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Me encanta cuando una clase se transforma en un pequeño escenario; esa energía es contagiosa y exige materiales prácticos y sencillos para que todo salga bien. Primero, el guion impreso: copias por alumno con letras grandes y el reparto marcado. También llevo hojas de señas para cambios de escenas y una versión reducida para los que necesiten ayudas. Un cronograma de ensayos es clave, con tiempos claros y objetivos para cada sesión. Para el atrezzo y vestuario me inclino por lo fácil y reciclable: telas, cinta, cartón, tijeras, pegamento, pinturas acrílicas y rotuladores. Para escenas que requieren sonido, un altavoz portátil o un teléfono con playlist funciona fenomenal; también vale un portátil o tablet con los archivos de audio ya listos. No olvides cinta de escenario (cinta de pintor), pinzas, ganchos y una caja para guardar todo organizado. En cuanto al espacio: marcas en el suelo con cinta coloreada para las entradas y salidas, una lista de roles de apoyo (ayudante de utilería, sonido, vestuario) y hojas con normas de seguridad. Si vas a adaptar un cuento clásico como «La liebre y la tortuga» o «Caperucita Roja», prepara una versión corta, clara y con roles redistribuidos para que todos participen. Al final, una pequeña evaluación tipo sonrisa/estrellas con feedback ayuda a cerrar el proyecto con buena onda.

Me encanta cuando la historia y el cine se rozan, y la figura de Fray Bartolomé de las Casas es uno de esos casos donde la huella es más grande en el papel que en la pantalla. Yo he buscado durante años producciones que le den el protagonismo que merece y, honestamente, no existe una película o serie internacionalmente conocida que esté dedicada exclusivamente a su vida como protagonista principal. Lo que sí hay es una enorme presencia de su pensamiento: su «Brevísima relación de la destrucción de las Indias» ha inspirado documentales, episodios de series históricas y adaptaciones teatrales que citan su voz como referencia obligada para hablar de la colonización y los abusos en América. En muchas producciones aparece como figura de contexto o se alude a sus denuncias sin convertirlo en personaje central. Desde mi punto de vista más cinéfilo, es interesante ver cómo obras como «La otra conquista» o filmes que abordan la conquista y sus consecuencias recogen la sensibilidad que él defendió, aunque no le pongan en primer plano. En otras palabras: su influencia está más en el tono moral y en la perspectiva que adoptan esos relatos que en biopics directos. También existen cortometrajes, producciones universitarias y documentales locales en países latinoamericanos y España que sí se centran en su figura, pero suelen ser de distribución limitada y no alcanzan el público masivo. Con todo, siento que su legado sí ha inspirado a creadores: guionistas y directores que prefieren explorar las voces indígenas y las denuncias de injusticia social toman mucho de su ejemplo. Para quienes disfrutamos de la historia y el cine, seguir esas huellas en documentales y piezas menos conocidas se vuelve casi una caza del tesoro cultural, y a mí me sigue emocionando descubrir esos trabajos pequeños que lo rescatan del olvido.

Una cosa que me impactó fue cómo un pequeño fallo en la admisión de pruebas terminó siendo el giro definitivo del caso. En el juicio de «Dora» se presentó como pieza central el contenido del teléfono móvil que, según la fiscalía, vinculaba a la persona con los hechos. Sin embargo, esa información fue obtenida y analizada sin la orden judicial correspondiente y, además, la cadena de custodia del dispositivo tuvo irregularidades evidentes. Cuando el tribunal de apelación revisó el expediente, consideró que admitir esa prueba vulneró el derecho a un proceso limpio y que su influencia sobre el jurado había sido decisiva. Al excluirse esos datos, desapareció el pilar más sólido de la acusación y el veredicto cambió. Me dejó pensando en lo frágil que puede ser un fallo: no siempre vale la prueba más espectacular, sino la que se obtuvo respetando las reglas; eso terminó salvando la situación en este caso y dejó una sensación amarga pero justa en mí.

Siempre me ha gustado bucear en las cifras de taquilla, y con «Harry Potter y las Reliquias de la Muerte» hay que aclarar antes de todo una cosa: la novela número 7 se adaptó en dos películas, así que la pregunta sobre “Harry Potter 7” puede referirse a «…Parte 1» o a «…Parte 2», o incluso al montante conjunto de ambas. Si hablamos de «Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte 1», en España la recaudación suele aparecer registrada en torno a los 10 millones de euros (aproximadamente). Esa primera parte tuvo una recepción fuerte pero más contenida que la segunda: funcionó muy bien en taquilla los primeros fines de semana, con un público fiel y muchas sesiones agotadas, pero no alcanzó el pico absoluto de la entrega final. Por otro lado, «Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte 2» fue la que realmente rompió cifras en prácticamente todos los territorios; en España la estimación de su recaudación se sitúa alrededor de los 20 millones de euros (aproximadamente). Esa segunda parte fue el fenómeno que empujó a mucha más gente a salas para ver el cierre, y por eso su rendimiento local fue notablemente superior. Si sumas ambas películas, la colección resultante de la adaptación de la séptima novela habría movido en España algo cercano a los 30 millones de euros en total, contando entradas vendidas a lo largo de sus estrenos y reestrenos. Hay que tener en cuenta que las cifras pueden variar según la fuente (informes oficiales del sector, bases de datos de taquilla internacionales o medios especializados) y que las conversiones y ajustes por reestrenos pueden alterar ligeramente los totales. Aun así, esas magnitudes reflejan bien la dimensión del fenómeno: la séptima historia, repartida en dos entregas, fue uno de los mayores éxitos comerciales de la saga en nuestro mercado, y dejó una huella notable en la memoria colectiva de quienes fuimos al cine a verla.

Me encanta cuando una película logra mezclar ternura y locura, y en el caso de «Wonka» ese pulso lo marca Paul King. Él es el director que llevó adelante esta versión previa del mítico chocolatero, y su estilo se siente familiar si has visto «Paddington»: hay una mezcla de humor británico, cariño por los personajes y un diseño visual muy cuidado. Paul King también participó en el guion junto a Simon Farnaby, lo que ayuda a explicar por qué la película respira tanto cuento infantil moderno como comedia adulta sutil. Timothée Chalamet protagoniza y la cinta se estrenó en 2023; la dirección de King apuesta por una fantasía cercana, con momentos que funcionan tanto para quienes conocen la historia original como para nuevos espectadores. Personalmente disfruté cómo King equilibró la nostalgia con ideas nuevas; no intentó clonar versiones anteriores, sino que creó una pieza con personalidad propia. Salí del cine con una sonrisa y con ganas de revisitar sus otras películas para rastrear esos mismos toques de director.

Me encanta recordar los capítulos en los que «Callejeros Viajeros» se lanzaba a explorar España con curiosidad y ojo crítico. He visto cómo han recorrido las grandes ciudades —«Madrid», «Barcelona», «Sevilla» y «Valencia»— mostrando tanto monumentos famosos como barrios con vida propia. También me atraparon los episodios sobre Andalucía: «Granada» con la Alhambra, «Córdoba» y su Mezquita, las playas y tabernas de «Málaga» y «Cádiz», y los rincones blancos como «Ronda» o la ruta de los Pueblos Blancos. Cada reportaje combinaba historia, gastronomía y escenas callejeras que me daban ganas de apuntarlo todo en una libreta de viajes. Además, la serie no dejó de lado las islas y los paisajes naturales: pasaron por las Baleares («Palma de Mallorca», «Ibiza») y por las Canarias («Tenerife», «Gran Canaria», «Lanzarote»), pero también visitaron zonas montañosas y costeras menos mediáticas como los Picos de Europa, la Costa da Morte en Galicia o el Cabo de Gata en Almería. En el norte se detuvieron en «Bilbao», «San Sebastián» y en la Galicia rural con su Camino y las rías. Lo que más valoro es cómo mezclaban grandes urbes con pueblos, festivales y pequeñas historias locales: reportajes en torno a las Fallas de «Valencia», los Sanfermines en «Pamplona», la Semana Santa en «Sevilla» o bodegas en «La Rioja». Me quedé con ganas de buscar en el archivo episodios concretos para revivir esas rutas, porque la serie era una invitación constante a redescubrir España y sus contrastes.

Me emociona mucho hablar de Alan Barroso, un autor que siempre sorprende con su narrativa. Su última obra, «El Eco de los Espejos», salió hace unos meses y ya está haciendo ruido en los círculos literarios. Es una mezcla fascinante de realismo mágico y thriller psicológico, donde cada página te deja con más preguntas que respuestas. Lo que más me gustó fue cómo juega con la percepción de la realidad, haciendo que los personajes (y los lectores) cuestionen sus propias memorias. El libro tiene un ritmo impecable, con giros que no ves venir. Barroso tiene ese don de construir atmósferas densas y personajes complejos. Si te gustan historias que te atrapan desde el primer capítulo, esta es una lectura obligada. Personalmente, me llevó tres noches devorarlo porque simplemente no podía soltarlo.

Me fascina cómo unos minutos de respiración bien dirigida cambian por completo una frase cantada; cuando me concentro en el soporte, la voz gana presencia sin forzar la garganta. Empiezo por describir la base: la respiración diafragmática. Coloco una mano en el abdomen y la otra en el pecho, inhalo lentamente por la nariz notando cómo se expande la parte baja de las costillas (no los hombros). Practica inhalaciones silenciosas de 3-4 segundos y exhalaciones controladas de 6-8 segundos, como si soplaras una vela sin apagarla completamente. Repite 8–12 veces para integrar la sensación. Luego añado ejercicios con fonación que protegen las cuerdas vocales: los lip trills (hacer vibrar los labios) sobre escalas y arpegios, y la fonación por pajita (straw phonation) —cantar o deslizar la voz a través de una pajita sumergida ligeramente en agua o solo la pajita—; ambos promueven un flujo de aire equilibrado y reducen la presión en la glotis. Practico también el 'yawn-sigh' (bostezo seguido de un suspiro) para bajar la laringe y relajar la musculatura, y la messa di voce: sostener una nota y hacer un crescendo y decrescendo suave para entrenar apoyo y cierre vocal. Un par de consejos prácticos: calienta siempre con respiraciones y trinos antes de exigir rango o potencia, mantén la postura erguida con las costillas libres, evita respirar clavicularmente y no fuerces si sientes fatiga. En mi experiencia, dedicar 10–15 minutos a estos ejercicios antes de cantar no solo protege la técnica, sino que hace que cantar sea más disfrutable y menos cansado al final del día.