¿Cómo Influyó Brian De Palma En El Cine Español?

Aquel plano-secuencia de Brian De Palma me clavó la mirada en la pantalla y, sin darme cuenta, empecé a buscar ese mismo pulso en el cine español. Yo era un veinteañero que devoraba thrillers y melodramas, y lo que más me pegó fue cómo mezclaba suspense clásico con una estética casi pop: colores saturados, encuadres obsesivos y una voluntad de jugar con el deseo y la culpa. Ese cóctel llegó a España en los 80 y 90 y encontró terreno fértil en la Movida y en la libertad creativa postfranquista; directores como Pedro Almodóvar tomaron esa audacia visual y la adaptaron a historias centradas en la emoción, la identidad y el cuerpo. Películas españolas como «Matador» o «La ley del deseo» muestran ese gusto por lo provocador y por el encuadre que mira demasiado tiempo al rostro del otro, algo muy deudor del De Palma voyeurista. Técnicamente, lo que más se pegó fue la forma de mirar: el uso del primer plano para intensificar la culpa, cortes que imitan respiraciones, largo seguimiento para construir tensión y el uso del split diopter para tener dos planos en foco. No siempre se copiaron las escenas violentas al estilo «Dressed to Kill» o la teatralidad de «Scarface», pero sí se replicó la idea de que una escena puede ser a la vez bella y perturbadora. Directores más jóvenes, como Alejandro Amenábar en «Tesis», incorporaron la obsesión por lo audiovisual y la mirada como peligro; otros, como Álex de la Iglesia, mutaron esa violencia estilizada en comedia negra y sátira social. Incluso el cine de género español de los 90 y 2000, especialmente el terror y el giallo-adaptado, bebió de esa estética hiperestilizada. Por último, en lo industrial De Palma dejó una lección indirecta: se puede ser autor y funcionar en taquilla si se domina el lenguaje cinematográfico y se construyen set pieces memorables. Eso ayudó a que productores españoles apostaran por films más ambiciosos visualmente. Para mí, lo más interesante es la mezcla: no se trata de copiar planos, sino de adoptar una actitud —la del cine que no tiene miedo a ser cine— y usarla para contar historias muy nuestras: sobre memoria, represión, deseo y comedia trágica. Ver esas huellas me hizo disfrutar aún más de películas españolas, porque reconocía un diálogo internacional que supo traducirse con personalidad propia.

Me gusta pensar que la huella de Brian De Palma en España fue más un acento que una traducción literal. En mi vida adulta, viendo ciclos y entrevistas, he notado que muchos cineastas españoles absorbieron de De Palma la idea del cine como experiencia sensorial: tensión construida con cámara móvil, montaje que juega con el tiempo, y el gusto por la ambigüedad moral. Eso se refleja en ejemplos concretos: el uso del punto de vista como instrumento narrativo (esa mirada que vigila o delata) aparece en thrillers como «Tesis» y en el cine de Almodóvar en su etapa más oscuramente erótica. Además, la mezcla de géneros —comedia, melodrama, violencia— que De Palma trabajó con descaro dio margen a autores españoles para romper categorías y apostar por historias transgresoras. En resumen, no inventó un cine español nuevo, pero le dio herramientas visuales y una autorización estética que muchos artistas aquí supieron convertir en lenguaje propio; y a mí me dejó la costumbre de buscar el plano que lo dice todo sin palabras.