apretado característico de Gojira. No es raro que recurra a pastillas activas o a humbuckers de alta salida para mantener definición cuando baja la afinación; eso le permite clavar los armónicos y los riffs pesados sin quedarse lodoso. Las fotos de giras muestran distintos cuerpos y acabados, pero la constante es la ergonomía para tocar largas noches y puentes robustos que aguanten palm muting intenso. En cuanto a la sección de amplificación y efectos, por lo que he seguido en entrevistas y videoclips en directo, su sonido se sustenta en cabezales o en soluciones de modelado que le dan mucha ganancia y control tonal: cabezas potentes o procesadores tipo profiler/fractal para replicar el tono en diferentes salas. Completa la cadena con pedales de overdrive para empujar la etapa, compresión y puertas de ruido para limpiar en palm mutes, delay y reverb con sutileza en pasajes limpios, y un sistema inalámbrico y monitores in-ear fiables. Lo que más me atrae es cómo consigue una mezcla tan masiva sin perder claridad: pura atención al detalle en el equipo y en la ejecución, y se nota en cada concierto.

Me encanta repasar la carrera en solitario de Martin Gore porque muestra facetas distintas a su trabajo con la banda. Básicamente, su discografía en solitario se compone de tres lanzamientos principales: «Counterfeit» (un EP de covers, 1989), «Counterfeit²» (un álbum de versiones, 2003) y «MG» (un álbum instrumental electrónico, 2015). Cada uno tiene una intención diferente y suena como si Gore estuviera explorando rincones personales de su gusto musical sin las expectativas que conlleva Depeche Mode. «Counterfeit» apareció en 1989 y era una pequeña colección de versiones que revelaba a un Martin muy interesado en reinterpretar canciones ajenas con su sensibilidad sombría. En 2003 volvió con «Counterfeit²», que amplía la idea en formato de LP: más canciones, más variedad, y la sensación de que está rindiendo tributo a influencias que lo formaron. Por último, «MG» de 2015 rompe con las voces: es un viaje puramente instrumental, orientado a texturas electrónicas y ambientes, casi cinematográfico. Personalmente disfruto escuchar estos tres como si fueran capítulos íntimos: el EP es un boceto íntimo, «Counterfeit²» es un cuaderno de referencias y «MG» es una demostración de que su talento como compositor va más allá de escribir canciones con letras. Cada uno me hace ver a Gore desde un ángulo distinto y me recuerda por qué su trabajo siempre me atrapa.

Lo que más me flipa de sus directos es cómo mezcla la nostalgia del vinilo con herramientas digitales modernas. He visto grabaciones y clips donde claramente hay Technics SL-1200/1210 como base: esos platos son casi un sello para scratch y son los que usa cuando quiere mantener la sensación clásica. Encima de eso suele montar una mesa de corte robusta (mucha gente le atribuye mesas tipo Rane o Vestax por su respuesta para scratching), y casi siempre hay una interfaz para pinchar con control DVS — Serato Scratch Live o Serato DJ Pro con una caja Rane o similar son soluciones lógicas para mantener vinilo verdadero con control digital. Para cartuchos y agujas, lo típico son cápsulas orientadas a scratch como la Shure M44-7 o equivalentes Ortofon. En directo también incorpora reproductores digitales según el bolo: CDJ/Pioneer en clubes y controladores cuando el espacio es reducido. Y no se olvida de los efectos y la reverb mínima para integrarse con la banda: algún Kaoss Pad o efectos in-board del mixer ayudan a darle color sin perder el groove. Al final, su set busca equilibrio entre precisión técnica y energía cruda, y a mí eso me engancha cada vez que lo veo.

Me encanta repasar la historia de las giras porque Martin Gore siempre ha sido una presencia constante aunque a veces más discreta, y en España eso se nota tanto en las visitas con Depeche Mode como en sus actuaciones en solitario. Con la banda estuvo en prácticamente todas las grandes giras que pasaron por nuestro país: por ejemplo la gira de «Music for the Masses» (1987–1988) y la de «Violator» (1990) llevaron a Depeche Mode a escenarios españoles; más adelante llegaron la «Devotional Tour» alrededor de 1993, la gira de «Exciter» en 2001 y la de «Playing the Angel» / «Touring the Angel» en 2005–2006. No puedo olvidar tampoco las giras más recientes: «Tour of the Universe» (2009–2010), «Delta Machine Tour» (2013–2014) y la «Global Spirit Tour» (2017–2018), todas ellas incluyeron fechas en España en distintos años y ciudades. Además, Martin ha hecho apariciones en formato más íntimo: en 2003 dio una serie de conciertos en solitario por Europa, y entre esos microgiras o fechas sueltas hubo actuaciones en España; eran shows diferentes, más cerca del público, con versiones y covers que no siempre se escuchan en los grandes estadios. En resumen, si te interesa cuándo pasó por aquí, lo hizo muchas veces con Depeche Mode a lo largo de las décadas desde los 80 hasta los 2010s, y también ofreció algún concierto en solitario alrededor de principios de los 2000. Personalmente, ese contraste entre los grandes conciertos con la banda y sus noches más íntimas es lo que más me atrae de su carrera.

Siempre me ha impresionado cómo una sola voz creativa puede marcar el tono de todo un género, y Martin Gore lo hizo con una sensibilidad que todavía late en el synthpop actual. Yo crecí escuchando esas texturas: contracorrientes de sintetizadores cálidos, ritmos marcados pero nunca excesivos, y letras que mezclan intimidad con una oscuridad poética. Canciones como «Personal Jesus» o «Enjoy the Silence» no solo fueron hits, sino plantillas de cómo la electrónica puede transmitir profundidad emocional sin perder gancho pop. Desde mi punto de vista de oyente veterano, su influencia se percibe en la forma en que muchas bandas contemporáneas equilibran la máquina y la vulnerabilidad humana. No se trata solo de emular sonidos analógicos, sino de adoptar esa economía melódica y ese gusto por el silencio cuando corresponde: espacios que dejan respirar la emoción. Además, su manejo de arreglos —capas de pads, guitarras tratadas y líneas de bajo sintéticas— sigue siendo una referencia para productores que buscan ese sonido grande pero pulcro. Al final lo que más me inspira es cómo Gore enseñó que el synthpop puede ser solemne y bailable al mismo tiempo. Eso sigue vivo: en artistas que priorizan la canción y en productores que valoran la textura. Yo lo sigo escuchando y aprendiendo, y cada nueva escucha me recuerda que la elegancia sonora no pasa de moda.

Me encanta observar cómo cambia su arsenal según la gira; la guitarra de Shaun Morgan en los conciertos no es un misterio de una sola pieza, sino más bien una colección de instrumentos que busca ese tono grave, saturado y algo rasposo que define a Seether. Normalmente lo verás con guitarras de cuerpo macizo equipadas con pastillas humbucker, porque su sonido se nutre mucho del grosor y la ganancia que ofrecen esas configuraciones. En la mayoría de los videos y fotos en directo aparece con Paul Reed Smith (PRS) y Gibson Les Paul, y de vez en cuando saca una Telecaster para canciones que piden más ataque y claridez en las armonías. Las PRS que suele usar tienden a ser Singlecut o Custom con acabado sobrio, y son perfectas para mantener nota y sustain cuando baja afinaciones (muchas canciones están en Drop D, Drop C o medio tono abajo). Las Gibson Les Paul también son muy habituales: su peso, el mástil y las humbuckers le dan esa mezcla de cuerpo y mordida que necesita para riffs gruesos y para sostener notas con mucha presencia. He visto además momentos en que usa Fender Telecaster en pasajes más limpios o para darle contraste tonal a ciertas canciones en el set; eso demuestra que su elección instrumental es práctica: busca la guitarra que mejor case con la afinación y el tipo de dinámica de cada tema. En cuanto al set-up, lo importante no es solo la marca, sino cómo las equipa: pastillas orientadas a alta salida (humbuckers), cuerdas algo gruesas para mantener tensión en afinaciones bajas, y una configuración de amplificación y pedales pensada para saturación dinámica. En directo suele apoyarse en pedales de overdrive/distorsión, compresión y efectos de modulación y delay para dar espacio a las partes más melódicas. Los amplificadores que acompañan ese montaje suelen ser marcas de alta ganancia como Mesa/Boogie o Marshall, que ayudan a proyectar ese sonido sucio pero definido que se escucha en canciones como «Broken» o «Remedy»; el resultado es un tono con cuerpo, con mucho sustain y presencia en el rango medio-bajo. Si te fijas en fotos de giras y en clips de conciertos recientes, notarás que su elección de instrumento cambia según la época y la canción, pero la coherencia tonal se mantiene: guitarras con humbuckers, afinaciones graves y una cadena de efectos pensada para que cada acorde golpee con intención. Personalmente, disfruto ver cómo adapta pequeñas variaciones de guitarra para lograr matices muy distintos en el setlist: es un recordatorio de que el sonido de un músico no depende solo del nombre de la guitarra, sino de cómo la usa y la configura en el contexto del directo.

No hay duda de que Eric Singer monta una de esas baterías diseñadas para el riguroso trajín de una gira de rock grande: yo lo he seguido desde hace años y lo que veo sobre el escenario es un kit Tama enorme y muy personalizado, con doble bombo, varios toms y hardware robusto que aguanta golpes y cambios rápidos de puesta en escena. Mi ojo de aficionado al detalle me ha hecho fijarme en sus patrocinadores: en las fotos y en entrevistas suele aparecer como artista de Tama, usa platillos Paiste, parches de Remo y baquetas Promark. Eso explica el sonido potente y definido que mantiene en vivo; los parches Remo le dan el ataque necesario para los fills en canciones clásicas, y los platillos Paiste cortan la mezcla sin enmudecer las guitarras. Además, el hardware y los pedales (también de Tama) le permiten esa precisión en doble bombo que su estilo requiere. Ahora que lo veo desde la perspectiva de alguien que va a muchos conciertos, valoro cómo ese equipo le da consistencia: no importa la arena ni la acústica, el kit está pensado para resistir horas de show y gira. Es una combinación pensada para rock en estadios, y a mí me encanta cómo suena en directo y se ve en el escenario.