¿Qué Motosierra Usa Ash En La Saga Evil Dead?

Tengo un ritual con los jefes duros: primero observo y luego actúo, casi como si estuviera estudiando una coreografía macabra. En «Evil Dead España» Bad Ash tiene un patrón bastante marcable si te tomas el minuto para verlo; empieza con embestidas rápidas, luego transiciona a ataques de área y remates con agarre. Mi primera fase siempre es de espera activa: me coloco en el borde del escenario, uso armas de corto alcance para castigar sus recuperaciones y evito quedarme pegado al cuerpo a cuerpo cuando lanza la animación de empuje. La segunda fase del plan es usar el entorno: hay piezas del mapa que explotan o que bloquean línea de visión; las coloco entre él y yo para forzar que use su ataque AOE y pierda tiempo. Si tengo recursos, guardo una granada o un cóctel molotov para cuando su barra de fase se llena y empieza a spammear. También priorizo armas que rompen su guardia (martillo pesado, escopeta cargada) porque así puedo interrumpir animaciones peligrosas y ganar windows para curarme. Mi cierre es psicológico: baiteo su ataque más largo con un sprint y cuando lo falla le meto la ráfaga completa, y si juego en equipo, coordino para aturdirlo con sincronía. No es solo apretar botones; es manejar recursos, tiempo y posición. Al final, es tan satisfactorio verlo caer tras una pelea sudorosa que siempre me quedo con ganas de repetir la táctica en la siguiente partida.

Me sorprende cómo un zumbido puede quedarse pegado en la memoria; en la película, el técnico de sonido eligió una Stihl 070 para capturar ese rugido tan particular. Recuerdo que la Stihl 070 es de las clásicas, con un motor grande y un timbre grave que, grabado cercano, suena casi como un animal. En la grabación la usaron con el freno de cadena fuera y con un tubo de escape algo abierto para darle ese siseo metálico. El técnico colocó micrófonos dinámicos a corta distancia para pillar la papilla sonora y luego combinó tomas más lejanas para tener ambiente y profundidad. Me encanta cómo ese tipo de decisiones transforma una escena: la elección de la Stihl 070 no fue casual, era para conseguir una presencia física en el sonido que ningún sintetizador podía replicar. Al final, lo que me queda es el respeto por la mezcla —ese motor crudo pasó de ser solo ruido a un personaje auditivo memorable, y eso me sigue fascinando.

Me flipa cómo un héroe puede volverse su propia pesadilla en pantalla. En las películas de «Evil Dead», Bad Ash es básicamente la versión poseída y malvada de Ash Williams: la fuerza demoníaca (los Deadites y lo que se asocia al Necronomicón) toma fragmentos de su identidad y los devuelve convertidos en una figura grotesca que le hace la contra. En «Evil Dead II» aparece como una especie de clon/sombra enfadada que se enfrenta a Ash en escenas que mezclan terror y humor negro; en «Army of Darkness» esa presencia se materializa aún más y actúa como antagonista con metas propias, prácticamente liderando a los muertos contra el verdadero Ash. Lo que me encanta es cómo esa doblez sirve para jugar con la comedia y el horror: Bad Ash es terrorífico porque es Ash, pero exagerado y sin las reservas morales del protagonista. Visualmente usan maquillaje, animatrónica y trucos prácticos para hacerlo más repulsivo, y la actuación aporta esa mezcla de amenaza y sarcasmo que hace que te rías y te estremezcas a la vez. Para mí, Bad Ash es la demostración de que el lado oscuro en «Evil Dead» tiene tanto carisma como susto.

Me fascina lo mucho que la música marca el tono de «Ash vs. Evil Dead» y eso se nota desde el primer segundo: la persona detrás de la banda sonora es Joseph LoDuca. LoDuca lleva décadas trabajando con Sam Raimi y su trabajo en la saga original de «The Evil Dead» ya dejó una huella muy clara, así que cuando volvió para la serie aportó esa mezcla de suspense, humor oscuro y riffs que casa perfecto con el estilo del show. Su uso de motivos recurrentes y texturas orquestales junto a momentos más feroces y guitarreros ayuda a que las escenas de terror no pierdan ni un ápice de energía ni de ironía. Personalmente me encanta cómo respeta la tradición musical de las películas sin quedarse anclado: renueva temas, añade nuevos pasajes y hace que la música sea un personaje más. Al final, la partitura de LoDuca es un pegamento emocional que hace que los sustos y los chistes funcionen igual de bien, y eso para mí es lo que la convierte en una de las mejores virtudes de la serie.

Hace años que me fijo en los detalles de utilería en películas clásicas, y la motosierra de «La matanza de Texas» siempre me llamó la atención. En el caso del film de 1974, lo que más se ve en pantalla es una herramienta doméstica de la época modificada para la escena; no hay un plano donde se lea claramente una marca. En los extras y detrás de cámaras se aprecia que el equipo de utilería recortó y adaptó partes para que funcionara (y, sobre todo, fuera segura en el set), así que la apariencia final es más fruto de la manipulación que de un modelo concreto. Entre coleccionistas y foros circulan nombres como Poulan, Homelite o McCulloch cuando intentan identificarla por la forma del motor y la carcasa, pero no existe documentación oficial que lo confirme. Personalmente, me encanta esa ambigüedad: la motosierra se volvió más un símbolo visceral que un objeto identificable, y por eso sigue tan potente en la imaginería del cine de terror.

Me encanta lo inmediato y bruto que transmite el diseño del protagonista de «Chainsaw Man», y sí: el hombre motosierra mostró un diseño verdaderamente icónico a lo largo de la saga. Desde el primer momento, la silueta de un tipo con motosierras en la cabeza y las manos se pega a la retina; es simple, aterradora y sorprendentemente expresiva. Esa mezcla de horror mecánico con rasgos casi infantiles —gracias a la carita de Pochita— convierte al personaje en una imagen que funciona tanto como símbolo de violencia pura como de ternura perversa, y esa dualidad es clave para que se haya vuelto inolvidable. El diseño brilla por su economia visual. Tatsuki Fujimoto usa pocas líneas pero decisiones visuales muy fuertes: el rojo vivo de la sangre y las motosierras, el negro que recorta la figura, la postura siempre activa y el contraste entre la parte humana y la bestia mecánica. En la primera parte de la saga esa estética salvaje es la que conecta con el tono frenético del relato; en la segunda parte, cuando Denji aparece más cotidiano o con variaciones de vestuario, la monstruosidad sigue latente en la iconografía de las sierras. Además, la adaptación al anime amplificó la iconicidad: el sonido de la motosierra, la animación de las sierras brotando de su cuerpo y los primeros planos intensificaron la huella visual y sonora que el manga ya había sembrado. Eso explica por qué ver a alguien en cosplay con la cabeza-sierra es inmediatamente reconocible, y por qué pósters, pins y camisetas con su silueta se venden con tanta facilidad. También me parece interesante cómo el diseño conecta con el trasfondo emocional y temático. Pochita tiene esa cara simple que genera empatía; la motosierra devora, pero también funciona como corazón y como alivio a la desesperación de Denji. Esa contradicción entre monstruo y cariño es lo que eleva el diseño de un mero recurso impactante a un icono con carga metafórica: representa la supervivencia, el sacrificio y el coste de los deseos. Desde la mirada de alguien que colecciona merchandising o que diseña cosplays, esa claridad forma/función facilita reproducciones y variaciones, mientras que para el lector casual la imagen queda tatuada por su impacto emocional. Hay distintas formas de verlo según la edad o el ánimo: hay quien lo celebra por la brutalidad pura, quien admira el minimalismo gráfico, y quien lo siente como una figura trágica que combina lo grotesco y lo tierno. En conjunto, ese diseño no solo es memorable por su aspecto chillón y violento, sino por cómo articula la historia y el personaje. Personalmente, sigo pensando que pocas imágenes recientes han conseguido ser tan instantáneamente reconocibles y a la vez tan cargadas de significado; es uno de esos diseños que perdurarán en la cultura del manga y el anime durante mucho tiempo.

Me encanta debatir personajes como éste porque Bad Ash —o Evil Ash, como lo verás escrito en varios sitios— tiene una presencia impresionante, pero no es exactamente el villano único o absoluto de la saga «Evil Dead». En «Army of Darkness» su versión maligna sí ejerce como antagonista muy claro: dirige ejércitos, desafía a Ash y representa una versión distorsionada del héroe. Eso lo convierte en uno de los villanos más memorables de la serie. Sin embargo, si miro la franquicia en su conjunto, la amenaza recurrente no es solo Bad Ash sino la fuerza Kandariana detrás de los Deadites y el propio Necronomicón. En «Ash vs Evil Dead» aparecen otros enemigos y arcillas narrativas donde Bad Ash es una pieza importante en ciertos arcos, pero no la figura que controla todo el universo. En la comunidad española de fans —y en foros como «Evil Dead España»— suele destacarse porque es visualmente potente y dramáticamente simbólico, pero la mitología del mal en la saga es colectiva. Me quedo con que Bad Ash es icónico y, cuando aparece, roba la escena, aunque no monopoliza la villanía de toda la franquicia.

Siempre me llamó la atención lo directo que es el diseño del protagonista: su arma no es un accesorio, es prácticamente su identidad. En «Chainsaw Man» (o el chico motosierra, según cómo lo traduzcas), la motosierra es efectivamente la herramienta principal que utiliza para pelear. No es una espada suavecita o un gesto estilizado: las sierras salen de su cabeza y de sus brazos cuando se transforma, y su estilo de combate gira en torno a ese poder visceral, cercano y brutal. Eso le da un tono muy distintivo a sus enfrentamientos; las peleas suelen ser cortas, sangrientas y agresivas, y la motosierra define tanto la estética como la táctica en escena. Aun así, no es tan sencillo como “solo arma”. Hay momentos en que actúa con astucia, usa la violencia de manera inesperada, y depende de su forma de híbrido para regenerarse y seguir luchando. También se apoya en reacciones rápidas y en aliados, y en ocasiones la narrativa muestra consecuencias físicas y emocionales de depender tanto de esa herramienta. Al final, la motosierra es su sello y su principal recurso ofensivo, pero la historia le da matices: es tanto un arma como una extensión de quién es y de lo que quiere, con todo lo caótico y trágico que eso implica.

Me sigue fascinando cómo «Ash vs Evil Dead» convierte objetos en personajes secundarios. El Necronomicón Ex-Mortis es la estrella oscura: no es solo un libro viejo, es el eje de casi todo el caos. Tiene una presencia tangible —las páginas, las inscripciones, el olor a maldad— y funciona como catalizador: quien lo abre pide problemas. Después está la motosierra que Ash se pone en la mano; más que un arma es una extensión de su carácter, su sello visual y su forma de sobrevivir. Esa motosierra tiene tanta personalidad como él. No puedo dejar fuera el famoso “boomstick”, esa escopeta de dos cañones que Ash llama con orgullo. En escenas de acción funciona casi como compañero: ruido, efecto cómico y premio visual. También aparecen cuchillos antiguos como el puñal kandariano, talismanes y objetos rústicos que activan o sellan la maldad. Cada pieza tiene su momento y ayuda a equilibrar el humor con el horror, dejando una sensación de nostalgia y adrenalina al final de cada episodio.

No puedo dejar de sonreír cuando recuerdo la mezcla de humor y gore que trae «Ash vs. Evil Dead», y buena parte de eso se lo debo al cuarteto central de actores. Bruce Campbell es, por supuesto, Ash Williams: carisma puro, sarcasmo a flor de piel y la icónica motosierra. Lucy Lawless interpreta a Ruby con una presencia fría y peligrosa que contrasta perfecto con Ash; su personaje le da una nueva dimensión al universo. Ray Santiago hace de Pablo Simon Bolivar, ese compañero leal que aporta corazón y momentos muy humanos, y Dana DeLorenzo es Kelly Maxwell, una fuerza vital y física que equilibra la locura general. En temporadas iniciales también aparece Jill Marie Jones como Amanda Fisher, que aporta aire policial en la primera temporada, y hay apariciones memorables de Lee Majors como Brock Williams, el padre de Ash, además de Ted Raimi en el papel de Chet, que funciona como alivio cómico y vínculo con el legado de la saga. Si miro la serie como fan de toda la vida, la elección del cast fue perfecta: mezcla veteranos con actores que renovaron la franquicia sin traicionarla. Al final disfruto más cuando veo cómo cada intérprete se come sus escenas y hace que incluso los momentos más ridículos se sientan épicos.