¿Quién Cumple La Novena Tradicion Aa En Los Comités Locales?

He he estado en reuniones de diferentes barrios y países, así que puedo decir algo con cierta confianza: la cruz no es un símbolo oficial de Alcohólicos Anónimos. AA tiene una iconografía más reconocible como la moneda de sobriedad y el triángulo dentro del círculo que representa unidad, recuperación y servicio. Sin embargo, las reuniones son muy locales y autónomas, así que lo que ves en la pared de una sala depende mucho del lugar donde se reúne el grupo. En muchos casos la cruz aparece porque la reunión se celebra en una iglesia o en un centro de fe que pone su propia decoración, o porque el grupo tiene una orientación espiritual más explícita. También existen programas de recuperación con base cristiana que sí usan la cruz como parte de su identidad, y la gente a veces confunde esos encuentros con las reuniones clásicas de AA. Yo he visto reuniones que claramente indican en el listado si son de enfoque espiritual/evangélico o si prefieren mantener una estética más neutral para que cualquiera se sienta cómodo. Me inclino a pensar que la clave está en la autonomía local: AA no impone la cruz como símbolo, pero tampoco puede controlar la decoración de cada salón. Personalmente valoro cuando los grupos cuidan la inclusión visual porque ayuda a que más personas entren sin sentirse juzgadas, aunque entiendo que en muchos lugares la cruz también puede ser un emblema de apoyo y esperanza para quienes la necesitan.

Me llama la atención cómo «aa» se filtra en pequeños detalles del personaje y no solo en sus acciones grandilocuentes. Pienso en rasgos como el orgullo desmedido: esa sensación de que siempre tiene la razón y que pedir ayuda sería una derrota, lo que lo hace tomar decisiones torpes o arriesgadas. También noto una impulsividad que aparece cuando está bajo presión; actúa antes de pensar y luego debe arreglar las consecuencias, lo que lo hace vulnerable y a la vez previsiblemente humano. Además, percibo inseguridad disfrazada de arrogancia. Muchas veces la fachada de control oculta miedo a no ser suficiente, y eso genera manipulaciones sutiles o competividad innecesaria con quienes lo rodean. Finalmente, su falta de empatía en momentos clave—no por maldad, sino por ceguera emocional—rompe relaciones y crea conflictos duraderos. En conjunto, esos defectos hacen al personaje más complejo y creíble, y a mí me resulta imposible no conectar con alguien tan contradictorio y realista.

Me resulta curioso cómo una frase corta puede acompañarte durante años y, sin darte cuenta, convertirse en una guía cuando todo parece demasiado pesado. He repetido la «Oración de la Serenidad» en momentos donde la culpa y la ansiedad querían dominarme. Para mí esa oración funciona como un recordatorio práctico: aceptar lo que no puedo cambiar, reunir coraje para lo que sí puedo, y pedir —si así lo sientes— sabiduría para diferenciar ambos. No es mágica; es más bien un ancla que calma la mente, reduce la rumia y te obliga a tomar decisiones con menos prisa y más claridad. Además, hay algo comunitario en usarla: en reuniones, en grupos de apoyo, escuchas a otros repetirla y eso te recuerda que no estás solo. Si la combinas con pequeñas acciones —respiraciones, escribir lo que sí depende de ti, pedir ayuda— se vuelve una herramienta poderosa para hallar paz en el ruido. Al final, me deja con una mezcla de aceptación y responsabilidad que me reconforta y me empuja a seguir intentando.

Justo estuve repasando los créditos de la versión española de «Tómalo con calma AA» y me encanta cómo suena todo en castellano. En la grabación principal, la voz de AA corre a cargo de Miguel Ángel Jenner, cuya entonación aporta ese aura pausada y segura que define al personaje. La protagonista femenina, Sara, la dobla Nuria Trifol; su interpretación tiene una mezcla de dulzura y temple que me conquistó desde la primera escena. Óscar Muñoz aparece como Carlos, el amigo cercano, con un timbre cálido que funciona muy bien en los momentos cómicos y en los más emotivos. El reparto de apoyo también está bien elegido: Beatriz Berciano hace voces ambientales y pequeñas secundarias con muchísimo oficio, y Luis Posada presta su voz a Don Manuel, dándole esa autoridad grave que tanto ayuda a la escena. La dirección de doblaje corrió por Jordi Brau en los estudios SDI Media Spain, y se nota el cuidado en la puesta de las voces y la mezcla. Me gustó especialmente la naturalidad del diálogo y cómo el doblaje mantiene el ritmo original sin sentirse forzado. En general, me pareció un trabajo muy profesional que respeta el tono original de «Tómalo con calma AA» y, además, le aporta ese matiz local que hace que la versión española se sienta propia. Personalmente, me quedo con la interpretación de Nuria Trifol; para mí fue la que más me emocionó.

Me gusta pensar en tradiciones como si fueran relatos que se van armando entre muchas manos; en el caso de la costumbre de plegar mil grullas no hay un creador único que pueda señalarse. La grulla ha sido símbolo de longevidad y buena fortuna en Japón desde tiempos antiguos, presente en cuentos como el de la «Tsuru» y en el imaginario budista y sintoísta. La idea de juntar mil grullas de papel para pedir un deseo o para desear pronta recuperación parece surgir del folclore popular y de prácticas comunitarias, no de una invención puntual. En japonés se habla de senbazuru como el conjunto de estas grullas enlazadas. Con los años la historia cobró un significado nuevo gracias a la figura de Sadako Sasaki y la forma en que su historia fue contada en obras como «Sadako y las mil grullas», que internacionalizaron el símbolo y lo ligaron también al deseo de paz. Yo lo veo como un ejemplo precioso de cómo una costumbre anónima puede volverse poderosa cuando la gente decide convertirla en gesto colectivo.

Me encanta cómo «Jamón, jamón» usa la comida como un puente entre lo íntimo y lo social, y desde ese punto de partida puedo decir que sí, la película muestra tradiciones gastronómicas, aunque lo hace con un pincel muy estilizado. Hay escenas concretas que se quedan grabadas: el jamón colgado casi como escultura, los bocadillos rápidos en bares humildes, y la presencia constante del cerdo como elemento cultural. Esos detalles reflejan hábitos reales —el amor por el curado, el papel del embutido en reuniones familiares y en la economía local— pero nunca funciona como un reportaje etnográfico; más bien como una puesta en escena que exagera para contar algo sobre el deseo y la identidad. Me atrajo también cómo el director convierte prácticas cotidianas en símbolos: cortar una loncha de jamón puede ser ternura, provocación o humillación según el contexto. Por eso, la tradición aparece tanto en lo literal (productos, maneras de comer) como en lo simbólico (costumbres, jerarquías, roles). Al salir del cine tuve la sensación de haber visto una España reconocible pero entrelazada con fantasía; una tradición sabrosa y compleja que la película celebra y cuestiona a la vez.

Me llamó la atención cómo varias escenas ponen en primer plano los defectos de carácter de aa, sin necesidad de monólogos obvios. Hay tomas breves donde su impaciencia se ve en el encuadre, en la forma en que corta a los demás; otras, con silencios largos, que exponen su inseguridad disfrazada de superioridad. Eso permite que el público vea el contraste entre lo que dice y lo que hace, y crea una tensión constante que me mantiene pendiente de cada reacción. En otro momento, una discusión aparentemente menor estalla por una palabra fuera de lugar, y la cámara no necesita enfocarlo todo: bastan sus gestos para confirmar que su orgullo es un motor de conflicto. Me gusta que la serie no lo pinta como un villano plano; más bien, evidencia fallos humanos que complican las relaciones alrededor suyo. Al final me quedo pensando en cuánto redime o empeora el personaje según el contexto, y en cómo esas escenas funcionan como pequeños espejos para el espectador, obligándonos a reconocer rasgos parecidos en nosotros mismos.

Recuerdo haber salido del cine hablando sin parar sobre «Rudali» con un amigo, y aún hoy me sigue pareciendo una pieza poderosa sobre la tradición de las plañideras. Yo percibí en la película una representación clara de ese oficio: mujeres que son contratadas para llorar en entierros y que convierten el luto en una forma de sustento. La historia muestra tanto los cantos y los lamentos como la teatralidad que acompaña a esos rituales, además de cómo la comunidad acepta y a veces explota esa práctica. Me interesa cómo la película no solo presenta la tradición como folclore, sino que la inserta en un contexto social más amplio: pobreza, desigualdad de género y jerarquías locales. En varias escenas se aprecia la ropa, los gestos y la ceremonia del duelo, así como la distancia entre los que contratan y las mujeres que lloran. Al final, yo la veo como una mirada compasiva y crítica a la tradición de las plañideras: no se limita a mostrar la costumbre, sino que pregunta por las condiciones que la hacen necesaria, y por eso me quedó una sensación mezcla de tristeza y admiración por esas mujeres.