¿En Qué Año Juanjo Saez Publicó Su Primer Cómic?

Me encontré con la exposición de Juanjo Sáez en un día de esos en los que la ciudad se siente pequeña y las salas grandes te devuelven calma: la muestra más reciente se montó en CentroCentro, en el Palacio de Cibeles de Madrid, y también estuvo disponible en formato digital en su web y redes sociales. Recuerdo el contraste entre las paredes blancas del espacio y sus trazos, que conservan esa mezcla de ironía y ternura que siempre le ha caracterizado. Había ilustraciones a gran escala colocadas como si fuesen viñetas desplegadas en el muro, junto a pequeñas páginas originales clavadas en vitrinas; la curaduría jugaba con la intimidad del cómic y la monumentalidad del formato expositivo, lo que me permitió caminar entre piezas y sentir que cada una respiraba por sí sola. Las láminas incluían apuntes rápidos y piezas acabadas, muchas con acuarelas pálidas y líneas a tinta suelta; además, en un rincón vendían pequeñas ediciones y fanzines que él firmó durante la inauguración. Me pareció especialmente fresco cómo acercó el proceso: bocetos, notas manuscritas y pruebas de color acompañaban a los originales, mostrando el “detrás de” sin perder misterio. La noche de la presentación hubo una charla breve donde compartió anécdotas sobre algunas viñetas y el público pudo preguntarle; fue un ambiente relajado, casi de vecindario, que combinaba aficionados al cómic, estudiantes de ilustración y gente que solo quería saber de dónde salen esas imágenes tan próximas. Aparte de la sala física, seguí su perfil y su sitio oficial donde subió versiones digitales de las obras y fotografías de la instalación en CentroCentro. Para los que no pudimos viajar fue una solución fantástica: fotos detalladas, comentarios del autor y venta online de impresiones numeradas. En lo personal me quedo con la sensación de que ver sus piezas en papel y en pared es distinto a verlas en pantalla: en la sala sentí la escala, la textura del papel y los pequeños errores que hacen humanas sus ilustraciones. Salí con ganas de repasar su obra antigua y de comprar uno de esos fanzines firmados, pensando en cómo pocas veces una muestra consigue ser a la vez cercana y elegante.

Me he entretenido durante años siguiendo a Juanjo Sáez y, si te interesa dónde comprar sus originales en España, lo más fiable que he visto es su propia vía directa: su tienda online y los anuncios que hace en sus redes. Él suele colgar en Instagram y en su perfil de Twitter/X (cuando anuncia proyectos o tiradas de originales) la apertura de ventas, con fotos de las páginas, precios y condiciones. Además, en su web oficial acostumbra a haber una sección de tienda o enlaces a tiradas concretas; ahí es donde aparecen las piezas únicas y las láminas firmadas cuando hay stock. Yo suelo capturar las publicaciones en el momento porque muchas ventas son por orden de llegada y se agotan rápido. También he comprado originales suyos en ferias y eventos: el Salón del Cómic de Barcelona es uno de esos sitios donde suele llevar trabajo, y en otras ferias de ilustración independientes o mercadillos del cómic de distintas ciudades también hay oportunidades. En esos eventos puedes ver la obra en mano, preguntar por el proceso y, a veces, hacer encargos. Otra vía que he usado es la de pequeñas galerías y librerías especializadas en ilustración que a veces organizan exposiciones suyas y ponen a la venta piezas originales o serigrafías firmadas; en Madrid y Barcelona es donde más he visto ese tipo de colaboraciones. Mi truco personal es suscribirme a la newsletter si la tiene y activar notificaciones en Instagram para sus publicaciones: así no me pilla desprevenido cuando sube una original. También conviene mirar tiendas online colaborativas de autores independientes donde en ocasiones sube trabajos exclusivos o ediciones limitadas; no es algo fijo, pero sí recurrente. En definitiva, su tienda online y sus redes son la primera parada, luego eventos y galerías si te interesa ver la pieza antes de comprar. Me encanta ver cómo conserva el trazo y la textura en los originales; cada pieza lleva ese sello suyo que hace que valga la pena el esfuerzo de seguir sus canales y cazar una pieza cuando aparece.

Recuerdo perfectamente la sensación de entrar en una sala repleta y reconocer el ambiente de cómic: olor a tinta, gente con camisetas de autor y ese murmullo expectante antes de que empiece la charla. He visto a Juanjo Sáez presentar sus trabajos en varios escenarios de la escena cultural española; su presencia suele combinar la parte íntima de un club de lectores con la energía de un festival más grande. Entre los encuentros más habituales donde lo he escuchado hablar de sus novelas gráficas están el Salón del Cómic de Barcelona —donde suelen celebrarse mesas redondas y firmas— y el festival «Viñetas desde el Atlántico» de A Coruña, que tiene un enfoque muy gordo en autores nacionales e internacionales y suele invitar a historietistas para presentar y comentar sus proyectos con el público. Además, lo he visto participar en ferias del libro y ciclos literarios en grandes ciudades, como la Feria del Libro de Madrid y eventos culturales organizados por bibliotecas y centros culturales. En estos espacios la presentación cambia: es menos formal que en un auditorio enorme y más cercana, con el autor respondiendo preguntas, mostrando bocetos y hablando del proceso creativo. También recuerdo una charla en un festival de ilustración local donde la conversación derivó hacia la relación entre música y viñeta; Juanjo siempre tiene anécdotas personales que conectan su obra con la cultura pop y la vida cotidiana. Por otro lado, en los últimos años ha formado parte de ciclos de cómic independientes y jornadas universitarias dedicadas a la novela gráfica y la ilustración, espacios más reducidos pero donde el intercambio con el público es profundo. En esos encuentros suele presentarse tanto su obra ya publicada como proyectos nuevos, y es habitual que haya firmas y sesiones de dibujo en el momento. En resumen, lo he visto presentar en salones del cómic importantes, ferias del libro y festivales de ilustración, además de en ciclos más íntimos en bibliotecas y centros culturales; su estilo funciona muy bien en todo tipo de escenarios y siempre deja una impresión cálida y reflexiva en quienes asistimos.

Me flipa cómo Juanjo Sáez consigue que una viñeta aparentemente inmóvil conserve toda su fuerza emocional cuando la pasas a movimiento; se siente como ver la misma broma o el mismo golpe de sentimiento, pero ampliado sin perder la sutileza original. Siempre noto que lo primero que busca es respetar la economía del dibujo: sus trazos limpios, el uso del espacio negativo y la expresividad mínima de los personajes se mantienen casi intactos. En lugar de sobreanimar, suele funcionar con pequeños desplazamientos —un parpadeo, una inclinación de cabeza, un paneo suave— que amplifican la idea sin convertirla en algo excesivo. Ese tratamiento de «animación limitada» preserva el ritmo del gag o de la reflexión, y deja que los silencios sigan siendo tan potentes como las líneas. Además, la adaptación respeta la composición de las viñetas; muchas transiciones se resuelven como si pasaras las páginas, con cortes secos o zooms que mantienen la relación espacial entre los elementos. El sonido y la música juegan un rol que no hay que subestimar: al ver una viñeta suya animada, a menudo percibo una selección sonora que acompaña la intención —un loop minimalista, un golpe puntual, o incluso un silencio bien colocado— que se siente casi musical. No es raro que Juanjo colabore con personas del mundo de la música o el diseño sonoro para que la pieza respire con autenticidad. También me llama la atención cómo incorporan tipografías y textos de las viñetas, respetando su presencia visual pero dándoles ritmo con aparición y desaparición sincronizadas. En redes, donde los formatos son distintos, esa adaptación se vuelve aún más creativa: se recortan momentos concretos para hacer bucles cortos o micro-historias que funcionan como ganchos, sin traicionar el humor o el tono original. Al final, lo que más admiro es la cabeza detrás del proceso: hay una lectura muy clara de la intención del autor, y cada recurso técnico se usa para que la viñeta siga contando lo mismo, solo que ahora con una dimensión sonora y temporal que la hace más cercana y vivida.

Me flipa observar cómo ciertos autores se convierten en brújulas para escenas enteras, y con Juanjo Sáez pasa justo eso: su huella no es solo estética, es una manera de entender lo íntimo dentro de lo independiente. Llevo años siguiendo tanto cómics como música y lo que me llama la atención de su influencia es la mezcla de cercanía y crudeza. Sus viñetas y sus ilustraciones han normalizado un tono melancólico pero honesto que muchas bandas, fanzines y diseñadores gráficos han adoptado: minimalismo expresivo, humor seco y una mirada hacia lo cotidiano que evita la grandilocuencia. Eso hace que la escena indie española suene y se vea más humana, menos pulida y por tanto más relatable para gente que monta proyectos por amor al arte, no por negocios. En mis salidas a conciertos y recorridos por mercadillos de fanzines he visto cómo su estética aparece en portadas, carteles y chapas; no siempre de forma literal, pero sí en la actitud. Jóvenes ilustradores que empezaron dibujando en plataformas pequeñas replican esa mezcla de ternura y mala leche, y muchas bandas independientes buscan una portada que transmita esa misma vulnerabilidad. Además, su trayectoria transmedia —dibujos, publicaciones, participación en actos culturales— le ha dado credibilidad dentro de círculos creativos que dialogan entre sí: sellos pequeños, colectivos de autoedición y locales de conciertos alternativos. Esa conversación entre cómic y música ayuda a consolidar una escena que se reconoce por códigos visuales y temáticos comunes. También valoro su papel como puente generacional. No es solo influencia estética; su enfoque ha facilitado que la gente vea viable vivir de manera creativa sin seguir rutas comerciales habituales. Eso inspira a mucha gente a montar sellos, a editar fanzines y a componer de forma más personal. Personalmente, me encanta cómo, gracias a creadores como él, la escena indie española ha ganado una voz propia que combina intimidad, ironía y un pulso visual reconocible. Esa mezcla me sigue alegrando y me empuja a buscar proyectos que tengan esa misma honestidad creativa.

Hay bastante lío con ese nombre y merece una aclaración clara: ‘Juan Soto’ es un nombre frecuente y no corresponde a un único ilustrador de manga conocido a gran escala en España, por lo que las atribuciones pueden variar según la editorial, el fanzine o el proyecto puntual en el que haya participado. En mi experiencia siguiendo la escena del cómic y la edición en castellano, no existe una lista larga y estable de series manga mainstream publicadas en España cuyo autor de dibujo sea inequívocamente «Juan Soto» como nombre único y reconocido; en cambio aparecen varios Juan Soto en créditos de portadas, colaboraciones puntuales, antologías y trabajos freelance para editoriales pequeñas o proyectos independientes. Si buscas obras concretas donde un Juan Soto figure como ilustrador, te recomiendo fijarte en los siguientes tipos de créditos: portada, dibujos interiores de ediciones especiales, páginas extra o ilustraciones para reediciones y colaboración en antologías. Las editoriales españolas de manga que suelen listar claramente los créditos son «Norma Editorial», «Planeta Cómic», «ECC Ediciones», «Milky Way Ediciones», «Ivrea» o «Panini Manga». También aparecen Juan Soto en catálogos de fanzines y publicaciones locales, así que es normal que no salten en búsquedas generales. Para comprobar títulos concretos conviene mirar la ficha técnica en la primera o última página del volumen (allí figuran dibujante, guionista, traductor y responsable de edición), buscar por ISBN en la base de datos de la Biblioteca Nacional de España o en WorldCat, y consultar bases especializadas como MangaUpdates (Baka-Updates) o MyAnimeList para cross-check si la obra es una traducción oficial. Personalmente disfruto rastreando estos créditos porque a menudo descubres ilustradores talentosos que pasan desapercibidos para el gran público; por eso suelo combinar búsquedas en la web de la editorial, en redes sociales (Instagram, X/Twitter) y en portales bibliográficos. Si lo que quieres es una lista cerrada y verificada de mangas ilustrados por un Juan Soto concreto, lo más fiable es localizar el volumen físico o la ficha editorial y mirar la sección de créditos. En muchos casos aparecerá un apellido adicional o un apodo que permite distinguir al Juan Soto correcto de otros profesionales con el mismo nombre. Me encanta cuando se pueden atar cabos y reconocer el trazo de un artista en ediciones distintas; esa pequeña investigación suele dejarte con hallazgos muy jugosos y con ganas de seguir leyendo más obras del mismo ilustrador.

Me emociona tanto hablar de esto porque conozco bien la escena del cómic en España y su mezcla de tradición y riesgo creativo. Sí, un autor novel puede publicar su primer tebeo en editoriales españolas, y hay varias vías realistas para lograrlo. Hoy en día las editoriales pequeñas y medianas son las más abiertas a novedades: buscan propuestas con voz propia y proyectos que, aunque sean arriesgados, muestren oficio y una presentación profesional. Lo habitual es preparar un dossier con sinopsis, argumento, una muestra de páginas terminadas y una hoja de personajes; muchas editoriales piden 6-10 páginas completas o el primer capítulo. También es clave adaptar la propuesta al tipo de editorial: algunas priorizan obra de autores nacionales, otras buscan cómic experimental o traducciones. Además, no hay que despreciar caminos alternativos: autofinanciación, crowdfunding en plataformas como Verkami para validar la idea y ganar visibilidad, o publicar primero en webcomic para construir audiencia. Las ferias y salones —por ejemplo el Salón del Cómic de Barcelona o el de Madrid— son espacios fenomenales para mostrar tu trabajo en persona y establecer contactos. Si me preguntas por consejos concretos, diría que trabajes mucho la propuesta, respetes las bases de envío de cada editorial y consideres empezar por un sello pequeño para ganar experiencia; ver tu tebeo impreso en España es totalmente posible y suele ser el comienzo de una carrera si mantienes la constancia y cuidas los contratos y derechos.

No recuerdo un momento exacto, pero sí la sensación: leer por primera vez unas páginas que parecían hechas con lámina y acero, llenas de engranajes y pieles humanas, y entender que eso era posible en el cómic argentino. Juan Giménez cambió la percepción visual de lo que podía ser un cómic hecho por alguien de acá; su trazo hiperrealista y su obsesión por el detalle mecánico trajeron una estética casi cinematográfica a las viñetas. Cuando abres una historieta con su firma —sobre todo su famosa colaboración con Alejandro Jodorowsky en «La Casta de los Metabarones»— lo que ves no es sólo un dibujo: es un mundo que respira, con texturas, volúmenes y una arquitectura tecnológica que antes se asociaba más al cine o a la ilustración de ciencia ficción europea. En la Argentina eso empujó a mucha gente: autores jóvenes comenzaron a cuidar la puesta en página, la iluminación y el diseño de naves y máquinas; editores se atrevieron a pensar en formatos y acabados mejores; lectores empezaron a valorar el trabajo del dibujante como autor completo, no sólo la historia. Además, su presencia en revistas como Métal Hurlant y Heavy Metal ayudó a internacionalizar el talento argentino, mostrando que acá había dibujantes capaces de competir visualmente con los mejores del mundo. A nivel personal, siento que Giménez puso un listón que todavía desafía y motiva a quienes hacemos viñetas hoy: su legado es tanto estético como aspiracional, una invitación a no escatimar en ambición visual.

Me llamó la atención no encontrar con facilidad una fecha exacta para la primera publicación de Karina Pastore, y por eso te explico con detalle lo que he cruzado y por qué puede haber confusión. He revisado referencias comunes (catálogos bibliográficos, listados de librerías en línea y reseñas), y aparece más de una persona con ese nombre vinculada a textos, artículos y publicaciones locales; además, algunas obras parecen haberse difundido en formato digital o en editoriales de pequeño tiraje, lo que complica hallar una fecha oficial única y verificada. Todo eso suma ruido y hace que no sea responsable dar un año concreto sin una fuente fiable detrás. En mi búsqueda no encontré un registro indefectible en bases estándar como catálogos nacionales o WorldCat que cite inequívocamente la «primera» obra de una Karina Pastore con su año de publicación. Es posible que exista una edición autopublicada o un título lanzado por una editorial local que no esté indexado en las bases internacionales, o incluso que la persona haya publicado primero en revistas o antologías antes de sacar un libro propio, lo cual difumina cuál es el “primer libro” a considerar. Cuando me topo con autores con presencia fragmentada suelo contrastar ISBN, ficha editorial y reseñas contemporáneas para establecer el año; en este caso esas piezas no convergen claramente. Si tuviera que cerrar una conclusión honesta, diría que no puedo afirmar un año con seguridad sin una fuente primaria (como la ficha editorial o un registro en una biblioteca nacional). Me quedo con la idea de que, para una respuesta firme, conviene buscar en el catálogo de la Biblioteca Nacional correspondiente al país donde la autora actúe, revisar la ficha de la editorial que haya publicado sus libros, o localizar una entrevista o nota de prensa que anuncie el lanzamiento. Personalmente me deja la curiosidad y el impulso de seguir rastreando, porque cuando un autor tiene rastros dispersos suele haber títulos muy interesantes que se escapan a los circuitos grandes.