¿Ed O'Brien Influyó En El Sonido De Radiohead Y Cómo?

Me cuesta no emocionarme cuando hablo de esto: Ed O’Brien lanzó su proyecto en solitario bajo el nombre EOB y, en esas canciones, sí contó con colaboraciones palpables. En el álbum «Earth» aparecen como voces o detalles Thom Yorke y Jonny Greenwood en distintos pasajes, y la cantante folk Laura Marling suma armonías en algunas pistas; todo eso se oye en los singles que salieron antes del disco, como «Brasil» y otros cortes del mismo álbum. Además, en las sesiones de estudio participó gente ligada al circuito alternativo y productores con los que comparte historia desde Radiohead, lo que hace que las texturas guitarrísticas y las voces de apoyo tengan matices reconocibles. Personalmente me encanta cómo esas colaboraciones no compiten con su voz, sino que la arropan: suena a compañeros curiosos experimentando juntos y a detalles que enriquecen cada tema, especialmente en los momentos atmosféricos de «Brasil» y en las canciones más íntimas de «Earth». Termino diciendo que esas colaboraciones le dieron al proyecto una sensación de comunidad sonora que disfruto mucho.

No puedo negar que la evolución musical de Ed O'Brien ha llamado mucho mi atención en los últimos años. Los críticos han destacado con frecuencia su paso de guitarrista de texturas a compositor que asume riesgos: su trabajo en solitario, especialmente en «Earth», fue recibido como un ejercicio de exploración sonora. Muchos reseñistas alabaron la manera en que usa efectos, loops y capas ambientales para construir atmósferas que difieren bastante del perfil más compacto de Radiohead. También valoraron que O'Brien trae ritmo y groove, no solo paisajes sonoros contemplativos. No faltaron críticas puntuales: algunos opinan que su voz aún no alcanza la contundencia de otros frontmen y que ciertas canciones podrían haber pedido melodías más memorables. Aun así, la sensación general entre la prensa especializada fue de respeto por su valentía creativa y por expandir su paleta musical. Yo me quedo con la impresión de alguien que explora sin miedo y con gusto por las texturas, y eso me parece refrescante.

Me enterré en el álbum de Ed O'Brien con la curiosidad y la paciencia de alguien que colecciona discos raros. Sí, Ed O'Brien ha lanzado trabajo en solitario: su álbum debut se llama «Earth», publicado bajo el nombre EOB en 2020. No lo presentó como algo radicalmente distinto a Radiohead, pero sí muestra una faceta más expansiva y luminosa de su sensibilidad: guitarras texturizadas, capas atmosféricas y momentos de ritmo más marcado. Lo que más me gustó fue cómo suena como un proyecto personal, con colaboraciones y una banda propia que le da espacio para respirar. La producción cuida los detalles y las canciones se sienten pensadas para escucharse tanto en auriculares como en directo. En lo personal, me pareció un disco que funciona bien si te apetece escuchar a un músico conocido explorar sonidos sin prisas, y me dejó con ganas de ver qué más podría sacar en el futuro.

Me encanta fijarme en los detalles de los directos, y con Ed O'Brien pasa que sí, lleva guitarras y pedales bastante concretos, aunque siempre con margen para la experimentación. En directo suele alternar guitarras Fender —Stratocasters y Telecasters— y algunas hollowbody como las Gibson de tipo ES para tonos más cálidos. También he visto acústicas cuando el set lo pide; no es alguien que dependa de una única guitarra todo el concierto. Lo importante es que busca guitarras que respondan bien a efectos y sustain, porque gran parte de su voz guitarrera es ambiental. En cuanto a pedales, su arsenal está orientado a texturas: delays, reverbs generosas, modulaciones y looping. Pedales que aparecen con frecuencia en fotos y rig rundowns son el Line 6 DL4 (por su función de looper/sampler), pitch shifters tipo Digitech Whammy, delays analógicos y digitales como Electro-Harmonix Memory Man o unidades modernas tipo Strymon Timeline/BigSky, y cajas de reverb tipo Eventide o Strymon. También usa controladores y racks para orquestar los cambios en vivo. Al final, lo que más destaca es cómo mezcla gadgets concretos para conseguir ese mar de sonido tan suyo.

Me he estado repasando los carteles recientes y los anuncios oficiales de esta temporada veraniega, y por ahora no parece que Ed O'Brien tenga fechas confirmadas en festivales españoles. He seguido sus movimientos desde que empezó a girar con su proyecto en solitario «EOB», y suele anunciar las giras europeas con cierta antelación, así que la ausencia de noticias en las páginas de festivales y en sus redes oficiales suele ser una señal clara. Dicho eso, hay que tener en cuenta que a veces aparece como invitado sorpresa o se suma a festivales en plena temporada de confirmaciones, sobre todo en eventos como Primavera Sound o Mad Cool, donde artistas de su calibre encajan perfecto. Yo personalmente estoy pendiente cada año porque me encanta ver cómo sus temas suenan en directo fuera del contexto de Radiohead. Mi sensación concreta ahora mismo es de expectación más que de confirmación: no hay anuncios públicos, pero tampoco me sorprendería verlo en algún cartel si su calendario europeo lo permite. Mantengo la esperanza y la alerta en mis feeds, porque verlo en España sería un lujo.

Me encantaba cómo sus teclas llenaban el escenario sin robar protagonismo. En los conciertos de «Use Your Illusion» y en las giras posteriores, Dizzy Reed aportó una paleta sonora que cambió la percepción del directo: no sólo ponía acordes, sino que añadía atmósferas. Sus pianos acústicos y sintes recreaban las cuerdas y los arreglos de estudio, haciendo que baladas como «November Rain» o «Estranged» sonaran tan grandiosas en vivo como en el disco. Además, sus rellenos y contrapuntos daban espacio a las guitarras para respirar; cuando Slash subía, Dizzy elegía texturas que elevaban el solo en lugar de competir con él. Otra cosa que siempre noté fue cómo sostenía la dinámica del show. En las partes suaves bajaba el brillo y en los estribillos empujaba con pads y órganos, ayudando a construir esos momentos épicos que se sienten en el pecho. También sumó armonías vocales que enriquecían los coros, y su versatilidad entre piano, Hammond y sintetizador permitió versiones en vivo más fieles y más potentes. Para mí, fue la diferencia entre un concierto bueno y uno que te deja la piel de gallina.

Aquel plano-secuencia de Brian De Palma me clavó la mirada en la pantalla y, sin darme cuenta, empecé a buscar ese mismo pulso en el cine español. Yo era un veinteañero que devoraba thrillers y melodramas, y lo que más me pegó fue cómo mezclaba suspense clásico con una estética casi pop: colores saturados, encuadres obsesivos y una voluntad de jugar con el deseo y la culpa. Ese cóctel llegó a España en los 80 y 90 y encontró terreno fértil en la Movida y en la libertad creativa postfranquista; directores como Pedro Almodóvar tomaron esa audacia visual y la adaptaron a historias centradas en la emoción, la identidad y el cuerpo. Películas españolas como «Matador» o «La ley del deseo» muestran ese gusto por lo provocador y por el encuadre que mira demasiado tiempo al rostro del otro, algo muy deudor del De Palma voyeurista. Técnicamente, lo que más se pegó fue la forma de mirar: el uso del primer plano para intensificar la culpa, cortes que imitan respiraciones, largo seguimiento para construir tensión y el uso del split diopter para tener dos planos en foco. No siempre se copiaron las escenas violentas al estilo «Dressed to Kill» o la teatralidad de «Scarface», pero sí se replicó la idea de que una escena puede ser a la vez bella y perturbadora. Directores más jóvenes, como Alejandro Amenábar en «Tesis», incorporaron la obsesión por lo audiovisual y la mirada como peligro; otros, como Álex de la Iglesia, mutaron esa violencia estilizada en comedia negra y sátira social. Incluso el cine de género español de los 90 y 2000, especialmente el terror y el giallo-adaptado, bebió de esa estética hiperestilizada. Por último, en lo industrial De Palma dejó una lección indirecta: se puede ser autor y funcionar en taquilla si se domina el lenguaje cinematográfico y se construyen set pieces memorables. Eso ayudó a que productores españoles apostaran por films más ambiciosos visualmente. Para mí, lo más interesante es la mezcla: no se trata de copiar planos, sino de adoptar una actitud —la del cine que no tiene miedo a ser cine— y usarla para contar historias muy nuestras: sobre memoria, represión, deseo y comedia trágica. Ver esas huellas me hizo disfrutar aún más de películas españolas, porque reconocía un diálogo internacional que supo traducirse con personalidad propia.

Siempre he pensado que John Entwistle fue el arma secreta de «The Who», ese elemento que transformó ruido en melodía y empujó la banda hacia algo más grande que la suma de sus partes. Recuerdo escuchar «My Generation» y quedar boquiabierto con ese solo de bajo: no era solo acompañamiento, era liderazgo musical. Entwistle elevó el bajo de soporte rítmico a voz principal, creando líneas melódicas que dialogaban con las guitarras de Townshend y los golpes salvajes de Moon. Su sonido era inconfundible: muy definido en los agudos, con attack y presencia en la mezcla, gracias en parte a sus elecciones de cuerdas y equipos que le permitían cortar entre guitarras y batería, sobre todo en directo. Además, su aporte compositivo trajo un contraste oscuro y sarcástico a los álbumes: canciones como «Boris the Spider» o «My Wife» muestran su gusto por el humor negro y las melodías pegajosas. En los arreglos, su bajo no se limitaba a seguir los acordes; hacía contrapuntos, armonías internas y fills que cambiaban la dirección de una canción. Esa actitud de bajo como instrumento protagonista ayudó a que piezas como las de «Tommy» y «Who's Next» tuvieran texturas más ricas y movimientos internos propios. Al final, para mí su influencia fue doble: técnica y actitud. Técnica porque mostró que el bajo podía ser virtuoso y melodioso sin perder contundencia; actitud porque su presencia escénica y su manera de tocar inspiraron a generaciones de bajistas a salir del fondo y tomar riesgo. Esa mezcla es lo que todavía escucho y celebro cuando vuelvo a los clásicos de «The Who».

Siempre me impresiona cómo una sola voz puede fracturar un silencio social y dejar huella en generaciones enteras. Yo descubrí a Edna O’Brien en una librería de segunda mano y recuerdo la mezcla de sorpresa y alivio al leer «The Country Girls»: no era sólo una historia sobre chicas que dejan el pueblo, era una confesión sobre deseos, vergüenzas y la claustrofobia de una Irlanda muy católica. Su talento para narrar la intimidad —esa mezcla de lenguaje poético y observación directa— abrió caminos para que la experiencia femenina dejara de ser tabú en la ficción irlandesa. En mi círculo de lectura solemos hablar de cómo su honestidad ayudó a derribar la censura y a legitimar relatos centrados en mujeres. Además, su obra mostró que lo rural podía tratarse sin idealizaciones ni ridículos: con compasión y crudeza. Me quedo con la sensación de que, gracias a autoras como ella, la literatura irlandesa se volvió más plural y valiente.

Nunca olvidaré cómo Brian Benben convirtió a Martin Tupper en algo más que el típico protagonista de comedia; su voz y su mirada hicieron que «Dream On» respirara con un ritmo propio. Recuerdo que, episodio tras episodio, Benben encontraba pequeños matices: una vacilación en la frase, un pestañeo resignado, una sonrisa que decía más que el diálogo. Eso permitió que la serie jugara con cortes de televisión antiguos y monólogos interiores sin perder humanidad; si los chistes eran ácidos, su entrega los suavizaba con ternura. Además, su química con el resto del elenco, especialmente en las escenas íntimas, elevó momentos que podrían haber sido sólo chistes a escenas sinceras. Al terminar cada capítulo me quedaba con la sensación de que la actuación de Benben marcó la dirección tonal del programa: hizo posible mezclar nostalgia televisiva, humor adulto y cierta vulnerabilidad emocional. Para mí, su influencia fue central y todavía me hace sonreír recordar esas pequeñas interpretaciones que sostenían la serie.