¿Chrissie Hynde Compuso Todas Las Canciones De The Pretenders?

Me sorprendió gratamente cuando Chrissie decidió sacar discos a su nombre después de tantos años liderando «The Pretenders». En mi memoria, lo más claro son dos lanzamientos principales: «Stockholm» (2014) y «Valve Bone Woe» (2019). En «Stockholm» la escuché explorando arreglos más cuidados y canciones que suenan íntimas pero con el pulso rockero que siempre la ha caracterizado; no es un disco para reinventar su historia, sino para mostrar otra faceta, más serena y personal. Luego, con «Valve Bone Woe», me sorprendió aún más porque se fue por terrenos cercanos al jazz y las canciones clásicas, interpretadas con sensibilidad y cierta melancolía; es un ejercicio de voz y fraseo, lejos del himno rock, pero igual de interesante. Ambos discos me parecen decisiones valientes: uno más cercano al pop/rock sofisticado y otro a la reinterpretación de estándares, y dejan claro que sigue buscando caminos distintos a los de la banda.

Me encanta seguir las movidas de Chrissie Hynde en estudio; en los últimos años ha tenido una pista interesante entre su trabajo con The Pretenders y algunos proyectos en solitario. Por ejemplo, su cambio hacia el jazz quedó claro con «Valve Bone Woe» (2019), un disco en el que se metió en standards y colaboró con músicos de sesión y arreglistas diferentes a lo que uno espera de ella. Ese álbum muestra su voluntad de experimentar en estudio y de rodearse de instrumentistas que valoran la sutileza más que la guitarra cruda. Después de eso, la actividad de estudio más visible ha sido la grabación de material con la banda en discos y sencillos de The Pretenders, como «Hate for Sale» (2020), donde vuelve a aparecer junto a viejos compañeros de banda y músicos de confianza. Además ha hecho apariciones puntuales en recopilaciones y proyectos benéficos, y durante la pandemia participó en sesiones remotas con artistas jóvenes y veteranos, aportando su voz distintiva para duetos y versiones. En mi caso, me gusta cómo alterna reverencia por el pasado con ganas de probar cosas nuevas en el estudio.

Escuchar a Chrissie Hynde fue como descubrir una versión del rock que no pedía permiso: directa, dura y con una vulnerabilidad que no sonaba forzada. Recuerdo seguir la trayectoria de «The Pretenders» y cómo canciones como «Brass in Pocket» y «Back on the Chain Gang» rompieron el molde del frontman típico; ella impuso una voz y una actitud que mezclaban el nervio punk con melodías pop pegajosas. Su forma de cantar, con esa entonación firme y a la vez resquebrajada, dio permiso a otras mujeres para no esconder las aristas en el escenario. En lo que viví de los 80 en Reino Unido, su presencia mediática y su autenticidad influenciaron desde la estética de la escena hasta la manera de escribir letras sobre independencia y desamor sin caer en clichés. Hoy la escucho y pienso que abrió caminos para que el rock británico fuera más plural y menos macho; su legado suena en bandas que valoran la canción honesta tanto como la actitud cruda.

Siempre me ha resultado admirable que Chrissie Hynde aprendiera la guitarra casi por cuenta propia, con una mezcla de oído, paciencia y mucha práctica en vivo. Creció en Ohio y su acercamiento a la guitarra fue más empírico que académico: escuchaba discos, copiaba acordes y se obligaba a tocar en cualquier sitio donde hubiera público, desde bares hasta encuentros informales. Esa experiencia de ensayo y error le dio un sentido rítmico muy directo y vocal, que luego pulió al mudarse a ciudades con escenas musicales más activas. Lo que más me llama la atención es cuánto ha modelado su forma de tocar la necesidad de acompañar su voz: prefiere acordes sencillos y potentes que llevan la canción, no el virtuosismo. Esa decisión artística —aprender escuchando discos, ver a gente tocar en directo y probar hasta encontrar su voz— es la que la convirtió en la frontwoman tan reconocible que conocemos hoy. Me encanta esa mezcla de independencia y gusto por lo esencial.

Me cuesta imaginarla encajando en el molde típico de Hollywood, y creo que esa es la clave para entender por qué Chrissie Hynde rechazó varias ofertas cinematográficas. He leído entrevistas y escuchado a viejos fans: ella siempre priorizó la música y la autenticidad por encima de la fama fácil. Actuar exige un tipo de exposición distinta, muchas veces con guiones que no respetan la voz propia del artista o con exigencias comerciales que la cantante habría visto como una traición a su identidad. Para alguien que construyó una imagen honesta y sin concesiones, la idea de convertirse en un reclamo para una película —sobre todo si implicaba product placement, lip-sync o ceder control creativo— puede ser intolerable. Además, el tiempo y la logística pesan: rodajes largos, promoción y viajes que distorsionan la vida de gira y el proceso creativo. Yo lo veo como una decisión consciente: proteger su trabajo musical y su autenticidad. Al final, rechazar algunas ofertas fue una manera de preservar lo que la hizo única, y eso me parece admirable.

Lisa Marie Presley tuvo una carrera musical más corta de lo que muchos esperaban, pero dejó un puñado de canciones memorables. Su álbum debut, «To Whom It May Concern» (2003), incluye temas como «Lights Out» y «Sinking In», donde fusiona rock con matices country. Su segundo álbum, «Now What» (2005), destaca con «Dirty Laundry» y «Idiot», canciones que reflejan su estilo crudo y personal. Más tarde, en «Storm & Grace» (2012), exploró un sonido más acústico con piezas como «You Ain’t Seen Nothin’ Yet» y «Un-Breakable». Su música siempre tuvo un toque introspectivo, como si cada letra fuera una página de su diario. Aunque no compuso tantas canciones como otros artistas, cada una de ellas tiene un peso emocional único. Tracks como «So Long» o «I’ll Figure It Out» muestran su capacidad para convertir vulnerabilidad en arte. Es una lástima que su discografía no sea más extensa, pero lo que dejó sigue resonando con quienes buscan autenticidad en la música.

Me encanta cuando puedo hablar de artistas que combinaban actuación y canto con tanta naturalidad como ella; Dorothy Provine sí interpretó canciones populares a lo largo de su carrera, y lo hizo con un sabor muy característico. Desde sus apariciones en pantalla siempre dejó claro que la música formaba parte de su bagaje: muchas de sus intervenciones incluían números vocales que recuperaban estilos de épocas pasadas, sobre todo temas con guiños al jazz, al blues y a las canciones populares que evoca el público. No era sólo una actriz que cantaba por encima; sus interpretaciones transmitían una personalidad sonora propia, juguetona y algo pícara. Recuerdo haber visto fragmentos donde su voz y presencia daban vida a canciones que el público reconocía, ya fuera en escenas de comedia o en momentos más íntimos de películas y programas de televisión. También circulan grabaciones y sencillos que muestran que llegó a registrar material en estudio, y esas piezas confirman que su registro iba más allá de lo meramente ocasional: sabía modular y encajar su voz en arreglos populares del momento. Para mí, eso la convierte en una figura completa: actriz y cantante que aportaba textura sonora a sus papeles, y que dejó varios ejemplos de cómo la música puede reforzar la identidad de un personaje. Al final, su legado vocal sigue siendo un hallazgo agradable para quien explora cine y televisión de esa era.

Siempre me ha llamado la atención cómo muchas bandas gigantes nunca escribieron canciones expresamente pensadas para el cine, y The Police es uno de esos casos. Yo, que crecí con su música en la radio, diría sin dudar que la banda no compuso temas originalmente pensados como banda sonora de películas comerciales; sus grandes éxitos nacieron para discos y giras. Lo que sí pasó fue que sus canciones se han utilizado en montones de películas, series y anuncios: títulos como «Roxanne», «Every Breath You Take», «Message in a Bottle» o «Don’t Stand So Close to Me» aparecen con frecuencia en soundtracks o son reutilizadas por directores cuando quieren cierto clima urbano o melancólico. En mi colección de vinilos y playlists hay muchas referencias a eso: los temas de The Police encajan tan bien en escenas que los cineastas suelen licenciar las pistas existentes en lugar de pedir una canción nueva al grupo. Además, tras la separación, Sting empezó a trabajar más con proyectos cinematográficos a título personal, escribiendo o cediendo canciones para filmes, pero eso ya es otro capítulo fuera del trío clásico. Así que, en concreto, si la pregunta es «¿qué canciones compusieron para películas?», la respuesta honesta es que como banda no compusieron temas expresamente para el cine; lo habitual fue que sus éxitos previos se incorporaran a bandas sonoras, y que cada uso le dio a la canción una nueva vida en pantalla. Eso, para mí, es parte del encanto de su catálogo.

Siempre me emociono al recordar las canciones con las que Ryan Ross dejó huella en los primeros años de Panic! at the Disco. En el primer disco «A Fever You Can't Sweat Out» él fue el principal letrista y uno de los cerebros creativos: temas como «I Write Sins Not Tragedies», «The Only Difference Between Martyrdom and Suicide Is Press Coverage», «Camisado», «But It's Better If You Do» y «Build God, Then We'll Talk» llevan mucho de su sello teatral y barroco. Esos cortes mezclan sarcasmo lírico, imágenes victorianas y estructuras casi teatrales que eran su especialidad. Luego, con «Pretty. Odd.» se nota su cambio de rumbo: canciones como «Nine in the Afternoon», «That Green Gentleman (Things Have Changed)», «When the Day Met the Night», «Northern Downpour» y «Do You Know What I'm Seeing?» muestran su gusto por melodías más psicodélicas, arreglos orquestales y letras más introspectivas. En resumen, si buscas identificar su mano en Panic!, escucha esos dos discos: el primero para su dramatismo afilado y el segundo para su lado más melódico y beatlesco. Personalmente me quedo con la mezcla de ambición lírica y melodía en «Northern Downpour».

Me flipa cómo la historia temprana de Panic! at the Disco tiene tanto de Ryan Ross: su sello está en muchas de las canciones que definieron la banda al principio. Ryan fue guitarrista y uno de los letristas y compositores principales durante los primeros discos, y su voz creativa marcó el rumbo sonoro y estético de ese momento. Si piensas en «A Fever You Can't Sweat Out» o en la dirección barroca y teatral de «Pretty. Odd.», ahí se nota claramente su mano—las letras, las imágenes y la ambición melódica llevan su impronta. No fue un autor solitario en todos los temas, pero sí un motor compositivo que aportó gran parte de las ideas que se convirtieron en los singles y en el carácter del grupo en esos años. La banda, en su formación original, trabajaba de forma colaborativa: Brendon Urie, Ryan Ross, Spencer Smith y Jon Walker se influenciaban mutuamente. Aun así, yo siempre veo a Ross como la figura que empujó hacia arreglos más barrocos y letras con referencias literarias y teatrales; su gusto por los giros dramáticos y frases ingeniosas aparece en canciones que se volvieron emblemáticas. Muchas de las pistas más recordadas del primer y segundo álbum nacieron directa o indirectamente de sus ideas, o al menos fueron moldeadas por su visión. Por ejemplo, el contraste entre el pop visceral y la escrita punzante en varios temas tiene ese sabor Rossiano: teatralidad, ironía y una narrativa interna muy marcada. Cuando Ryan Ross y Jon Walker abandonaron la banda en 2009 para formar «The Young Veins», el panorama cambió de golpe. Después de su salida, Brendon Urie asumió el papel de principal compositor y llevó a Panic! en direcciones distintas, tanto en sonido como en temática; álbunes posteriores muestran esa evolución hacia un proyecto más centrado en la voz y el estilo de Urie. Por eso es importante matizar: sí, Ryan compuso y co-compuso muchas de las canciones principales de los primeros años de Panic!, pero no fue el único autor ni el compositor único de todos los hits de la banda. Su legado está en esa etapa específica y en la impronta creativa que dejó, no en todo el catálogo posterior. Personalmente, me encanta revisar esos discos y sentir cómo conviven dos sensibilidades distintas: la teatral y literaria de Ross y la versatilidad vocal y pop de Urie. Ambos aportaron muchísimo, y leer la historia de la banda es seguir el rastro de esos cambios creativos. Al final, Ryan Ross fue clave en la construcción de la identidad inicial de Panic!, y su contribución sigue siendo evidente cada vez que vuelvo a escuchar esos temas antiguos con un poco de nostalgia y admiración.