¿Quién Creó Al Profesor Bacterio Y Cuál Es Su Origen?

Hace años guardo con cariño varios tomos de «Mortadelo y Filemón» y cada vez que los hojeo me río con la dinámica entre ellos y el Profesor Bacterio. Yo lo veo como el cerebro torpe detrás de los inventos que mueven la mayoría de las tramas: es el científico oficial de la T.I.A., el tipo que fabrica pociones, artilugios y pastillas milagro que, irónicamente, suelen explotar en la cara de los protagonistas. No es el jefe de Mortadelo y Filemón, sino más bien un colega excéntrico; comparte despacho de instituto o laboratorio con ellos y mantiene una relación de confianza profesional salpicada por constantes errores y malentendidos. Además, me encanta cómo su personaje funciona como catalizador cómico: sus creaciones fallidas generan el gag visual que caracteriza a muchas historietas. Al final del día, aunque sus inventos provoquen desastre tras desastre, hay cierta ternura en su empeño científico. Me parece un aliado imprescindible, responsable directo de innumerables escenas memorables y carcajadas, y eso lo convierte en uno de mis personajes favoritos del universo de «Mortadelo y Filemón».

Me encanta pensar en esos momentos en que abres un cómic y te topas con personajes que ya no te dejan. El profesor Bacterio y sus inventos aparecen por primera vez en las historietas de «Mortadelo y Filemón», creadas por Francisco Ibáñez y publicadas por Editorial Bruguera durante los años sesenta. No puedo asegurar la fecha exacta de su debut sin consultar un índice, pero lo cierto es que se consolidan muy pronto como figuras recurrentes del universo de la T.I.A., siempre con aparatos disparatados que acaban explotando o provocando situaciones imposibles. En mi caso los recuerdo como el alivio cómico imprescindible: el científico loco que aporta ideas descabelladas y, de paso, sirve para que Mortadelo y Filemón se metan en más líos. Muchos álbumes clásicos —por ejemplo el famoso «El sulfato atómico» y otros relatos tempranos— muestran el tipo de inventos que lo hicieron famoso. Al final, su encanto está en esa mezcla de genialidad frustrada y desastre garantizado, algo que siempre me arranca una sonrisa.

Vaya, siempre me ha divertido rastrear quién trae vida al profesor Bacterio fuera de las páginas de «Mortadelo y Filemón». En las adaptaciones cinematográficas y televisivas el personaje suele aparecer tanto en versión de carne y hueso como en animación, y es interpretado por distintos actores según el proyecto: en las películas live-action basadas en los cómics (las más conocidas son «La gran aventura de Mortadelo y Filemón» y «Mortadelo y Filemón. Misión: salvar la Tierra») el papel recae en integrantes del reparto principal de cada film; en las series animadas y doblajes, el profesor Bacterio recibe la voz de distintos actores de doblaje a lo largo de los años. Cada versión le imprime rasgos distintos: en cine suele ser más caricaturesco y físico, mientras que en animación se explotan sus tics y tonos de voz. Personalmente disfruto comparar esas diferencias porque muestran cómo un mismo personaje puede vivir muchas vidas según quien lo interprete.

Me encanta cómo el profesor Bacterio se siente a la vez familiar y siempre susceptible de sorprenderme en «Mortadelo y Filemón». En las primeras entregas es el típico científico excéntrico: pelo alborotado, bata blanca, y una carpeta llena de inventos que casi nunca funcionan. Esa imagen clásica es la que cimentó su papel como motor de las situaciones cómicas, porque sus artefactos disparatados son el gatillo de la mayoría de enredos. Con el tiempo he notado cambios sutiles pero claros: no solo en el trazo del dibujo, que se moderniza y afina, sino en la forma en que se le escribe. Pasa de ser un alivio cómico unidimensional a tener momentos de vulnerabilidad; hay viñetas donde su frustración o su orgullo científico se muestran con más matices. También lo recuerdo participando en gags más elaborados, incluso en historias donde la sátira social y política toma el relevo, y él se convierte en pieza crítica para resaltar el absurdo. Al final me parece que su evolución mantiene la esencia del personaje —el inventor estrafalario— pero le añade capas: empatía, orgullo profesional fallido y una relación casi paternal con los gadgets y, por extensión, con la trama. Me sigue pareciendo uno de los elementos mejor logrados para equilibrar humor físico y comentario inteligente.

Recuerdo con cariño esos tebeos donde el desparpajo de «Mortadelo y Filemón» se mezcla con el desastre anunciado cada vez que aparece el profesor Bacterio. Yo lo veo como el típico ingeniero de garage que prueba ideas imposibles: fabrica rayos (invisibilidad, reducción, crecimiento), robots con inteligencia defectuosa, pistolas que explotan en la mano y máquinas del tiempo que solo logran retrasar la cena. Sus inventos fallidos suelen provocarle a los agentes de la T.I.A. efectos secundarios de lo más delirantes: Mortadelo acaba convertido en animal, Filemón sufre deformaciones temporales o ambos terminan pegados a las paredes por un pegamento experimental. También aparece con potingues y pastillas milagro que no hacen más que empeorar la cosa. Me encanta la variedad: a veces falla por sobrecarga eléctrica, otras por un olvidado manual de instrucciones, y muchas por no probar antes en una maqueta. Esa mezcla de brillantez y torpeza convierte cada invento en un cóctel perfecto de slapstick que me hace reír cada vez que lo releo.

Siempre me han fascinado los personajes que llegan envueltos en misterio, y el Profesor de «La casa de papel» es uno de esos casos que te deja queriendo más. La serie sí nos da piezas clave de su origen: sabemos su nombre real, Sergio Marquina, y vemos escenas íntimas que explican parte de su vínculo con Berlín, su hermano, además de algunos flashbacks que sugieren una infancia compleja y motivos personales que alimentan su necesidad de planificación extrema. También hay momentos que muestran cómo se forjó su mentalidad estratégica y su desconfianza hacia las autoridades. Dicho esto, la narración no derriba por completo el telón sobre su pasado. Muchos detalles sobre sus primeros pasos en el mundo del crimen, sus influencias formativas o por qué tomó decisiones concretas se reservan o se insinúan en lugar de explicarse al detalle. Eso deja espacio para que el personaje conserve su aura enigmática y para que el espectador complete la historia con su imaginación; personalmente pienso que ese equilibrio entre lo contado y lo oculto es parte del gancho de la serie.

Me divierte muchísimo ver cómo «Pasapalabra» se convierte en una herramienta viva dentro del aula cuando se trabaja con intención. En mi experiencia, lo que marca la diferencia no es sólo el formato de preguntas por letra, sino cómo se organizan los roles: un equipo que piensa en voz alta, otro que anota, y uno que controla el tiempo. Eso permite que todo el mundo participe según sus fortalezas y que los más tímidos aporten desde un lugar seguro. Además procuro variar la dificultad y los apoyos: pistas visuales para quienes necesitan llave visual, definiciones más abiertas para fomentar el razonamiento, y rondas relámpago para practicar fluidez. Me fijo mucho en dar retroalimentación inmediata y positiva, y en usar el juego como diagnóstico informal para detectar palabras o conceptos que requieren refuerzo. Al final de la sesión hago una pequeña reflexión en grupo sobre qué estrategias funcionaron, y así el juego no sólo divierte, sino que enseña y construye confianza. Me deja contento ver a quienes dudaban participar ahora defendiendo sus respuestas con orgullo.

Siempre me ha llamado la atención que el personaje del Profesor en «La casa de papel» se sienta como una mezcla deliberada de arquetipos que ya conocemos en la ficción. En mi visión, lo que más lo acerca a otros personajes es su papel de cerebro frío y calculador: me recuerda mucho a Danny Ocean de «Ocean's Eleven», no por el glamour, sino por ese liderazgo estratégico que orquesta cada detalle desde las sombras. También veo rasgos de «Sherlock Holmes» en su forma de racionalizar emociones y anticipar movimientos; esa distancia analítica ante el caos es típica del detective. Al mismo tiempo, hay un dejo de «Arsène Lupin» y del mito del ladrón elegante: un tipo que roba no solo por dinero sino por estética y desafío intelectual. Por último, siento ecos de «El conde de Montecristo» en la paciencia y la capacidad para tramar venganzas o proyectos a muy largo plazo. Esa combinación entre mente fría, idealismo rebelde y teatralidad política hace que el Profesor sea un anti-héroe muy reconocible, y por eso me atrapa tanto.

Me flipa cómo una simple variación de lucha puede contar tanto sobre la evolución de un personaje: Snakeman nació como la respuesta desesperada y brillante de Luffy en un combate donde la velocidad y la imprevisibilidad eran la única salida. Fuera de la ficción, quien concibió y dibujó a Snakeman fue Eiichiro Oda, el autor y creador de «One Piece». Dentro de la historia, la forma la ideó Monkey D. Luffy sobre la marcha durante su enfrentamiento contra Charlotte Katakuri en el arco de «Whole Cake Island», cuando necesitaba algo que superara la capacidad de predicción y la enorme rapidez de su rival. Técnicamente, Snakeman es una variante de Gear Fourth: Luffy infla sus músculos y los recubre con Busoshoku Haki (la defensa/armadura), transformando su cuerpo de goma en una plataforma para golpes que no solo son potentes, sino que pueden cambiar de dirección a alta velocidad. A diferencia de Boundman, que prioriza fuerza bruta y resiliencia con golpes que llevan mucha masa y rebotan como un puño de montaña, Snakeman sacrifica volumen y potencia pura por velocidad, flexibilidad y la capacidad de lanzar ataques que zigzaguean y se ajustan en el aire. Esa dinámica “serpentina” hace que los golpes sean impredecibles: los puñetazos parecen rastrear a su objetivo, giran y vuelven, y eso fue precisamente lo que Luffy necesitaba contra un contrincante que podía leer y anticipar movimientos. El origen narrativo también está muy ligado al entrenamiento que Luffy recibió con Silvers Rayleigh y a sus experiencias previas en combates donde el haki y la elasticidad tuvieron papeles clave. Oda plasmó esa progresión: primero Luffy aprende a sombrear sus golpes con haki, después a combinar su naturaleza de goma con técnicas más sofisticadas, y finalmente a improvisar variantes de Gear Fourth cuando la situación lo exige. Snakeman no apareció como un truco planeado de antemano sino como una solución creativa en pleno fragor de la batalla, lo que refuerza la esencia del personaje: improvisador, tenaz y capaz de evolucionar a golpe de necesidad. Me encanta cómo esta forma resume dos niveles a la vez: por un lado, la autoral, donde Oda decide diseñar una estética y mecánica nueva (el aspecto del cuerpo alargado, la velocidad frenética, la animación de los golpes); y por otro, la in-universe, donde Luffy literalmente se reinventa para sobrevivir y superarse. Para los fans, Snakeman simboliza ese momento en que la historia obliga al protagonista a crecer en técnicas y mentalidad, y además dejó imágenes y escenas memorables en la batalla contra Katakuri. En resumen: creador autoral, Eiichiro Oda; creador dentro de la trama, Monkey D. Luffy; origen, una evolución táctica de Gear Fourth surgida durante el arco de «Whole Cake Island» para contrarrestar la velocidad y previsibilidad del rival.

En mis noches de lectura sobre bestiarios me topé con una versión muy detallada del origen del monstruo pentápodo que me dejó fascinada. En esa tradición, el pentápodo fue engendrado por una secta costera que adoraba a una entidad abisal; mezclaron rituales antiguos con la biología de organismos de aguas profundas para crear una criatura capaz de desplazarse sobre cinco patas y sobrevivir tanto en tierra como en las mareas. El texto que sigo, «El Bestiario de Yharn», describe el proceso como parte ciencia y parte ceremonia: extraían quimeras genéticas de cefalópodos bioluminiscentes y las ‘anclaban’ a esqueletos reforzados mediante minerales recogidos en cuevas submarinas. Lo que más me atrapa es la mezcla de misterio y técnica: no es solo monstruo mítico, sino un experimento nacido de la desesperación humana por dominar recursos marinos. Esa explicación le da al pentápodo una figura trágica; no es maldad pura, sino creación con intención utilitaria que salió mal. Me quedo con la sensación de que las leyendas que combinan ciencia y rito siempre hablan más de los creadores que de la criatura misma.