¿Qué Críticas Tiene 'Ni Una Más' En España?

Me encanta cómo la animación española ha ido ganando terreno con propuestas únicas. Una de mis favoritas es «Arrugas», una película que aborda el Alzheimer con una sensibilidad increíble. La animación es sencilla pero poderosa, y la historia te deja pensando días después. Otro título que recomiendo es «Buñuel en el laberinto de las tortugas», que mezcla biografía y fantasía de forma magistral. Si buscas algo más familiar, «Tadeo Jones» es divertida y llena de aventuras, perfecta para ver con niños. Y no puedo dejar de mencionar «Psiconautas», un cortometraje surrealista que demuestra la creatividad sin límites del equipo español. Cada una de estas obras tiene algo especial, ya sea su narrativa, su estilo visual o su corazón.

Tengo un recuerdo claro de haber investigado ese nombre entre listas de autores y adaptaciones, y lo que encontré fue bastante directo: no hay constancia de una adaptación oficial al anime de obras atribuidas a Euprepio Padula. He revisitado mentalmente las rutas habituales por las que una obra llega al anime —manga, novela ligera, ópera espacial con potencial visual— y no encaja con lo que se conoce públicamente sobre él. Eso no significa que no exista curiosidad o proyectos pequeños, pero nada que haya saltado a la vista en forma de serie, película o proyecto de estudio reconocido. Pienso en la diferencia entre autor popular y autor con presencia mediática: muchas veces las obras que terminan en anime ya tienen una base en manga o en un fandom activo que exige adaptación. Si Euprepio tiene textos más ensayísticos, periodísticos o literarios sin ese puente gráfico, la conversión al anime es menos frecuente. También hay que considerar derechos, traducciones y contactos con editoriales japonesas, que son factores prácticos que bloquean adaptaciones aunque la obra tenga calidad. Me queda la sensación de que, si surgiera interés real, lo más probable sería primero ver una adaptación a manga o a formato gráfico antes que un anime completo; ese paso abre puertas y atrae a los estudios. Personalmente me encantaría ver algo bien adaptado si algún día se diera la oportunidad, pero hoy por hoy mi lectura honesta es que no existe una adaptación al anime reconocida de Euprepio Padula.

Me acuerdo perfectamente de la escena en la que Cruella vuelve a robar cámara; es imposible hablar de «102 Dálmatas» sin mencionar a Glenn Close, que retoma el papel de Cruella de Vil con ese carisma y esa maldad teatral que la hicieron inolvidable. En mi caso, la película me pegó por la interpretación de Close: ella es la fuerza central, la que guía todo el conflicto y la que transforma una comedia familiar en algo con chispa y exceso estilizado. Junto a ella, el reparto humano principal lo completan Ioan Gruffudd y Alice Evans, quienes hacen de los contrapuntos románticos y cómicos frente al desbordado personaje de Cruella. Además, la película usa perros entrenados y efectos visuales para dar vida a los dálmatas, así que el verdadero protagonista en pantalla es, en realidad, la mezcla entre la villana y los perros. Al terminarla me quedé riendo por la exageración de Cruella y pensando en lo bien que Close domina ese papel; sigue siendo el alma del filme.

Me fascina cómo Landero combina memoria y farsa en relatos que parecen contados al calor de una barra de bar. En mis tardes más largas me he vuelto a tropezar con los personajes de «Juegos de la edad tardía» y con esos tipos que no terminan de cuajar en la vida: soñadores que tienen más historias que éxitos. Landero tira de nostalgia rural, de ese paisaje social español que aún huele a pueblo y a promesas rotas, pero lo hace con un humor melancólico que evita la tristeza gratuita. Hay una ternura por los perdedores y una ironía fina hacia las ambiciones vanas. También valoro cómo trata el lenguaje: frases que se estiran como conversaciones, digresiones que parecen anécdotas contadas a propósito. Esa mezcla de realismo y pícaro crea una lectura que me reconforta, porque reconoce que la vida es torpe y extraordinaria a la vez, y lo cuenta sin fingir.

Recuerdo que la noche del final de «Dexter» me dejó con una sensación agridulce y un montón de teorías en la cabeza; todavía hoy disfruto desentrañarlas y compararlas con lo que vino después. Una de las explicaciones más comunes sostiene que el final original (con Dexter fingiendo su muerte y convirtiéndose en un leñador) es una muerte simbólica: no murió físicamente, pero sí perdió todo lo que lo humanizaba —trabajo, familia, posibilidad de conexión— y quedó reducido a la soledad absoluta. En ese sentido, la teoría dice que los guionistas quisieron castigar al personaje por sus fallos morales y hacer ver que el precio del daño que causó era vivir como un “monstruo” sin la pantalla controladora de su código. Para mí esa lectura funciona porque conecta con la idea de que la serie, desde el principio, exploró la soledad como castigo y refugio al mismo tiempo. Otra teoría que siempre discuto con amigos apunta al error creativo: el final fue el resultado de decisiones de producción y cambios de dirección en la serie. Hay quien cree que la sensación abrupta y decepcionante se debe a que los showrunners no supieron cerrar los múltiples hilos (la evolución de Deb, el arco de Dexter, la relación con Harrison), y optaron por una salida que pareciera definitiva aunque no necesariamente satisfactoria. Eso abre otra lectura más cínica: el final no es tanto un mensaje moral como un cierre práctico, una salida que salva al personaje de tener que rendir cuentas plenamente dentro de la pantalla. Por último me gusta pensar en la lectura que une ambos finales —el original y el de la continuación «Dexter: New Blood»— como dos versiones complementarias. «New Blood» reescribió parte del destino y concluye con una muerte más explícita y dolorosa, esta vez ligada a la idea de redención y herencia (la acción de Harrison). Si aceptas que el personaje necesitaba una consecuencia real para completar su arco, la nueva serie ofrece la justicia emocional que muchos pedíamos. Personalmente, me quedo con una mezcla: el final original funciona como metáfora amarga, y la continuación cierra el capítulo con una factura moral más tangible. Me sigue fascinando cómo una misma historia puede sostener tantas lecturas diferentes y aún dar ganas de volver a verla con otro ojo.

Recuerdo el desbarajuste de foros y grupos cuando se anunció la tercera temporada de «Shingeki no Kyojin», y te cuento cómo fue aquí en España: la temporada 3 llegó por partes. La primera tanda (la llamada Part 1) se emitió originalmente en Japón a partir del 23 de julio de 2018, y en España se pudo seguir en simulcast prácticamente al mismo tiempo a través de plataformas que ofrecían subtítulos; fue una alegría poder verla casi al instante y comentar cada capítulo con amigos. La segunda tanda (Part 2), que cierra esa temporada, se estrenó en Japón el 29 de abril de 2019 y de nuevo llegó a espectadores españoles por vías de simulcast en las mismas fechas, aunque dependía un poco de la plataforma que usases. Si tu preferencia era esperar a Netflix o a la edición física, esas versiones tardaron unos meses más en aparecer en el catálogo o en tiendas. Yo viví esa temporada como si fuera una montaña rusa: ver los episodios en directo con la comunidad hizo que los giros tuvieran un impacto brutal. En conclusión, en España la tercera temporada estuvo disponible en simulcast desde el 23 de julio de 2018 (parte 1) y desde el 29 de abril de 2019 (parte 2), con lanzamientos en servicios de catálogo y en físico unos meses después.

No esperaba enamorarme tanto de cómo cierra todo en «un angel en nuestras vidas», pero el final realmente me dejó satisfecho y con la piel de gallina. La novela sí resuelve el misterio central: las piezas que el autor va dejando a lo largo de la trama encajan en la última parte y se revela la identidad y los motivos detrás de ese elemento enigmático. No es un giro gratuito; se siente construido y coherente con las pistas previas, aunque algunas pistas menores funcionan como distracciones deliberadas. Además, aunque el misterio principal queda resuelto, la obra mantiene una capa emotiva y moral que no se sucumbe a explicaciones simplistas. Me gustó que el cierre respete la ambigüedad humana y deje espacio para que el lector piense en las consecuencias, no solo en la solución. Me fui con una mezcla de alivio y ganas de volver a releer ciertas escenas.

Me pegó fuerte enterarme de que el llamado «Domingo Sangriento» que más suele venir a la mente ocurrió en Derry, Irlanda del Norte: fue el 30 de enero de 1972 en el área conocida como Bogside, durante una marcha por los derechos civiles. Aquella jornada, soldados del Regimiento Paracaidista británico abrieron fuego contra manifestantes desarmados; decenas resultaron heridos y catorce personas murieron. La escena quedó grabada en la memoria colectiva y derivó en investigaciones y debates públicos durante décadas. Con el tiempo investigué más y vi cómo la investigación oficial posterior —la Investigación Saville— concluyó que las víctimas eran en su mayoría civiles desarmados y que muchas de las muertes no estaban justificadas. Hoy en el barrio del Bogside hay placas conmemorativas y un trabajo comunitario para que no se olvide lo ocurrido. Me mantiene pensando cómo un solo día puede marcar generaciones enteras en una ciudad: la violencia transformó la vida cotidiana de Derry y dejó lecciones sobre memoria, justicia y reconciliación que todavía resuenan para mí.