ما الأخطاء المرئية التي لاحظها المتابعون في فيلم Free Guy؟

هناك مشاهد في 'Free Guy' خلّفت نقاشًا فعليًا على مواقع التواصل وبين محبي الألعاب والسينما على حد سواء، وليس مجرد تعليقات عابرة — النقاش طال أخلاق القصة، تمثيل الصناعة، وحتى معنى الوعي الاصطناعي داخل عالم ألعاب الفيديو. أول ما أثار الجدل هو العلاقة الرومانسية بين شخصية اللاعب الحقيقية Millie و'Guy'، الـNPC الذي يصبح واعيًا. كثيرون أحبّوا المشهد اللي يظهر فيه Guy وهو يكتشف مشاعر جديدة تجاه MolotovGirl (شخصية Millie داخل اللعبة) واعتبروه لحظة إنسانية مؤثرة؛ لكن آخرين طرحوا أسئلة أخلاقية قوية: هل يمكن اعتبار NPC لديه سلوكيات مبرمجة قادراً على الموافقة الحقيقية؟ هل التفاوت في القوة بين المطور/الشركة والكيان الافتراضي يجعل العلاقة غير متوازنة؟ المشاهد التي تُظهر Guy ككائن يبدأ باتخاذ قرارات واعية كانت محط نقاش لأن الناس حاولت فصل الدراما السعيدة عن أسئلة الموافقة والوكالة. جزء آخر من الجدل ركّز على تصوير الشركات الكبرى في صناعة الألعاب، وبالأخص شخصية Antwan التي أدّاها Taika Waititi كشبيه ساخِر لمنتجي ألعاب وناشريها. المشاهد التي تُظهر سرقة الكود أو استغلال العمل الإبداعي لتسويق لعبة كبيرة وتهديد المبدعين لاقت استحسان جمهور يرى فيها انتصارًا للضمير، لكنها أيضًا دفعت مطورين وناقدين إلى القول إن الصورة مبالغٌ فيها وبسيطة للغاية. المشاهد التي تُبرز طريقة Antwan في التعامل مع الحقوق والملكية الفكرية وفي إعلان المنتجات كانت نقطة صدام بين من رأى فيها نقدًا رسوليًا للصناعة ومن ظن أنها تصوير سينمائي مبسّط لمشاكل معقّدة. ثم هناك مشاهد الأكشن والـmeta التي دمجت عناصر ألعاب الفيديو والـ«cameo» للاعبين والمذيعين الواقعيين في المعركة النهائية داخل المدينة الافتراضية. هذا الجزء أثار جدلاً مزدوجًا: جمهور الألعاب استمتع بالمشاهد التي تُعيد إحساس العوالم المفتوحة والقتال الجنوني، بينما رأى بعض النقاد أن الفيلم يخفف من أثر العنف أو يعامله بشكل هزلي لدرجة فقدان الجدية، خاصة عند المقارنة بتأثيرات العنف الواقعي. بالإضافة إلى ذلك، تسببت وفرة الوجوه المعروفة وظهورها كسلاح تسويقي في انتقادات تقول إن الكاميوز أحيانًا تشتت عن القصة الرئيسية بدل أن تخدمها. أخيرًا، النقاش لم يكن كله سلبي؛ الكثير من المشاهدين استمتعوا بالرسالة المؤيدة للإنسانية والإبداع الموجودة في مشاهد Guy وهو يختار أن يفعل الصواب، وبالطريقة التي تواجه بها القصة الاستغلال والملكية الفكرية. بالنسبة إليّ، أكثر ما يبقى لافتًا هو أن الفيلم قدر يحول فكرة لعبة فيديو إلى نقاش أخلاقي واجتماعي بلمسة فكاهية وحنان، حتى لو لم يقدّم إجابات قاطعة لكل الأسئلة التي طرحها؛ ترك شيء للتفكير دائماً أمر جيد في عمل ترفيهي، وهذا ما فعله 'Free Guy' بطريقة تجعلك تضحك ثم تعيد التفكير بعدها.

من أول لحظة رجعت فيها لقطات الفيلم إلى ذهني، انتبهت لطبقات من الأخطاء الصغيرة اللي تخلي المشاهد يحك رأسه من الضحك وفي نفس الوقت من الاستغراب. في 'فيلم البحر بيضحك ليه' كثير من الناس لاحظوا مشكلات استمرارية بين اللقطات: نفس الشخصية تكون لابسة قطعة معينة في لقطة ثم تختفي في التالية، أو كوب على الطاولة يتحرك مكانه بدون سبب منطقي. هذه الأشياء بسيطة لكنها تسرق الإحساس بالانغماس لأن عيوننا تلاحق التفاصيل الصغيرة. بجانب الاستمرارية، لاحظت أخطاء في الإضاءة والظل — أحيانًا المشهد ليه طابع نهاري ثم في لقطة داخلية يطلع ظل غريب على وجه الممثل يشير إلى مصدر ضوء غير موجود في الإطار. وهناك كمان لقطات فيها ميكروفون ظاهر أو انعكاس كاميرا في سطح لامع؛ أخطاء تقليدية في المونتاج لا تتوقعها في فيلم محترم. أيضاً في الحوارات بعض مشاهد الدبلجة أو التزامن الشفهي كان غير مضبوط، فتشعر أن الصوت مفصول عن حركة الشفاه في بعض اللحظات. بالرغم من كل هذا، الشيء اللي أحب أذكره أن هذه الأخطاء زادت من متعة النقاش حول الفيلم؛ الناس بتحب تبحث عن مثل هذه اللحظات وتشاركها ككوميكس أو مقاطع قصيرة. الأخطاء ما كانت كارثية لكنها تبرز أن التصوير أحيانًا مستعجل أو المونتاج تم بسرعة. النهاية؟ استمتعت بالفيلم، لكن لو كانوا صاروا أبلغ في التفاصيل كان حيطلع عمل أنظف بكثير.

أذكر جيدًا الخروج من السينما وأنا أحاول ربط كل الخيوط واللوم يذهب للمخرج والسيناريو والمهربين الخفيين في الخلفية؛ الجمهور لاحظ كثيرًا من الأمور التي فتحت باب النقاش عن مدى واقعية الأحداث في 'Now You See Me'. أول شيء لفت نظري وبالتأكيد لفت نظر المتابعين هو ثغرات الحبكة: التحول الكبير في شخصية العميل الذي تبين لاحقًا أنه وراء كل شيء بدا للبعض مفاجئًا جدًا وغير منسجم مع لمحات سابقة، وكأن السيناريو اختار الحل الأسهل لعمل مفاجأة بدلًا من بناء دوافع معقولة ومتسقة. هذا النوع من الحيل الدرامية يثير تساؤلات عن كيفية تنفيذ بعض المشاهد الكبيرة دون أن يلاحظها جهاز التحقيقات لفترة طويلة. ثانيًا، تفاصيل التنفيذ قديمة الطراز بالنسبة لميزانية الفيلم: مشاهد الإيهام التي تُنسب للسحرة كانت أحيانًا تعتمد على خدع بصرية واضحة أو قطع مونتاجي يمكن ملاحظته (تبدل ملابس سريع أو قطع للمشهد يظهر تغير أماكن الأشياء)، ما جعل مشاهد السحر تبدو أضعف من المطلوب. الجمهور أيضًا انتقد تفسير السحر في نهاية الفيلم—طريقة شرح الخدع تبدو مختصرة جدًا ولا تتوافق مع التعقيد الذي رأيناه، فتصبح النتيجة شعورًا بأن بعض الأحداث تمت بتسهيلات درامية. وأخيرًا، هناك أخطاء استمرارية صغيرة لفتت الانتباه: مواقع الأغراض تتغير بين لقطتين، أو آثار على الملابس تظهر وتختفي، وبعض اللقطات التي تكشف عن استخدام أسلاك أو مؤثرات رقمية ليست متقنة. هذه التفاصيل الصغيرة تقلل من غياب الحاجز بين الواقع والخيال، وتجعل المشاهد يتوقف عن الإعجاب وينتقل إلى التدقيق في كل لقطة. بالمجمل استمتعت بالفيلم وأحببت جوه المسرحي، لكن هذه الأخطاء كانت واضحة في النقاشات بعد المشاهدة، وتركتني أتمنى أن تكون المفاجآت التالية أكثر تماسكًا من حيث البناء والدافع.

شاهدتُ 'Free Guy' وخرجتُ منه مبتسمًا، لأن الفيلم جمع بين فكرة بسيطة لكنها فعّالة وتنفيذ مرح ومؤثر جعل المشاهد يشعر بأنه في رحلة ممتعة داخل لعبة وعبرها في الوقت نفسه. أول سبب جلب الجمهور هو الفكرة بحد ذاتها: شخصية NPC عادية تكتشف الوعي داخل عالم لعبة مفتوحة، وهذه الفكرة تعتبر جذابة لأنها تجمع بين الخيال العلمي والكوميديا وألعاب الفيديو بطريقة واضحة وسهلة الفهم. كثير من الناس—سواء كانوا لاعبين قديمين أو مجرد مشاهدي أفلام صيفية—تجد فضولًا طبيعيًا لمعرفة كيف يمكن لشخصية داخل لعبة أن تتغير، وهذا الفضول قادهم لمتابعة القصة بشغف. ثانياً، وجود نجم الكوميديا والكارزما مثل رايان رينولدز جعل الشخصية محببة وقابلة للتعاطف؛ هو يملك القدرة على المزج بين الطرافة والصدق، فتضحك وفي نفس الوقت تهتم بمصير الشخصية. ثانياً، الفيلم ناجح في المزج بين الأكشن والكوميديا والعاطفة. مشاهد المطاردات في عالم اللعبة مليئة بالطاقة والإبداع لكنها لا تُهمل الجانب الإنساني: علاقة الشخصية مع شخصية تُحبها وتطور وعيه واختياراته تعطي الفيلم عمقًا عاطفيًا. هذا التوازن مهم لأنه يجعل الفيلم مقبولًا لعائلات، ولمشاهدي الأكشن، ولمن يبحثون عن قصة ذات معنى. أيضاً، الإخراج والمرئيات لعبا دورًا كبيرًا؛ المؤثرات البصرية جعلت عالم اللعبة يبدو حقيقيًا لكن مع لمسة مرحة، والصوت والمونتاج حافظا على إيقاع سريع لا يمل منه المشاهد. إضافة إلى ذلك، وجود مراجع لطيفة لعالم الألعاب—Easter eggs وطرائف داخل المشاهد—أعطت المتابعين شعورًا بالمكافأة إن كانوا على دراية بثقافة الألعاب، بينما لم يربك المبتدئين. ثالثًا، رسالة الفيلم كانت مهمة وذات طابع إنساني: عن الاختيار، والحرية، والهروب من التكرار، وعن كوننا أكثر من أدوار نمثلها. هذه الرسائل سهلة الوصول ومستحبة لأنها تمنح الفيلم طابعًا ملهمًا بدل أن يكون مجرد كوميديا بلا أثر. التسويق الذكي أيضاً ساعد: ترايلرات سريعة تحمل مزيجًا من السخرية والإثارة جذبت جمهورًا واسعًا، وانتشار المقاطع والميمز على وسائل التواصل خلق ضجة قبل وبعد العرض. وأخيرًا، توقيت الإصدار بعد فترة من الإرهاق الجماعي أعطى الفيلم قيمة إضافية كنوع من الترفيه الهروب، شيء يستطيع المشاهد الخروج منه وهو في حالة مزاجية أفضل. من كل هذا، يبقى السبب الأهم أنه فيلم لطيف وقابل للمشاهدة مع أصدقاء أو عائلة، يحمل قلبًا صغيرًا وذكاءً خفيفًا وروحًا مرحة. شخصيًا أستمتع بأفلام تعمل على أكثر من مستوى واحد—تضحك، تشد، وتلمس إحساسًا داخليًا—و'Free Guy' فعل ذلك بطريقة ممتعة وممتدة في الذاكرة.

أحب كيف أن مخرج الفيلم صنع شخصية تبدو بسيطة في الظاهر لكنها تنمو أمام عيونك بطريقة تلمس القلب وتضحك في نفس الوقت. في 'Free Guy' كانت رؤية شون ليفي واضحة منذ البداية: خلق بطل غير متوقع، شخصية NPC مُبرمَجة على الروتين تتحول تدريجيًا إلى إنسان كامل المشاعر والاختيارات. الفكرة نفسها كانت ذكية لأنها تمنح المشاهد رحلة تضاد بين العالم الرقمي المتكرر والوعي الذي ينفجر داخله هذا الشاب، وهذا تطلّب اتجاهًا إخراجيًا دقيقًا يجمع بين الكوميديا والحنان الدرامي. تركز تطوير الشخصية على عناصر بسيطة ولكنها قوية: النبرة، الإيماءات الصغيرة، والأفعال المتكررة التي تكوّن الهوية. بدلاً من إغراق الجمهور بشرح طويل، عرض المخرج مشاهد روتينية متكررة — شراء أداة من المتجر، تحية زبائن البنك بتفاؤل مرسوم على الوجه — لتصوير حياة شخصية تبدو بلا عمق. هذا التكرار خلق أرضية مثالية لانفجار النمو: عندما يبدأ Guy في ملاحظة تكراراته، تتبدّل الحركة البصرية والإيقاع واللقطات القريبة لالتقاط الدهشة والفضول. الألوان المستخدمة لصياغة عالمه الأولى كانت دافئة وزاهية، مما يعزز براءة الشخصية، بينما يحصل التحوّل إلى ألوان وخيارات تصوير مختلفة كلما اقترب من وعيه وسرده الشخصي. اختيار رايان رينولدز لم يكن مجرد ضربة حظ، بل جزء من بناء الشخصية؛ لديه قدرة عجيبة على المزج بين السخرية الرقيقة والعاطفة الصادقة. شون ليفي وفر له مساحة للارتجال واللعب بالخطوط الصغيرة في الأداء: نظرات، نبرة صوت، وتعابير وجه بسيطة لكنها محمولة بمعنى. تلك التفاصيل الصغيرة — مثل كيفية تقديم نفسه أو طريقة استجابته للعنف المفاجئ — جعلت Guy يبدو بشرياً. كما أن التفاعل مع الشخصيات المحورية الأخرى، مثل Millie وKeys، كان حاسمًا؛ هما مرآتان تكشفان له جوانب من العالم وتدفعانه لاتخاذ قرارات، وبالتالي المخرج وظّف العلاقات لتطويره بدل الاقتصار على مونولوجات داخلية. من الناحية الفنية، ساهمت المؤثرات البصرية وتصميم الصوت في إبراز تطوره: أصوات اللعبة المتكررة والصوتيات الرقمية تُستخدم أحيانًا كعنصر سردي يظهر تردده أو وعيه المتزايد، بينما يتم كسر الإمكانيات الميكانيكية للعبة تدريجيًا ليُظهر استقلاليته. الإيقاع السردي ليفي لعب دورًا أيضًا — الانتقالات السريعة في المشاهد الكوميدية تعطي مساحة للضحك، ومقاطع الإيقاع الأبطأ تعطي وزنًا لمشاعره الجديدة. في النهاية، ما يجعل تطوير شخصية البطولة في 'Free Guy' ناجحًا هو التوازن بين الفكاهة الصاخبة واللحظات الهادئة المؤثرة: بطل يبدو بسيطًا لكنه يتعلم أن يبني قراراته، ويختبر الخسارة، ويحب، ويُضحّي — وكل ذلك بلمسات إخراجية واداء ممثل جعلت الرحلة ممتعة ومؤثرة بنفس الوقت.

الفضول حول خلف كواليس 'Free Guy' دائمًا جذاب، خصوصًا لأن الفيلم يلعب بين عالمين: العالم الواقعي والعالم الرقمي. لما شفت لقطات اللعبة في الفيلم لأول مرة، جذبتني الحرفة في المزج بين تصوير حقيقي وتصوير ستوديوهات وكم هائل من المؤثرات البصرية. وحقيقة الأمر أن مشاهد لعبة الفيديو لم تُصَوَّر في مكان واحد محدد على أنه «مدينة اللعبة»، بل كانت نتيجة مزيج مدروس بين تصوير خارجي داخل مدينة حقيقية وتصوير داخل غرف خضراء واستوديوهات مخصصة، ثم تحويل كل هذا عبر المؤثرات إلى عالم 'Free City' الذي نراه على الشاشة. أغلب التصوير الميداني للفيلم حصل في منطقة نيو إنجلاند بأمريكا، وبالتحديد حول مدينة بوسطن وولاية ماساتشوستس. الممثلون كانوا يتواجدون في شوارع ومباني فعلية لتصوير أجزاء من العالم الواقعي للفيلم، لكن عندما تنتقل الكاميرا إلى داخل لعبة الفيديو فالأمر يتحوّل إلى عملية اعتماد على الشاشات الخضراء، ولقطات الـ motion-capture، والعمل في استوديوهات مجهزة. يعني ببساطة: المشهد قد يبدأ كمشهد خارجي حقيقي ثم يُنتقل بسرعة إلى بيئة افتراضية عالية التكنولوجيا تم بناؤها رقميًا أو داخل قبة خضراء كبيرة، حيث تُضاف السيارات، المباني، الانفجارات، وكمية التفاصيل الرقمية التي تجعل العالم يبدو أكثر حيوية. الجزء الممتع بالنسبة لي هو كيف أن الفيلم لم يعتمد فقط على المؤثرات الرقمية، بل دمج عناصر واقعية بسيطة—مثل تواجد الممثلين مع ديكورات فعلية أو كومبارس يرتدون ملابس مُصمّمة—حتى تُسهِّل التفاعل بين الممثل والفضاء الرقمي. كذلك، غالبًا ما تُستخدم كاميرات حقيقية لتحريك المشهد مع متابعة نقاط مرجعية في الاستوديو، وبعدها يأتي فريق المؤثرات ليحوّل تلك النقاط إلى محتوى رقمي متكامل. النتيجة؟ إحساس ديناميكي بأن الشخصية داخل اللعبة حقيقية، رغم أنها مبنية من بكسلات ومؤثرات. إذا كنت تبحث عن موقع تقدر تزوره أو تقول "أكوِّن صورة المكان"، فالواقع أنك لن تجد حديقة أو شارعًا بعينه مكتوبًا عليه "هنا صوّروا مشاهد Free City"، لأن معظم ما ترى من عالم اللعبة هو تصنيع رقمي؛ أما الأماكن الحقيقية اللي خدموا فيها فهي سدّتهم لقطات المدينة في بوسطن والمنطقة المحيطة، بالإضافة للعمل داخل استوديوهات محلية مجهزة بمشاهد خضراء وتقنيات الحركة. بالنسبة لعشّاق الكواليس، الأفضل متابعة فيديوهات الـ behind-the-scenes أو مقاطع من فريق العمل حيث يشرحون كيف تم مزج التصوير الواقعي مع CGI—وهذا يكشف العبقرية الفنية اللي حولت لقطات عادية إلى عالم لعبة نابض. أخيرًا، بالنسبة لي المتعة في 'Free Guy' ليست فقط في معرفة أين صوّروا كل مشهد، بل في رؤية كيف يجتمع الواقع والخيال بذكاء: تصوير حقيقي بسيط + أداء تمثيلي قوي + تقنيات حديثة للمؤثرات = عالم لعبة مقنع. السينما هنا باعتقادي تحولت إلى مختبر تجريبي يخلط بين التصوير التقليدي والتصوير الرقمي، وده اللي أعطى الفيلم طابعه المرح والجذاب، حتى لو كان وراء كل مشهد لعبة جبل من العمل التقني والابتكار.

كان فيلم 'Free Guy' مفاجأة سارة بالنسبة لي من ناحيتي كمتابع لسينما الترفيه الخفيفة، لأنه جمع بين فكاهة الألعاب وإيقاع هوليوودي مقنع. عندما راجعت أرقامه لاحقًا، اتضح أنه تجاوز توقعات كثيرة: بتكلفة إنتاج تقارب 125 مليون دولار حقق الفيلم إيرادات عالمية تقترب من 330 مليون دولار، وهو إنجاز مهم خاصة في ظل ظروف الإطلاق خلال موجات متقلبة لعودة الجماهير إلى دور العرض بعد الجائحة. لم يكن فقط رقمًا على الورق؛ كانت تلك الإيرادات دليل أن الفيلم نجح في جذب جمهور متنوع، من عشاق الألعاب إلى عائلات تبحث عن فيلم ممتع. ما أعجبني كذلك هو أن النجاح التجاري ترافَق مع حديث واسع على السوشال ميديا، ومواقف ترويج ذكية من بطل الفيلم، مما زاد من إحساس الانتشار. بوجه عام أعتبر 'Free Guy' قصة نجاح تجارية متكاملة، ليس أعلى أفلام العام، لكنه بالتأكيد فاق توقعات الكثيرين واستحق الاهتمام.

الليل كله تحول إلى قسم التعليقات بعدما نشر حامد العلي تغريدته الأخيرة، وما إن وصلت إلى شاشتي حتى لاحظت سيل الردود والإعجابات والاقتباسات التي لم تهدأ لساعات. كنت أتفقد التغريدات بشغف وكأنني أتبع فصلًا من مسلسل مشوق: الناس انقسمت بين من دعم، من سخر، ومن فتح نقاشات طويلة حول ما قال. التغريدة بدت بسيطة من ناحية النص، لكن قوتها جاءت من توقيتها وسياقها—وهذا ما يجعل المجتمع الرقمي يتفاعل بسرعة ويولّد موجات صغيرة من المحتوى الجديد مثل الميمات والمقالات المصغرة. من الأشياء الممتعة التي لاحظتها أن ردود الفعل لم تقتصر على المتابعين العاديين فقط؛ عدد من الحسابات ذات متابعين أكبر أخذت تنقل التغريدة وتعلق عليها، وبعضها حولها إلى سلسلة من الأسئلة التي استفزت فضول الناس. التعليقات تدرجت بين التشجيع، النقد البناء، وبعض الردود الساخرة التي أضافت طابعًا مرحًا على الموقف. كما ظهرت تحليلات تفصيلية من أشخاص حاولوا ربط التغريدة بخطوات سابقة لحامد العلي أو بمناسبات عامة، وهذا النوع من النقاشات يجعل الأمر ممتعًا لأنك ترى كيف يمكن لجملة واحدة أن تتفرع إلى مئات التأويلات. شخصيًا استمتعت برؤية طريقة الناس تتعامل مع التغريدة—بعضهم أعاد نشرها مع تعليق إيجابي، آخرون فتحوا سلاسل طويلة من النقاش، وبعض المبدعين استخدموا المقطع لصنع صور أو فيديوهات قصيرة. هناك دائمًا طبقة من المستخدمين الذين يبحثون عن القصة وراء المنشور: هل هناك خبر قادم؟ هل هي إشارة لمشروع فني؟ أم مجرد لحظة عاطفية؟ هذه الأسئلة تحفّز المجتمع على المشاركة والربط. ولأن المنصات الاجتماعية تميل إلى التضخيم، كانت النتيجة ظهور اقتباسات من التغريدة في أماكن أخرى، وبرقعة من الردود التي غالَبَها الحماس أو السخرية الودودة. في النهاية، يمكن القول إن متابعيه لاحظوا التغريدة فعلاً، وكانت بمثابة شرارة صغيرة أثارت تفاعلاً ملحوظًا على المنصة. من النادر أن تمر تغريدة لشخص معروف دون أن تخلق أثرًا ما—سواء كان نقاشًا جادًا، موجة دعم، أو مجرد سلسلة من الميمات المضحكة—وهذا بالذات ما يجعل متابعة هذه اللحظات ممتعة كجزء من ثقافة المتابعين الرقمية. أنا شخصيًا سأبقي عينَي على أي متابعة أو رد جديد لأن مثل هذه التغريدات غالبًا ما تكشف عن مفاجآت أو اتجاهات تستحق المتابعة.

بدأت ألاحظ فروقًا صغيرة ثم تحولت إلى قفزات واضحة. في البداية كانت فيديوهات رؤان أقرب إلى تسجيلات عفوية بسيطة: كاميرا ثابتة، كلام مباشر، ونبرة مرحة غير مُصطنعة. بعد عدة أشهر صار واضحًا أنه يهتم أكثر بالسرد؛ كل فيديو الآن لديه مقدمة أقوى، بناء ذروة واضحة، ونهاية تترك أثرًا أو دعوة للتفاعل. التطور لم يأتِ فقط من الناحية الفنية؛ المونتاج أصبح أسرع وأكثر ديناميكية، الانتقالات موضوعة بطريقة تخدم الإيقاع، والصوتيات أُعيدت معالجتها لتكون أنقى. كما لاحظت اهتمامه بالتصوير الخارجي والإضاءة، ما أعطى الفيديوهات طابعًا سينمائيًا أحيانًا. الجمهور تفاعل مع هذا التحسن: زيادة التعليقات الإيجابية، ومقاطع مقتبسة تُعاد مشاركتها، ومشاهدات أطول. بصراحة، أشعر أن التطور حافظ على جوهره لكن رفع مستوى الحرفة بشكل واضح، وهذا ما يجعلني أتابعه بحماس أكبر.