لماذا غيّر بانقتان أسلوبهم في الألبوم الأخير؟

أحسُّ أن التحمس لإطلاق ألبوم جديد لهم يجعلني أبحث في كل زاوية عن الصور والكليبات الرسمية — خصوصًا لأن الجودة والتفاصيل هناك لا تُقاوم. أفضل مكان أبدأ منه هو القنوات الرسمية: عادةً تطرح 'HYBE LABELS' و'BANGTANTV' الفيديوهات الموسيقية الرسمية ونسخ عالية الجودة من الكليبات، مع نسخ متعددة أحيانًا (Performance ver., Dance ver., Story ver.). لصور الألبوم التفصيلية (التي تُعرض كتِيزرات أو صور مفهومية أو فوتو بوكس رقمي)، أنصح بالتحقق من 'Weverse' و'Weverse Shop' لأن المنشورات الرسمية هناك تتضمن صورًا عالية الدقة وغالبًا صورًا حصرية لأعضاء الفرقة. كذلك القنوات الرسمية على إنستجرام وحسابات الأعضاء الشخصية تنشر لقطات فردية ومقاطع قصيرة لكل عضو، وهي طريقة ممتعة لرؤية تفاصيل أزياء وتقاسيم اللوك. إذا أردت مشاهدة لقطات خلف الكواليس أو فترات التحضير، ابحث عن الفيديوهات المسماة 'making of' أو 'behind the scenes' على نفس القنوات الرسمية أو على قناة الفرقة؛ أما منشورات المعجبين (unboxing وfan cams) فستجدها على يوتيوب وتيك توك وإن لم تكن رسمية فهي ممتعة لكن أقل جودة وتقيدًا بالحقوق. أنهي بأن أقول إن متابعة القنوات الرسمية هي أفضل طريقة للحصول على صور وكليبات الألبوم الأخير بجودة ونقاء كاملين، ومعها تستمتع بالتفاصيل الصغيرة التي تجعل كل إصدار مميزًا.

وصلتني التعليقات من جميع الجهات، فحبيت أكتب لك تفصيل بسيط وواضح: آخر أغنية أصدرها بانقتان كانت بعنوان 'Take Two'، ولم تُعلن الفرقة عن تعاون مع فنان خارجي كضيف على هذه الأغنية. الأمر مهم لأن كثير من أغانيهم الماضية كانت تتضمن تعاونات بارزة — لكن هذه المرّة اختاروا أن يجعلوها عملًا جماعيًا داخليًا، بمعنى أن الكتابة والمشاركة الموسيقية جاءت من أعضاء الفرقة وفريق الإنتاج المرتبط بهم. هذا النمط يعكس رغبتهم في الاحتفاء بعلاقتهم مع الجمهور والعودة إلى أساسياتهم، بدلًا من جذب الانتباه بضيوف خارجيين. من الناحية الفنية، يمكن سماع بصمات فريق الإنتاج الدائم للفرقة في التوزيع واللمسات الصوتية، بالإضافة إلى مساهمات الأعضاء في كتابة الألحان والكلمات، وهذا يعطي الأغنية طابعًا شخصيًا دافئًا. بالنسبة لي، كمعجب دائمًا أقدر أن الفرقة تختار أحيانًا هذا الطريق لتبرز هويتها الجماعية، والأغنية تعكس احتفاءً صادقًا بتاريخهم وما صنعوه معًا.

من الأفضل أن أبدأ بأمر واضح: بانقتان لم تُصدر ألبوماً كاملًا باللغة الإنجليزية كألبوم استوديو موحّد حتى الآن. أذكر هذا لأن كثيرين يخلطون بين إطلاق أغنيات منفردة بالإنجليزية وإصدار ألبوم كامل باللغة الإنجليزية. المجموعة أصدرت سلسلة من الأغنيات الإنجليزية الناجحة مثل 'Dynamite' في 21 أغسطس 2020، ثم 'Butter' في 21 مايو 2021، و'Permission to Dance' في 9 يوليو 2021. هذه الأغنيات وصلت للعالم كله وحققت أرقام قياسية، لكنها كانت إصدارات منفردة أو ضمن إصدارات مختلطة اللغة، وليست ألبوماً كاملاً باللغة الإنجليزية. في 10 يونيو 2022 قدموا مجموعة تجميعية بعنوان 'Proof'، وهي ألبوم يجمع مسارات من مسيرتهم مع بعض الأغنيات الجديدة ويشمل أيضاً النسخ الإنجليزية لأغانيهم الشهيرة مثل 'Dynamite' و'Butter'. مع ذلك، 'Proof' لا يُعد ألبوماً استوديوًياً أصلياً مكتوبًا بالكامل بالإنجليزية، بل تجميعيٌّ وتاريخي. أحب متابعة استراتيجيات الفرق الغنائية، وبالنسبة لبانقتان كان التوجه الذكي نحو إصدار سينجلز إنجليزية للوصول لسوق أوسع، بدل إصدار ألبوم إنجليزي كامل حتى الآن. هذا لا يمنع أن المستقبل قد يحكي قصة مختلفة، ولكن حتى تاريخ معرفتي، لم يظهر لديهم ألبوم استوديو مكتمل باللغة الإنجليزية.

التحول في نبرة cheikh بهذا الألبوم ضربني بقوة من اللحظة الأولى—كان واضحًا أن شيئًا ما تغير في الطريقة التي يفكر بها موسيقيًا وصوتيًا. أشعر أن التغيير جاء من رغبة حقيقية في التجديد لا مجرد محاولة لاتباع موضة؛ الألحان أصبحت أكثر جرأة في المزج بين آلات غير متوقعة، والاختيارات الإيقاعية تعكس ميلًا للتجريب بدلاً من التكرار الآمن. الصوت أحيانًا يبدو أقرب إلى الاسترخاء والهمس، وأحيانًا ينفجر بطاقات جديدة، وهذا يبرز أن هناك بالتأكيد يقظة فنية خلف القرار. أظن أن التعاونات الجديدة والوقوف مع منتجين مختلفين لعبا دورًا كبيرًا؛ عندما تسمع من يضيف طبقات إلكترونية أو يعيد ترتيب هيكل الأغنية، ترى صورة مختلفة تمامًا. علاوة على ذلك، ربما مرّ cheikh بتجارب شخصية أو تغيرات في وجهة نظره أثرت على كتاباته، فتحولت المواضيع من الحب والاحتفال إلى تأملات أو نقد اجتماعي أكثر نضجًا. في المقابل، لا أستبعد تأثير السوق ومنصات البث التي تدفع الفنانين لتبني أصوات قابلة للانتشار بسرعة—لكن هنا التوازن بين الرغبة في التجدد والبحث عن جماهير جديدة بدا متقناً. في النهاية، أجد هذا التغيير مثيرًا ومحفزًا؛ هو مخاطرة لكنها تعطي المجال لاكتشاف جوانب لم نرها منه من قبل. أحب أن أستمع للألبوم مرات متعددة لأفهم الطبقات الجديدة، وأعتقد أن cheikh فعل خطوة جريئة تستحق التقدير حتى لو لم تعجب كل الأذواق.

رنّت إشعارات تويتر والإنستغرام عندي بصوت واحد، لكن قبل أن أحكي التفاصيل أحتاج أوضح نقطة مهمة: بدون ذكر اسم حفل الجوائز المحدّد، الإجابة تصبح واسعة لأن بانقتان يظهران في مناسبات متعددة ويأخذان جوائز مختلفة بحسب نوع الحفل. في سياق حفلات الجوائز الكورية الكبرى مثل 'MAMA' أو 'Melon Music Awards'، غالبًا ما يفوز بانقتان بجوائز فئة الأعمال الكبرى مثل 'أفضل فنان' أو 'ألبوم العام' و'أغنية العام'، بالإضافة إلى جوائز الأداء والتصويت الجماهيري. أما في الحفلات الدولية مثل 'Billboard Music Awards' فالجائزة المتكررة لهم كانت 'Top Social Artist' نتيجة قاعدة جماهيرية ضخمة على منصات التواصل. من ناحية الحفلات الغربية الأعلى بروزًا مثل 'Grammy Awards'، تاريخيًا كانوا مرشّحين وبعض الأعمال حصلت على ترشيحات هامة، لكن الفوز هناك أقل تكرارًا مقارنة بالجوائز الكورية أو جوائز البيلبورد. إذًا، الإجابة الدقيقة تعتمد على أي حفل تقصده: إن كان حفلًا محليًا كوريًا، فالأرجح أنهم حصلوا على جوائز كبرى للألبوم أو الأغنية أو الأداء؛ وإن كان حفلًا دوليًا فقد يكون فوزهم في فئات متعلقة بالتأثير الرقمي أو الشعبية. أما شعوري الشخصي كمعجب فهو أن كل فوز لهم مهما كانت تسميته يظل احتفالًا بعلاقة قوية بين الفرقة وجمهورها، وكل جائزة تضيف صفحة جديدة لقصة نجاحهم.

أصابتني مفاجأة لطيفة حين سمعت لحن افتتاحية ألبومه الجديد؛ الصوت بدا كأنه ينبع من رحلة جديدة أكثر جرأة وفضولاً. لقد بدا واضحاً أن تغيير أسلوبه لم يأتِ من فراغ، بل هو نتيجة تراكم تجارب داخلية وخارجية امتدت على سنوات. أحياناً الفنان يصل إلى نقطة يشعر فيها أن الأسلوب ذاته أصبح قيداً؛ عندها يبدأ في تفكيك أدواته الموسيقية وإعادة تركيبها بطريقة تمنحه نفساً جديداً. أرى أنه بحث عن أصوات تعبر عن نضج مختلف: مزج أكبر بين الآلات الإلكترونية والأصداء الحية، تنويع الإيقاعات، وربما تعاون مع منتجين وموسيقيين جدد أدخلوا رؤى إيقاعية وترتيبية لم تكن حاضرة قبلاً. ثمة بعد شخصي لا يمكن تجاهله. غيّر العالم كثيراً في السنوات القليلة الماضية—تجارب الحياة، سفر، لقاءات، وحتى الضغوط الاجتماعية والمهنية قد تدفع الفنان لإعادة تقييم ما يريد قوله وكيف يريده أن يصل إلى المستمع. يمكن أن يكون التغيير أيضاً رد فعل على جمهور متغير: استهلاك الموسيقى الآن يختلف، والمنصات الرقمية تشجع على أزمنة أغاني مختلفة وصيغ إنتاجية أسرع وأكثر تجريباً. لذلك قد رأيته يراعي الشكل الصوتي ليتواصل مع أجيال جديدة دون أن يتخلى تماماً عن جذوره الفنية. من الناحية الفنية، لا بد أنه أراد توسيع نطاق أدواته التعبيرية؛ إضافة تأثيرات صوتية، استخدام مفردات لحنية غير تقليدية، أو حتى تقليل مساحة العزف المنفرد لصالح بناء صوتي جماعي متماسك. أحسست أيضاً أنه يريد مخاطبة موضوعات أكثر حميمية أو زمنية، فاختار أسلوباً يترك مساحات للصمت وللهمسة بدلاً من الامتلاء اللحني المستمر. في النهاية، التغيير بالنسبة لي يبدو كخطوة شجاعة للتجديد—ربما مخاطرة عند بعض المستمعين القدامى، لكنها ضرورية لاستمرار أي فنان يريد أن يتنفس ويُسمع بصوت مختلف. هذا الانطباع يتركني متشوقاً لسماع ما سيقدمه لاحقاً وكيف سيتفاعل معه الجمهور.

شعرت بسعادة غريبة عندما سمعت أن سات سيغادر قليلاً من دائرته الصوتية المعتادة. السبب الأول الذي أراه هو الحاجة لتوسيع اللوحة الصوتية؛ الانتقال من إنتاج أحادي إلى طيف أوسع من الأصوات يتطلب عقلين أو ثلاثة مختلفين، وكل منتج خارجي يأتي معه أدواته الخاصة، عينته على الإيقاع أو الفضاء الصوتي أو الميكسر. هذا يمنح الأغاني روحًا جديدة بدل تكرار وصفة سابقة. ثانياً، كانت خطوة عملية: إذا كان لدى سات جدول مزدحم أو كان يريد إنهاء المشروع بسرعة من دون التضحية بالجودة، التعاون يسمح بتوزيع العمل وتسريع الإنتاج. لا تنسَ الجانب التسويقي كذلك؛ أسماء منتجين معروفين تجذب جمهورًا جديدًا وتفتح أبواباً للترويج على قوائم تشغيل مختلفة. في النهاية، أرى هذا الاختيار كتجربة مدروسة ومتواضعة في آن واحد — مخاطرة محسوبة تهدف لتجديد الصوت وإيصال الموسيقى لآذان أكثر من قبل، وأنا متحمس لمعرفة أي مفاجآت سيحملها الألبوم.

لاحظت تغييرًا عند الاستماع للنسخة الأخيرة لأول مرة، وما جذب انتباهي لم يكن نكهة الصوت بحد ذاتها بل طريقة صياغة الجملة اللحنية حولها. أشرح لك ما سمعته: نغمة اللحن الأساسية —الخط الطبقي الذي تقدر تهمه بصوتك— لم تتعرّض لتغيير جذري؛ ما تغير هو الترتيب والإيقاع والتفاصيل الدقيقة في الأداء. في النسخة الأخيرة تم تقديم الشارة بطبقات صوتية أكثر سماكة، ومزجٍ إلكتروني خفيف يغيّر الإحساس العام، كما أن المغنّي أدخل بعض الزخارف الصغيرة في نهايات العبارات (ad-libs) وتغيّر الإيقاع جزئيًا في المقطع الانتقالي، ما يعطي الانطباع كأن اللحن اختلف بينما في الواقع الخط اللحني الرئيسي بقي recognizable. التغيير أسهل للاكتشاف لو تقارن نسخة الـTV صغيرة الطول مع نسخة السِجل الكامل أو النسخة الحية: في الثلاثين ثانية الأولى ستشعر بأن الإيقاع مختلف وأن الطابع العام أكثر حدة أو نعومة حسب التوزيع. من منظوري كمستمع مهووس بالتفاصيل، أحب هذه التعديلات لأنها تمنح الشارة شخصية مختلفة دون فقدان الهوية الأصلية. لو كنت تراقب النوتة، ستجد أن القمم والنهايات الأساسية متطابقة تقريبا، لكن الانتباه إلى التوصيل والآرابز يعطيك صورة التغيير الحقيقية. خلاصة القول: المغنّي لم يغيّر لحن الشارة الأساسي بشكل كلي، بل تم إعادة توزيعها وأداءها بطريقة تعطي إحساسًا متجدداً — وهذا قد يضلل السماع السطحي ليبدو كـ'لحن جديد' بينما هو في الحقيقة نسخة مُعاد تشكيلها. انتهى على ملاحظة شخصية: أحيانًا أنا أفضّل النسخة الأصلية العارية، وأحيانًا أحب النسخة المعاد ترتيبها لأنها تضيف عمقًا للمشاهد؛ كلاهما له مكانه في قائمة التشغيل لدي.

اشتريت الألبوم في ليلة هادئة وجلسة استماع طويلة، وخرجت منها بمزيج من الحنين والدهشة. كمتابع قديم، شعرت أن ما غيّره ساكسون هذه المرة هو التركيز الواضح على النغمة واللحظة بدل الصخب الخام الذي ميزهم حين بدأوا. الإنتاج أنظف؛ الطبول والباس أكثر وضوحًا في المزيج مما يجعل الإيقاعات تضرب بقوة دون أن تطغى على القيثارات. هذا التعديل في المكس أعطى الأغاني مساحة للتنفس، فالصوت واللحن باتا أوضح، والهمزة الحادة في بعض السولوهات لم تعد تختفي خلف الضجيج. التأليف نفسه اتسم بالاقتصاد: الأغاني أقصر نسبياً، لا تطويلات زائدة، وكل مقطع له هدف واضح. شعرت كذلك بلمسات حالمة هنا وهناك—مقاطع صوتية أو لحنية تضفي طابعًا أكثر تأملًا على النصوص، وكأنهم يريدون أن يرووا قصصاً عن النضج والذكريات وليس فقط عن القوة والركلة. الأداء الصوتي بات أكثر اعتماداً على التعبير من مجرد الصراخ: نبرة أكثر خبرة وخفة في التعامل مع السلَّم الصوتي، وهذا منح الكلمات وزنها. في النهاية، التغيير ليس ثوريًا بل تطوري؛ ساكسون لم يبتعدوا عن جذورهم، لكنهم رتبوا البيت وأدخلوا لمسات إنتاجية وكتابية تجعل الألبوم يشعر وكأنه مزيج من الماضي والحاضر. استمتعت بكل لحظة منه، وشعرت أن الفرقة ما زالت تعرف كيف تَبقيكَ مستيقظاً مع كل لحنة.

هذا التحول الصوتي عند جونغكوك كان بالنسبة لي بمثابة لقاء حميم مع جزء ناضج من إحساسه بالغناء. أُعجب بكيفية استغلاله للطابع الدافئ والمرن في صوته ليُحاكي الروح الحقيقية للـ آر آند بي؛ ليست مجرد محاولة لتقليد اتجاهات غربية، بل اختيار يُظهر جانبًا خامًا وعاطفيًا من شخصيته. أحببت كيف تترك المساحات الموسيقية في الأغنية للتنفس — تقنيات مثل الفواصل الصوتية، الهمس المتعمد، ومدى لحنٍ بسيط لكنه مؤثر تعمل معًا على توجيه الانتباه إلى الكلمات والمشاعر أكثر من الأداء الصاخب. أعتقد أنه شعر بأنه يستطيع أن يصل لأعمق درجات التعبير الداخلي بهذا الأسلوب، خصوصًا وأن R&B يمنح المغني حرية اللعب بالنغمات والزوايا العاطفية. إضافة لذلك، وجود آثار لتأثيرات فنانين أحبهم جمهور عالميًا ربما سهّل عليه الجسر للدخول بسلاسة إلى ساحة موسيقية أوسع، لكن الأهم أنه لم يتخل عن أسلوبه الشخصي؛ النتيجة كانت أغنية تشعر أنها صُرخة هادئة من شخص ناضج ومتصالح مع ذاته.